Desfile Fely Campo en la Mercedes-Benz Fashion Week Madrid. Colección 2025/2026

En Gratacós, seguimos de cerca las principales pasarelas de moda españolas, siempre atentos a descubrir cómo nuestros tejidos se convierten en piezas únicas llenas de creatividad. Nos fascina ver la transformación de nuestras telas en manos de los diseñadores, quienes logran dar vida a colecciones cargadas de personalidad y estilo propio. Esta conexión entre materia prima e inspiración es, sin duda, lo que más nos motiva a seguir apostando por la innovación y la calidad.

Durante la reciente edición de la Mercedes-Benz Fashion Week Madrid, celebrada en febrero de 2025, tuvimos la oportunidad de comprobar nuevamente la confianza que muchos creadores depositan en nuestros tejidos para sus propuestas. El empoderamiento femenino, la sostenibilidad, la experimentación con las texturas y la apuesta por materiales que combinan tradición y tecnología han sido algunas de las claves de esta temporada, donde cada prenda no solo destaca por su estética, sino también por la historia que hay detrás.

A continuación, te mostramos una selección de los desfiles más destacados de la temporada Otoño-Invierno 2025/2026, donde nuestros tejidos se han dejado ver en la pasarela. Es un privilegio ver cómo cada diseñador explora nuevas formas de expresión y juega con las texturas para proponer tendencias que inspiran.

Desfile Fely Campo en la Mercedes-Benz Fashion Week Madrid. Colección 2025/2026

Fely Campo

Fely Campo ha presentado SELF><WORLD, una colección que invita a reflexionar sobre la relación entre nuestra identidad y el entorno. ¿Qué proyectamos al mundo? ¿Cómo se traduce nuestro “yo” interior en la imagen que mostramos? Con estas preguntas como punto de partida, la diseñadora salmantina propone un prêt-à-porter de lujo donde la esencia personal y la expresión externa se funden en un mismo lenguaje.

La colección otoño-invierno 2025/26 destaca por su equilibrio entre estructura y fluidez, jugando con materiales que evocan emociones y despiertan los sentidos. El tweed, con su textura envolvente, aporta calidez y remite a la tradición, mientras el terciopelo se presenta como un homenaje a la riqueza sensorial, combinado con lentejuelas y bordados que sugieren brillo contenido y sofisticación. La seda, ligera y etérea, se desliza entre las piezas aportando movimiento y suavidad, en contraste con tejidos más pesados como la lana, creando un diálogo visual entre lo robusto y lo delicado.

La paleta cromática se libera de convencionalismos, rompiendo los límites tradicionales del color. Tonos profundos se entrelazan con destellos luminosos, reflejando las múltiples facetas del “self” y la diversidad de estados emocionales. La versatilidad de las prendas permite que cada mujer se exprese a su manera, con diseños pensados para el día a día que no renuncian a la elegancia ni a la atemporalidad.

Fiel a su compromiso con la sostenibilidad, Fely Campo apuesta por piezas que trascienden lo efímero. Cada diseño está concebido para perdurar, resistiendo la urgencia de lo nuevo y abrazando la belleza que perdura en el tiempo. Las siluetas, refinadas y cómodas, realzan la figura femenina sin imponerse, dejando espacio para que la personalidad de quien las lleva sea la verdadera protagonista. SELF><WORLD es una invitación a reconocerse y mostrarse tal como uno es, con prendas que acompañan, envuelven y reflejan la autenticidad de cada mujer. Porque, como dice la propia diseñadora, “la belleza está en los ojos de quien la contempla”.

Desfile Johanna Calderón. Colección 2025/2026. Foto: Alberto Ramírez

Johanna Calderón

Johanna Calderón escogió el emblemático Four Seasons de Madrid para celebrar un desfile que representa un canto a la diversidad corporal. Cada diseño de la madrileña de corazón andaluz es una declaración de amor propio, una exaltación de la fuerza y la sensualidad femenina. Lentejuelas, pedrería y transparencias se apoderaron de la pasarela, dibujando siluetas que abrazan el cuerpo con cortes estratégicos que realzan la figura sin perder elegancia. Su colección se sumerge en un universo festivo donde cada prenda celebra la autoafirmación. Transparencias sutiles conviven con bordados meticulosos y tejidos que brillan con luz propia, concebidos para mujeres que quieren sentirse poderosas y radiantes. Más que moda, es un canto a la seguridad y el empoderamiento, con piezas que invitan a vestir desde la confianza y la libertad.

Para dar vida a esta propuesta, Calderón contó con la colaboración de Miah Management, la primera agencia española dedicada íntegramente a modelos curvy. “No fui capaz de encontrar un casting de modelos tan variado en ninguna otra agencia”, explica la diseñadora, firme defensora de la representación real de las mujeres. La diversidad fue, así, uno de los ejes centrales del desfile, con tallas que iban desde la 38 hasta la 56, reivindicando la belleza en todas sus formas. En definitiva, Johanna Calderón transforma el acto de vestirse en una experiencia cargada de significado, donde la sensualidad y la diversidad se entrelazan para rendir homenaje a la mujer actual: fuerte, segura y dueña de su propia historia.

Desfile Mans en la Mercedes-Benz Fashion Week Madrid. Colección 2025/2026

Mans

La colección de Mans, ganadora del premio L’Oréal a la mejor colección en la 81ª edición de la Mercedes-Benz Fashion Week Madrid, se sumerge en la reinterpretación del traje femenino con una sastrería impecable que equilibra tradición e innovación. Liderada por el diseñador sevillano Javier Álvarez, la propuesta destaca por su cuidada construcción y atención al detalle, explorando siluetas estructuradas con líneas rectas y volúmenes fluidos que se adaptan a la figura femenina, respondiendo a las demandas de comodidad y elegancia contemporánea.

Entre las piezas clave destacan los trajes de corte británico con americanas de doble botonadura y grandes solapas, combinados con pantalones de tiro alto y pierna ancha, ajustados con fajines y lazadas que aportan un toque lúdico al conjunto. Los abrigos, en distintas versiones, llegan hasta los pies con solapas redondeadas y texturas envolventes, mientras que las camisas, tanto en su versión femenina como masculina, sorprenden con plisados horizontales y detalles de chorreras que añaden un aire romántico. Esta dualidad de género se refleja también en las blusas transparentes y faldas de corte mini y midi, que aportan versatilidad a la colección.

La paleta cromática, dominada por tonos neutros, se anima con acentos vibrantes como el rojo, el morado nazareno, el amarillo y el naranja, evocando un espíritu cosmopolita y audaz. El terciopelo, protagonista textil de la propuesta, rinde homenaje a la estética de los años 90 con Tom Ford como referente, mientras que las lanas de Scabal —tejidos icónicos que han vestido a personajes como James Bond o Vito Corleone— aportan un extra de sofisticación y herencia sartorial.

El reconocimiento a esta colección no solo celebra la excelencia del diseño, sino también la evolución de Mans hacia una moda que abraza la diversidad, la funcionalidad y el lujo contemporáneo, manteniendo siempre la esencia de la sastrería que define su ADN. Para Javier Álvarez, este galardón supone la recompensa a una colección “difícil de construir” y refleja la conexión de la firma con las necesidades de un público que busca piezas especiales y atemporales.

Desfile Malne en la Mercedes-Benz Fashion Week Madrid. Colección 2025/2026

Malne

En “Bohemian Future” Malne ha celebrado el glamour romántico y la esencia bohemia bajo una mirada futurista. La firma, fundada en 2016 por Paloma Álvarez y Juanjo Mánez, vuelve a apostar por la moda lenta y la producción artesanal desde su atelier en Madrid, reafirmando su compromiso con la sostenibilidad y la creación de piezas atemporales. Con una narrativa que fusiona la estética boho chic de los años 70 con un enfoque urbano y contemporáneo, la colección viste a una mujer que juega con la moda sin perder de vista la responsabilidad medioambiental.

Las prendas clave exploran la dualidad entre la delicadeza y la estructura: las capas de tweed, de corte impecable, se combinan con túnicas fluidas y blusas vaporosas que se deslizan sobre la pasarela. Los vestidos de chiffon, voluptuosos y ligeros, se tiñen de colores intensos como el verde esmeralda, el rojo rubí y el clásico negro, tono fetiche de la firma. Las chaquetas, otro de los sellos distintivos de Malne, se presentan en versión fitted, realzando la silueta femenina con un toque sofisticado y urbano.

En cuanto a los materiales, la colección para el próximo invierno apuesta por tejidos nobles como el tweed, la gasa de seda, el cashmere, el gazar y las micropaillettes, que aportan textura y brillo sutil a las composiciones. Cada pieza está diseñada para transmitir fuerza y personalidad, reflejando el ADN de la firma y su enfoque en la moda como forma de expresión artística. “Esta colección habla de una mujer del futuro, consciente y libre, que no renuncia al lujo ni a la belleza de lo bien hecho”, comentan Álvarez y Mánez.

Con esta propuesta, Malne no solo reinterpreta el bohemio de luxe, sino que reafirma su lugar en el panorama de la moda española como referente de la alta costura contemporánea, donde la artesanía, la sostenibilidad y la exclusividad se dan la mano para crear prendas únicas y atemporales.

Desfile Menchen Tomás en la Mercedes-Benz Fashion Week Madrid. Colección 2025/2026

Menchen Tomas

BLITZ de Menchén Tomás es una colección que viaja al corazón del Londres de los años 80 para revivir el espíritu creativo y rebelde del legendario Blitz Club. Epicentro de la escena underground y cuna de la vanguardia estética y musical de la época, este mítico club inspira una propuesta que celebra la libertad de expresión y la audacia estilística, reinterpretadas desde una mirada contemporánea.

La firma liderada por Olga Menchén apuesta para la próxima temporada por piezas que invitan a jugar con la moda como acto creativo y personal. Sedas delicadas, crep estructurado, triacetato y chantillí conforman una selección de tejidos que ofrecen movimiento, textura y una sensación de lujo táctil. La paleta cromática evoluciona desde la sobriedad del blanco y negro hasta matices metálicos, verde eucalipto, azul porcelana y rosa palo, evocando emociones que complementan el dinamismo de las prendas. Las siluetas exploran volúmenes y estructuras que dialogan con la experimentación estética del Blitz Club. Los diseños se atreven a descontextualizar prendas y materiales tradicionales, proponiendo túnicas, blusas oversize, pantalones de corte recto y vestidos que juegan con capas y transparencias. Cada look es una invitación a liberarse de las normas establecidas y abrazar la moda como forma de autoexpresión.

Más allá de la estética, BLITZ plantea una reflexión sobre la sostenibilidad y la importancia de dar una segunda vida a los materiales. La firma reivindica la artesanía local y el valor del trabajo hecho en España, garantizando un control minucioso de cada fase de producción y reafirmando su compromiso con la calidad y la responsabilidad medioambiental.

Esta colección es una oda a la osadía creativa y a la identidad libre, donde cada prenda busca inspirar y empoderar a quienes la llevan. Para Menchén Tomás, vestir es mucho más que cubrirse: es atreverse a imaginar y expresar quiénes somos.

Desfile Yolancris en la Mercedes-Benz Fashion Week Madrid. Colección 2025/2026

Yolancris

YOLANCRIS, la firma barcelonesa fundada por las hermanas Yolanda y Cristina Pérez, ha presentado su nueva colección bajo la línea YC prêt-à-porter: una reinterpretación contemporánea de la extravagancia y el arte de vivir de la marquesa Luisa Casati. Inspirada en esta icónica figura del siglo XX, la propuesta rinde homenaje a la mujer empoderada que convirtió su vida en una obra de arte, desafiando las normas establecidas de su época.

La nueva propuesta se mueve entre tres pilares creativos: el Modernismo catalán, la libertad irreverente de los años 70 y la herencia artística de Mariano Fortuny. El resultado es una serie de piezas que exploran la dualidad entre opulencia y funcionalidad, manteniendo la esencia artesanal que define a la casa desde 2005. Las túnicas y abrigos envolventes se combinan con pantalones de corte setentero y maxi blusas, mientras los vestidos rectos incorporan detalles art decó que aportan sofisticación sin excesos.

En cuanto a los materiales, Yolancris despliega un universo textil que enfatiza la calidad y la textura. El cuero y el encaje —éste último trabajado con la técnica del plisado soleil— conviven con terciopelos ricos y gasas de seda que aportan ligereza y movimiento. Los bordados artesanales y los detalles ornamentales hechos a mano subrayan el compromiso de la firma con la excelencia en la confección y el savoir-faire local. Esta combinación de tejidos pesados y etéreos crea un contraste visual que, a la vez, refuerza la versatilidad de la colección.

La paleta de colores transita entre tonalidades oscuras y neutras —como negros intensos y grises profundos— y acentos más vibrantes que evocan el espíritu libre de la década de los 70. La propuesta de Yolancris no solo busca vestir, sino también empoderar: cada prenda es una declaración de libertad, pensada para la mujer contemporánea que valora la comodidad sin renunciar a la elegancia.

Esta primera incursión de la línea YC prêt-à-porter en la Mercedes-Benz Fashion Week Madrid representa un paso importante para la marca, que reafirma su compromiso con la producción local y la sostenibilidad. Yolancris demuestra que la moda cotidiana puede ser un vehículo de autoexpresión y autenticidad, fusionando tradición y modernidad con un enfoque sofisticado y actual.

Si hay un diseñador que entendió la moda como un espectáculo, ese fue Gianni Versace. No se limitó a crear ropa; construyó un universo propio, donde el exceso era sinónimo de elegancia y la cultura pop se mezclaba con la mitología clásica. Ahora, su esencia resurge en ‘Gianni Versace Retrospective’, una exposición inédita en España organizada por Fundación Unicaja que desembarca en Málaga con más de 500 piezas originales para hacer un recorrido por la mente del genio italiano.

La muestra se aloja en el edificio histórico del Palacio Episcopal y, a lo largo de nueve secciones temáticas, nos invita a explorar sus inspiraciones, desde la Grecia Clásica hasta la vibrante escena de Miami Beach en los 90. Entre tejidos brillantes, estampados barrocos -como el icónico Barocco- y looks que definieron la era de las Supermodelos, esta exposición nos recuerda que el legado de Versace sigue más vivo que nunca.

El diseñador que hizo de la moda un espectáculo

Gianni Versace no solo revolucionó la moda, la redefinió. En los 80 y 90, sus desfiles eran eventos donde las supermodelos caminaban como diosas modernas y la ropa gritaba poder y sensualidad. Sus creaciones también vestían a estrellas como Madonna, Prince y Elton John, consolidándolo como el diseñador de los iconos.

Su capacidad para mezclar referencias culturales de distintas épocas y geografías convirtió sus diseños en piezas de arte vestibles. Desde el clasicismo grecolatino hasta la estética punk, Versace absorbía todo lo que le inspiraba y lo transformaba en algo único. Su aproximación a la moda era instintiva y profundamente visual: no temía al color, los patrones exuberantes ni a las siluetas audaces. Su marca se convirtió en sinónimo de lujo atrevido y glamour sin límites.

La exposición es inédita en España y capta ese espíritu, desde sus inicios en Calabria, su llegada a Milán y su fascinación por el arte y la arquitectura hasta su última colección de 1997, antes de morir asesinado. A través de sus looks más icónicos, bocetos originales y fotografías inéditas, Gianni Versace Retrospective nos sumerge en su proceso creativo.

Las claves para entender el alma de Gianni Versace

La exposición se estructura en nueve espacios que recogen algunos aspectos fundamentales del imaginario de Gianni Versace, patente en todos sus diseños.

Inspiración en la mitología greco-romana: La fascinación de Versace por la antigüedad clásica se refleja en su uso recurrente de la iconografía mitológica. La Medusa, convertida en emblema de la firma, simboliza la atracción irresistible y el poder. Sus colecciones incorporaban motivos de columnas jónicas, frisos dorados y representaciones de dioses, fusionando la opulencia de la Roma imperial con una visión moderna del lujo.

El esplendor barroco: Nadie como Versace para mezclar dorados, motivos clásicos y exceso sin perder sofisticación. Inspirado en el arte, la religión cristiana y la arquitectura italiana, su uso de la ornamentación y la riqueza de los tejidos lo convirtió en un maestro del lujo maximalista. A pesar de ello, la muestra también expone su lado minimalista hacia mitad de los 90’s. Un ejercicio interesante de contrastes estilísticos.

La magia de South Beach: Miami fue su refugio y su musa. La estética Art Déco, los coches clásicos y la energía multicultural de la ciudad se plasmaron en sus colecciones de los 90. La luz, los colores y la vitalidad de la ciudad influyeron en los estampados vibrantes y los motivos marinos que caracterizaron algunas de sus colecciones más recordadas.

Arte y cultura pop: Inspirado por Warhol y la repetición de imágenes, Gianni Versace creó estampados inolvidables. Versace comprendió antes que nadie que la moda debía dialogar con la cultura popular, y sus colaboraciones con artistas marcaron un punto de inflexión en la relación entre moda y arte.

Las Supermodelos de los 90: El modisto italiano elevó a Cindy, Naomi, Claudia y Linda a la categoría de diosas. No solo diseñó para ellas, sino que contribuyó a forjar el concepto moderno de “supermodelo” al convertir sus desfiles en verdaderos shows mediáticos. Su desfile de 1991, donde las top models caminaron al ritmo de Freedom de George Michael, es un momento icónico de la moda.

El poder de la provocación: Redefinió la rebeldía con cuero, tachuelas y arneses. Su reinterpretación del punk y la estética fetichista demostró que la moda podía jugar con los límites sin perder su sofisticación. La icónica colección Bondage de 1992 convirtió elementos tradicionalmente provocadores en piezas de alta costura que desafiaron las normas establecidas.

Moda, cultura y mitos de los 90’s

Más allá de la pasarela, el impacto de Gianni Versace en la cultura popular fue inmenso. Su visión era cinematográfica, sus desfiles eran producciones cuidadosamente orquestadas y su forma de entender la moda rompió con muchas de las convenciones de la época. Fue pionero en crear una identidad visual fuerte para su marca, integrando elementos arquitectónicos, estampados reconocibles al instante y un uso del color que desafiaba las tendencias del minimalismo.

Además, Versace entendió el poder de la imagen y el marketing en la moda. Fue uno de los primeros diseñadores en estrechar lazos con la industria del entretenimiento, vistiendo a artistas y creando momentos que trascendieron la pasarela. Lady Diana, Madonna, Cher, Elizabeth Hurley… todas ellas se convirtieron en embajadoras de su estética audaz y sofisticada.

Versace también dejó su huella en el cine y el teatro, diseñando vestuario para óperas y películas. Su pasión por la dramatización y la teatralidad se reflejaba no solo en su moda, sino en la manera en que presentaba su obra al mundo.

El legado de un visionario

A más de 25 años de su muerte, el impacto de Versace sigue vigente. Su influencia se ve en pasarelas, alfombras rojas y hasta en la cultura urbana. La marca que fundó, ahora bajo la dirección de su hermana Donatella, sigue reinterpretando su estética, manteniendo vivo el ADN de la casa.

El revival de la moda de los 90 ha vuelto a poner en el centro de atención muchos de los elementos que Versace popularizó: las prendas ceñidas, los estampados barrocos, la fusión de lujo y rebeldía. Diseñadores contemporáneos siguen encontrando inspiración en su trabajo, y su nombre sigue siendo sinónimo de audacia y opulencia.

Esta exposición no es solo un tributo, es una invitación a revivir el arte de un diseñador que convirtió la moda en una declaración de intención. Sumergirse en su universo es entender cómo la moda puede ser mucho más que ropa: es identidad, es arte y es historia.

La exposición Gianni Versace Retrospective estará abierta al público hasta el 30 de junio en el Centro Cultural Fundación Unicaja de Málaga.

Lee Miller, con un casco prestado por el fotógrafo del ejército estadounidense Don Sykes (sargento), Normandía, Francia, 1944

© LEE MILLER ARCHIVES

Cuando pensamos en la Segunda Guerra Mundial, es difícil imaginar que en medio del caos y la devastación hubo una mujer que, cámara en mano, capturó algunos de los momentos más crudos y reveladores del conflicto. También los más bellos, descubriendo una nueva faceta más auténtica de las personas que trabajaban en el frente. Lee Miller, una de las fotógrafas más audaces del siglo XX, llega a Barcelona con la exposición Crónicas de Guerra, que podrá visitarse en FotoNostrum hasta el 20 de marzo de 2025.

Antes de convertirse en corresponsal de guerra, Lee Miller fue modelo de alta costura en Nueva York, musa de grandes artistas como Man Ray, e incluso pionera en la experimentación fotográfica con la técnica de la solarización. Sin embargo, su espíritu inquieto la llevó a reinventarse una y otra vez. Fue en Londres, durante los bombardeos de la Luftwaffe, donde encontró su verdadera vocación: contar la historia con su lente.

Foto del reencuentro de Picasso y Lee Miller en 1944 tras la liberación de París. Ella llegó como reportera con el Ejército de los EE UU© LEE MILLER ARCHIVES

La exposición

Crónicas de Guerra reúne 124 fotografías, centradas en el periodo de 1940 a 1947, que recorren la trayectoria de Miller como corresponsal de guerra del ejército estadounidense. Su objetivo captó la liberación de París, los campos de concentración de Buchenwald y Dachau, y las cicatrices de Europa tras el Día D. Sus imágenes son crudas, conmovedoras y, sobre todo, necesarias para entender el impacto de la guerra.

Miller no solo documentó la historia, también la vivió en primera persona. Destacan imágenes de esa cercanía como la icónica imagen de Lee Miller en la bañera de Hitler en Múnich el mismo día en que el líder nazi se suicidó, o un cálido encuentro durante la liberación de París en 1944, donde se encontró con Pablo Picasso, con quien tenía una relación de amistad. “¡Es increíble que el primer soldado que veo tras la liberación sea una mujer, y que además seas tú!”, le exclamó el artista malagueño. Retratos íntimos que Lee Miller también compartió con Miró.

La exposición también nos muestra su faceta más versátil, con algunas de sus icónicas fotografías de moda que retratan a la mujer en los años 40, cuando comenzó a incorporarse al mundo laboral en las fábricas, demostrando que la estética y el drama pueden convivir en una misma obra.

Después de la guerra, Lee Miller encontró la tranquilidad en la cocina, convirtiéndose en una innovadora culinaria inspirada por el surrealismo.

Un legado familiar

La exposición también cuenta con la participación de Antony Penrose, hijo de Lee Miller y del artista surrealista Roland Penrose, quien asistió a la inauguración. Antony, reconocido cineasta, escritor y curador, ha dedicado su vida a preservar el legado de su madre a través de los Archivos Lee Miller y la Colección Penrose. Su hijo descubrió el legado de su madre cuando esta falleció. En el desván aparecieron 40.000 fotografías que retrataban el horror de la Gran Guerra y que su madre había silenciado por el trauma psicológico que le llevó al alcoholismo y la depresión. “No tenía idea de este pasado de mi madre; mi visión sobre ella cambió por completo”, confiesa Penrose. Gracias a su incansable trabajo, las imágenes de Miller han sido exhibidas en museos de todo el mundo, permitiendo que nuevas generaciones descubran su importancia en la historia de la fotografía y el arte.

Junto a su hija Ami Bouhassane, codirectora de Farleys House & Gallery Ltd., Antony ha trabajado en la difusión de la obra de Miller, asegurando que su historia continúe inspirando a futuros artistas y fotógrafos. Ambos aportan un testimonio único y cercano que enriquece la exposición, ofreciendo una mirada personal a la vida y obra de esta legendaria fotógrafa.

Una vida de cine

Coincidiendo con la exposición, el 7 de marzo de 2025 se estrenará en España la película Lee Miller, protagonizada por Kate Winslet y dirigida por Ellen Kuras. El largometraje profundiza en la vida de esta extraordinaria mujer, explorando los desafíos que enfrentó en un mundo dominado por hombres. La interpretación de Winslet ha sido ampliamente elogiada, ofreciendo una nueva perspectiva sobre la compleja personalidad de Miller. De hecho, en la exposición la propia Winslet rememora varias escenas del rodaje que han intentado mantener la esencia de las fotografías de Lee Miller.

Lee Miller fue mucho más que una testigo de la historia: fue una protagonista que supo plasmar la belleza y el horror en igual medida. Ahora, Barcelona tiene la oportunidad de redescubrirla. La exposición estará disponible en FotoNostrum, en la calle Diputació, 48 de Barcelona, y promete ser una experiencia imprescindible para los amantes de la fotografía y la historia. ¡Totalmente recomendable!

En Gratacós siempre miramos hacia el futuro. Como proveedores de tejidos para las grandes casas de costura, tenemos que anticiparnos a lo que vendrá antes que nadie. Actualmente, ya estamos ideando los tejidos que formarán parte de las próximas temporadas, por lo que, a nivel creativo, 2025 nos queda un poco lejos, a pesar de ser el presente más inmediato. Aun así, te damos pistas de las macrotendencias que empezaremos a recorrer este año.

La moda como reflejo del futuro

Ya se sabe: la moda siempre ha sido un espejo de los cambios culturales, sociales y tecnológicos del momento, y 2025 no será una excepción. Como macrotendencia, este año promete ser un punto de inflexión en el que la creatividad se une a la sostenibilidad y la innovación para dar forma a una nueva visión del lujo. En el corazón de esta transformación, que Gratacós ya inició hace unos años, están los tejidos: artículos sostenibles cargados de significado que no solo envuelven el cuerpo, sino que también transmiten valores y son más respetuosos con el medio ambiente y las personas.

En un mundo interconectado que busca reconectar constantemente con lo esencial sin perder de vista la novedad, los colores, texturas y materiales que marcarán tendencia en 2025 se convierten en un lenguaje universal. Desde paletas cálidas y envolventes hasta tonalidades metalizadas que evocan tecnología y experimentación, cada elección cromática nos invita a imaginar el futuro a través de un prisma único.

¡Acompáñanos a descubrir las claves que definirán la moda en tejidos este año!

Tendencias en colores: lo natural con lo tecnológico

En 2025, los colores serán mucho más que una elección estética: serán una declaración de intenciones que reflejará aspiraciones y conexiones profundas. Las tonalidades se dividirán en dos grandes corrientes: aquellas que buscan reconectar con la naturaleza y lo esencial, y otras que abrazan la innovación y las ansias de imaginar el futuro.

Dentro de la primera corriente destacan las tonalidades tierra evolucionadas: marrones arcillosos, beiges ahumados y verdes musgo dominarán las paletas naturales. Estas tonalidades invitan a la calma y la introspección, recordándonos nuestra conexión con el mundo natural. Son colores perfectos para tejidos como algodón orgánico, lino o lana reciclada, que refuerzan esta narrativa sostenible.

También llegan con fuerza los azules acuáticos y los tonos oceánicos inspirados en la serenidad del agua y la necesidad de proteger los ecosistemas marinos. Los azules profundos y los verdes esmeralda se convertirán en protagonistas hacia la temporada estival, aportando frescura y un toque de misterio. Son ideales para materiales satinados o con acabados brillantes.

En verano, los llamados pasteles polvorientos ganarán protagonismo. Se trata de una versión más madura y nostálgica de los colores suaves: rosas pálidos, lavandas empolvados y amarillos mantequilla serán clave para piezas delicadas que transmiten sensibilidad y ligereza.

En el otro espectro cromático, siguiendo la corriente tecnológica, destacan los metalizados futuristas. Plata líquida, dorados suaves y tonos iridiscentes marcarán una narrativa futurista y audaz. Estos colores simbolizan la fusión entre tecnología y moda, representando un lujo vanguardista. Se verán en tejidos como el lamé, la seda metalizada y materiales innovadores con efectos lumínicos.

Tendencias en texturas y relieves: lo táctil con lo emocional

Este año, las texturas y los relieves se consolidarán como elementos clave para transformar los tejidos en experiencias sensoriales. La tridimensionalidad y la riqueza táctil invitan a explorar superficies que estimulan tanto la vista como el tacto, creando un diálogo único entre la prenda y quien la lleva.

A grandes rasgos, destacan las siguientes tendencias:

1) Plisados artísticos: Los pliegues y drapeados evolucionan para ofrecer volúmenes esculturales y formas arquitectónicas. Estos efectos, aplicados en materiales ligeros como organzas o gasas, aportan un aire etéreo y sofisticado a las prendas.

2) Acabados rugosos y naturales: Inspirados en materiales orgánicos como la corteza de los árboles o las superficies rocosas, los tejidos con texturas granuladas o desiguales transmiten una sensación de autenticidad y conexión con la naturaleza.

3) Bordados en relieve: Los bordados tridimensionales, como flores o figuras abstractas que sobresalen del tejido, aportan un toque artesanal y exclusivo. Estos detalles son ideales para prendas de noche y alta costura.

4) Superficies acolchadas: Inspiradas en la tendencia comfortwear, las texturas acolchadas se reinterpretan para el lujo, con patrones geométricos y acabados satinados que combinan comodidad y elegancia.

5) Efectos holográficos: En la línea futurista, las superficies con efectos ópticos o iridiscentes añaden una dimensión lúdica y experimental a los tejidos, destacándose en colecciones de vanguardia.

Tendencias en materiales: las fibras que se asientan

La búsqueda de sostenibilidad y tecnología convergerá en materiales que redefinen lo que significa el lujo. En 2025, los tejidos no solo serán estéticos y funcionales, sino también responsables con el medio ambiente y pioneros en su composición.

Bajo esta premisa, las fibras regenerativas y materiales como el Tencel Luxe, elaborado a partir de celulosa regenerada, ofrecen una alternativa ecológica con un acabado suave y brillante que compite con la seda tradicional. También proliferan los tejidos inteligentes, capaces de regular la temperatura, medir signos vitales o incluso adaptarse a las condiciones climáticas en tiempo real.

Los biomateriales experimentales ganan terreno, aunque su uso aún no se ha internacionalizado. Por ejemplo, hilos creados a partir de micelio (estructura de los hongos) o algas marinas representan un nuevo capítulo en la moda sostenible, con materiales biodegradables y visualmente impactantes. La biotecnología también permitirá producir seda sintética que imita las propiedades del material natural, pero con un impacto ambiental mucho menor.

Por último, la economía circular seguirá ganando protagonismo con materiales reciclados, como poliéster proveniente de botellas de plástico o cuero vegano fabricado a partir de restos de frutas como la piña o el mango.

A grandes rasgos, 2025 se perfila como un año de transformación en el ámbito de los tejidos de lujo, donde creatividad, sostenibilidad e innovación convergen para dar forma a nuevas expresiones de la moda. Los colores, texturas y materiales ya no son meros adornos, sino herramientas para contar historias que conectan con las emociones, los valores y las aspiraciones de una nueva era.

Desde Gratacós seguiremos trabajando para sorprenderte con lo que es nuestro savoir faire desde 1940: la creación y producción de tejidos de primera calidad.

Aquí te dejamos algunos artículos que te harán soñar este 2025.

Mocha Mousse.Cortesía de Pantone

Imagínate un postre cremoso que combine los aromas del cacao, el chocolate y el café, con texturas evocadoras y una intensa tonalidad marrón que despierta tanto la vista como el paladar. Esa imagen sugerente, que mezcla cotidianidad y pequeños placeres, conecta directamente con el color del año 2025 elegido por Pantone: 17-1230 Mocha Mousse. Esta tonalidad, descrita por la compañía como “un marrón suave y evocador, pero también intenso y cálido”, invita a nuestros sentidos a disfrutar del placer y la exquisitez.

Un color que abre el apetito

Mocha Mousse, sugerente e inspirador, toma el relevo de Peach Fuzz 13-1023, el delicado tono melocotón que fue el color del año 2024. “Inspirado en nuestro deseo de placeres cotidianos, 17-1230 Mocha Mousse expresa un nivel de placer reflexivo”, explica Leatrice Eiseman, directora ejecutiva del Pantone Color Institute, en el nuevo comunicado que anuncia tal esperada revelación. “Sofisticado y exuberante, pero al mismo tiempo un clásico sin pretensiones, este color amplía nuestra percepción de los marrones como tonos humildes y sencillos a abrazar la aspiración y el lujo. Impregnado de sutil elegancia y refinamiento terrenal, presenta un toque de glamur discreto y de buen gusto”, asegura Eiseman.

Conectar con los orígenes

Aunque en las redes sociales algunos han criticado la elección del marrón, asociándolo al periodo actual de inestabilidad y falta de autenticidad, Pantone defiende su decisión destacando la creciente búsqueda de conexión con la naturaleza y los orígenes de la humanidad. “Caracterizado por su naturaleza orgánica, 17-1230 Mocha Mousse honra y celebra el sustento que nos ofrece nuestro entorno físico. Impregnado de autenticidad, encuentra el equilibrio entre las exigencias de la modernidad y la belleza atemporal de la creación artística”, explica la compañía.

Laurie Pressman, vicepresidenta del Pantone Color Institute, describe Mocha Mousse como una extensión del Peach Fuzz que le precedió, compartiendo su esencia de comodidad, pero llevándola un paso más allá al incluir “los placeres simples que podemos regalar y compartir con los demás”, como una copa de mousse de moca. “La eterna búsqueda de la armonía permea todos los aspectos de nuestra vida: nuestras relaciones, el trabajo que hacemos, nuestras conexiones sociales y el entorno natural que nos rodea. Este color nos aporta satisfacción, inspirando un estado positivo de paz interior, calma y equilibrio, mientras nos sintoniza con el mundo que nos rodea. La armonía abarca tanto una cultura de conexión y unidad como la síntesis de nuestro bienestar mental, espiritual y físico”, detalla Pressman, subrayando cómo este tono refleja ese anhelo de conexión y equilibrio.

Mocha Mousse.Cortesía de Pantone

¿Cómo se gesta el color del año?

Pantone, la autoridad mundial en color y creadora de estándares profesionales para la comunidad del diseño, comenzó a definir el color del año en 1999. La primera elección fue el icónico azul cerúleo (Pantone 15-4020), una tonalidad que alcanzó fama mundial gracias a la película El diablo viste de Prada, estrenada siete años después. En esta cinta, Meryl Streep, como la temida editora de Vogue, inmortalizó el color con un inolvidable discurso sobre moda dirigido a Anne Hathaway: “Lo que no sabes es que ese jersey no es solo azul. No es turquesa, ni es marino. En realidad, es cerúleo”.

El objetivo inicial de esta iniciativa era generar conversación en torno al color, involucrando tanto a la comunidad del diseño como a los entusiastas del tema. Pero elegir el color del año no es un proceso sencillo ni arbitrario. Detrás de esta decisión hay un riguroso análisis. Cada año, un comité de expertos en color estudia tendencias culturales, artísticas y sociales a nivel mundial para identificar referencias significativas. A partir de este análisis, seleccionan un color ya existente dentro del catálogo de Pantone y lo bautizan con un nombre fácil de recordar.

A lo largo de los años, estas elecciones han reflejado el contexto socioeconómico global: desde el Marsala, que evocaba el mundo del vino en 2015, hasta la doble elección de 2021 —el amarillo Illuminating y el gris Ultimate Grey— que simbolizaba los desafíos de la pandemia. En 2022, Very Peri, un atrevido tono lavanda, conectó el mundo real con el digital. Más allá de su belleza, estos colores invitan a una reflexión sobre los tiempos que vivimos.

En 2010, Pantone amplió su alcance más allá del nicho del diseño para conectar con el público general, adaptándose a nuevas disciplinas creativas inspiradas por el color. Fue entonces cuando surgieron dos iniciativas clave: el Pantone Color Institute y el Color of the Year. Estas propuestas no solo investigan y promueven el uso del color, sino que también han transformado la estrategia de marketing de la marca, convirtiéndola en una tendencia global. Hoy en día, el color del año influye directamente en el desarrollo de productos y en las decisiones de compra en sectores como la moda, la decoración, el diseño y la publicidad.

La guía Pantone, que comenzó con 500 colores para las artes gráficas, ahora cuenta con más de 2.000 referencias. Cada 18 meses se añaden nuevos tonos cada vez más precisos, reflejando la evolución del color en nuestra vida cotidiana. Actualmente, Pantone es una multinacional con una sólida presencia global. Desde su adquisición por X-Rite, una empresa especializada en gestión del color, la compañía ha crecido exponencialmente. Con 17 oficinas alrededor del mundo, Pantone comercializa desde sus famosas guías hasta productos de marca y alianzas estratégicas. Ejemplos recientes incluyen colaboraciones con Motorola para smartphones, ediciones especiales de botellas de Jägermeister, e incluso cápsulas de café en asociación con Nespresso, una alianza que despierta la pregunta: ¿habrán inspirado estas cápsulas la elección del color de este año?

En 2025, para celebrar el 26º aniversario del Pantone Color of the Year, la empresa ha llevado el color más allá de sus guías, destacándolo en eventos y experiencias globales. Desde Nueva York y Londres, hasta Shanghái y Bombay, Pantone ha organizado espacios públicos y encuentros para hacer que el color del año sea accesible para todos.

La elegancia apacible del Mocha Mousse: aplicaciones en moda y diseño

En el mundo de la moda, el Mocha Mousse se posiciona como una tonalidad neutra de gran versatilidad. Apodado “el color de la elegancia sin pretensiones”, este tono destaca por su capacidad para crear looks cálidos y minimalistas que se fusionan con las distintas tonalidades de piel, generando un efecto de camuflaje cromático. El color del año 2025 también redefine nuestra percepción del marrón, llevándolo de lo humilde y terrenal a lo lujoso y aspiracional.

Si lo trasladamos al universo textil, Mocha Mousse ofrece infinitas posibilidades. Su calidez sensorial se refleja en tejidos de tacto delicado como la cachemira, el angora, el terciopelo mullido y las texturas peludas que envuelven y reconfortan. También resplandece en materiales más ligeros como gasas vaporosas, satenes fluidos o tejidos de punto que aportan movimiento y elegancia drapeada. Este tono, impregnado de refinamiento terroso, encarna un lujo orgánico y auténtico, promoviendo looks minimalistas que apuestan por la sencillez sin artificios.

Mocha Mousse también se adapta a diversas texturas y acabados. Desde superficies mates que resaltan su naturalidad hasta acabados brillantes o metalizados que le otorgan un toque sofisticado, este color funciona como una base perfecta para combinaciones cromáticas audaces o estilismos monocromáticos llenos de profundidad.

En decoración e interiorismo, Pantone 17-1230 Mocha Mousse conecta con nuestro deseo de bienestar y confort. Este marrón terroso y refinado aporta una sensación de hogar cálido, ya sea en suelos, paredes pintadas o elementos decorativos. Su presencia destaca en materiales naturales como la madera, la piedra, el ratán, el mimbre o el cuero, ofreciendo un equilibrio entre la sofisticación y la calidez hogareña.

En Gratacós, hemos seleccionado algunos tejidos clave que conectan este color del año con nuestra nueva colección. Desde texturas lujosas hasta acabados versátiles, encontrarás inspiración para llevar Mocha Mousse a tus proyectos de moda y diseño.

 

Irving Penn.Centennial.Cortesía de la Fundación MOP

Fue un icono de la fotografía de moda y su visión revolucionaria ahora se puede rememorar en España. La Fundación Marta Ortega Pérez (Fundación MOP) da un paso más en la creación de puentes entre la fotografía y la moda con la exposición Irving Penn: Centennial. Se trata de la mayor retrospectiva dedicada al talentoso fotógrafo estadounidense jamás presentada en España. Una muestra simbólica que recorre los 70 años de su prolífica carrera, ya exhibida en Nueva York, París y Berlín.

Irving Penn: Centennial es una exposición organizada por The Metropolitan Museum of Art de Nueva York, en colaboración con la Fundación Irving Penn y comisariada por Jeff L. Rosenheim, comisario Joyce Frank Menschel a cargo del área de Fotografía de The Met. La muestra podrá visitarse de forma gratuita hasta el 1 de mayo de 2025 en el centro de exposiciones de la Fundación MOP, situado en la zona portuaria de A Coruña.

Irving Penn.Centennial. Cortesía de la Fundación MOP

Un viaje al alma de la fotografía de Irving Penn

Creada en 2017 con motivo del centenario del nacimiento del artista, Irving Penn: Centennial es un homenaje a su prolífica trayectoria en toda su amplitud, desde sus inicios a finales de la década de 1930 hasta los primeros años del siglo XXI. Lo más interesante de la muestra es que permite profundizar en el trabajo del fotógrafo más allá de sus proyectos más conocidos. Precisamente, este es el objetivo de la exposición: abarcar todas las facetas de la obra de Penn, incluyendo fotografías de moda, delicados desnudos femeninos, composiciones florales y naturalezas muertas, los bodegones de objetos cotidianos por los que sintió predilección a lo largo de su vida.

La exposición también destaca los retratos de personalidades que le valieron la fama, como su musa Lisa Fonssagrives, Pablo Picasso o Marlene Dietrich, además de sus series fotográficas que documentan a personas comunes y corrientes capturadas en distintos rincones del mundo. Incluye, además, piezas únicas como el telón de fondo de su estudio y obras inéditas que permiten al visitante adentrarse en su proceso creativo. En conjunto, la muestra reúne más de 160 obras que ofrecen una panorámica completa de la carrera de un artista que revolucionó el lenguaje visual del siglo XX.

Irving Penn.Centennial.Cortesía de la Fundación MOP

Una mirada democrática

La exposición es la excusa perfecta para descifrar el legado de Irving Penn y entender su figura en la fotografía de moda, un ámbito que trascendió para crear un universo visual único. Su lema, “menos es más”, sigue siendo un referente para artistas y creativos, recordándonos que la belleza puede hallarse en lo esencial y lo simple.

Durante más de seis décadas, su colaboración con la revista Vogue redefinió los estándares visuales mediante un estilo que combinaba la sencillez con la sofisticación. Sus imágenes, caracterizadas por un uso minimalista del espacio y fondos neutros, transformaron la percepción de la fotografía comercial y artística. Con un enfoque vanguardista, Penn convirtió lo cotidiano en arte, inmortalizando desde figuras icónicas como Audrey Hepburn y Miles Davis hasta objetos tan comunes como colillas de cigarrillos.

La muestra también subraya su dominio técnico: Penn revivió técnicas como la impresión en platino-paladio y experimentó con materiales para alcanzar una calidad única en sus fotografías. Cada imagen revela su habilidad para capturar la esencia de sus sujetos, trascendiendo la documentación y creando piezas cargadas de emotividad y simbolismo.

Materiales complementarios

Para enriquecer la experiencia, la Fundación MOP ha editado en exclusiva un catálogo en español de la exposición, imprescindible para los admiradores de la obra de Penn y la fotografía del siglo XX. Este volumen reúne casi 300 imágenes, entre obras icónicas e inéditas, acompañadas de ensayos que exploran los principales temas de su trayectoria.

Además, como cada año, los visitantes podrán disfrutar de una nueva escenografía diseñada específicamente para la exposición, tanto en el interior de la nave como en el espacio exterior. Asimismo, el recinto ha reabierto su librería, especializada en fotografía, moda, diseño y otras disciplinas artísticas.

Irving Penn. Picture of self, Cuzco, 1948© The Irving Penn Foundation

Un legado que perdura

La exposición Irving Penn: Centennial se convierte en la cuarta gran retrospectiva impulsada por la Fundación MOP, reafirmando su compromiso con la fotografía, la moda y su conexión con A Coruña. Desde su creación, la Fundación ha promovido exposiciones de gran relevancia, como Peter Lindbergh. Untold Stories (2021-22), Steven Meisel 1993: A Year in Photographs (2022-23) y Helmut Newton: Fact & Fiction (2023-24).

 Créditos fotografías:

 Irving Penn. Marlene Dietrich, New York, 1948 © The Irving Penn Foundation

 Irving Penn. Woman in Chicken Hat (Lisa Fonssagrives-Penn), New York, 1949 © The Irving Penn Foundation

 Irving Penn. Naomi Sims in Scarf, New York, ca. 1969 © The Irving Penn Foundation

La época navideña ya está aquí, y con ella llegan los primeros destellos de las luces en las calles, las cenas de empresa, las reuniones íntimas con amigos y familiares, y las grandes celebraciones que nos invitan a lucir nuestras mejores galas. Es el momento perfecto para destacar con prendas especiales que resalten por su elegancia y sofisticación.

En Gratacós, entendemos esta necesidad y, por ello, cada colección incluye tejidos cuidadosamente diseñados, elaborados con la calidad premium que las ocasiones especiales exigen. En este nueva entrada al blog, queremos guiarte por nuestros tejidos estrella para que brilles durante las fiestas, ya sea de manera sutil o con un toque deslumbrante. Descubre sus características y aprende cómo aprovechar al máximo cada uno para tus momentos más especiales. ¡Te lo contamos a continuación!

Terciopelo

Pocos tejidos despiertan tanta fascinación como el terciopelo. Su textura suave, con una superficie de pelo corto que cambia de dirección al rozarlo, y su capacidad para reflejar la luz con delicadeza lo convierten en un clásico irresistible para la temporada navideña. Además, su leve elasticidad lo hace perfecto para confeccionar prendas elegantes y cómodas que destaquen en cualquier evento.

El terciopelo evoca lujo instantáneo y es increíblemente versátil, especialmente para estilismos nocturnos. Desde vestidos largos de gala hasta trajes completos con americanas ajustadas y pantalones palazzo, este tejido añade un toque de sofisticación a cada look. ¿La mejor parte? En Gratacós ponemos a tu disposición una amplia gama de tonalidades para que encuentres la que mejor se adapta a tu estilo y a la ocasión.

Descubre todas las posibilidades del terciopelo aquí.

Seda

Desde la antigüedad, la seda ha sido símbolo de lujo y sofisticación. Este tejido natural se distingue por su suavidad extrema, su brillo natural y su caída fluida, lo que lo convierte en la elección perfecta para prendas que buscan adaptarse con elegancia al cuerpo. La seda tiene una caída impecable, ideal para vestidos y blusas que, sin perder su forma, envuelven con una delicadeza única.

Para las festividades navideñas, nada como un vestido largo de seda con un estilo lencero en tonos metálicos o en un rojo profundo, ideal para una fiesta de Año Nuevo. Si prefieres un estilo más rompedor, una blusa de seda combinada con pantalones de talle alto crea un look sofisticado y moderno. ¿Otro imprescindible? Una falda larga de seda, combinada con un jersey de punto o de cachemira, para un conjunto que equilibra perfectamente feminidad y confort.

Descubre nuestros tejidos de seda aquí.

Brocado

Vistoso y lleno de carácter, el brocado evoca el esplendor barroco con su homenaje al exceso y sus intrincados patrones florales o geométricos tejidos en hilos metálicos. Este tejido, con su textura gruesa y presencia imponente, es perfecto para crear prendas estructuradas que destacan en cualquier ocasión especial.

¿Qué posibilidades ofrece? Un vestido de brocado es la elección perfecta para eventos muy formales, pero este tejido también puede adaptarse a un estilo más actual. Por ejemplo, una chaqueta de brocado combinada con jeans de cintura alta crea un look moderno y sofisticado con un toque inesperado. Además, el brocado es ideal para capas llamativas como abrigos, chaquetas o blazers que añaden un aire regio a cualquier conjunto.

Apuesta por una prenda de brocado para cenas de Nochebuena o eventos donde quieras transmitir elegancia y un sutil toque de realeza.

Encuentra nuestras propuestas de tejido con Jacquards que te enamorarán aquí.

Lentejuelas

Si hay un tejido que captura la esencia festiva, son las lentejuelas. Este clásico atemporal refleja la luz de manera espectacular, convirtiéndose en el centro de todas las miradas. Pero en Gratacós damos un paso más allá: esta temporada, las lentejuelas se reinventan con versiones maxi y combinaciones de 2 o 3 colores que crean mosaicos irresistibles y únicos.

¿Ya tienes claro cómo combinarlas? Si no, aquí van algunas ideas: apuesta por un vestido brillante de pies a cabeza para deslumbrar en cualquier evento o atrévete con opciones menos convencionales, como chaquetas con adornos metalizados o incluso accesorios como bolsos. Y si buscas un look infalible, un vestido midi de lentejuelas en tonos dorados o plateados es perfecto para destacar en Nochevieja con elegancia y glamour.

Descubre nuestras lentejuelas más originales aquí.

Tafetán

Cuando pensamos en prendas glamurosas con volumen y estructura, el tafetán es el protagonista indiscutible. Este tejido ligero pero firme destaca por su rigidez, que le permite mantener la forma, y su brillo sutil, lo que lo convierte en una elección clásica para vestidos de gala y trajes de noche.

¿Ideas para diseñar? El tafetán es ideal para vestidos con faldas voluminosas o detalles de capas que necesiten estructura. Los tonos brillantes como el plateado o el esmeralda realzan aún más su elegancia, convirtiéndolo en la opción perfecta para eventos de alta etiqueta como galas navideñas o cenas de fin de año en entornos lujosos.

Descubre nuestros tafetanes de temporada aquí.

Y si buscas algo aún más especial, explora nuestra colección premium con tejidos diseñados para ocasiones inolvidables. Además, nuestras cajas sorpresa con cuatro tejidos de colecciones pasadas te inspirarán para crear looks únicos y llenos de magia para estas fiestas.

Sala de la exposición ‘MiróMatisse, más allá de las imágenes’ comisariada per Rémi Labrusse. © Fundació Joan Miró. Fotos: Davide Camesasca

¿Qué admiraba Miró de Matisse? ¿Y viceversa? ¿Cómo se aprecia en los lienzos este diálogo creativo? Joan Miró y Henri Matisse, dos genios de la pintura de distinta procedencia, generación, planteamientos estéticos y estilos pictóricos, dialogan entre ellos de manera fascinante en una exposición excepcional que muestra las relaciones profundas, duraderas y constructivas entre los dos artistas, sus concepciones del arte y, especialmente, sus obras. Así de ambiciosa se posiciona ‘Más allá de las imágenes, la nueva muestra que está cautivando al público y que ya se puede ver en la Fundació Joan Miró de Barcelona. Representa una oportunidad única para ver en Barcelona las obras nunca antes expuestas en España de Miró y Matisse.

El título ‘MiróMatisse. Más allá de las imágenes‘ refleja la intención de la exposición de desafiar ciertos clichés. Aunque a primera vista la conexión entre estos dos artistas puede parecer sorprendente —pues pertenecen a generaciones diferentes (Matisse nació en 1869 y Miró en 1893) y están asociados a corrientes artísticas diversas, como el fauvismo y el surrealismo, respectivamente—, la exposición busca profundizar en las relaciones significativas y duraderas entre sus obras y enfoques artísticos.

Ambos creadores compartieron una crítica a la tradición pictórica occidental y una visión amplia de la pintura y el dibujo, impulsada por su inquietud intelectual. Esta visión los llevó a un reconocimiento mutuo y a una admiración sincera por el trabajo del otro.

Los diálogos creativos

El fauvismo, en el que Matisse fue uno de los principales exponentes, revolucionó el arte a principios del siglo XX a través del uso audaz del color y la liberación de las convenciones formales, buscando una expresión más visceral. Matisse utilizó el color para transmitir emociones profundas, alejándose de la representación fiel de la realidad.

Por su parte, Miró, influenciado por el surrealismo, adoptó una perspectiva radicalmente distinta. Su enfoque se centró en el subconsciente y lo onírico, permitiéndole descomponer formas y colores a su esencia más básica, creando así un lenguaje visual innovador que desafiaba las normas establecidas.

A pesar de sus diferencias estilísticas, ambos artistas compartieron una profunda reflexión sobre las tradiciones de la imagen en la cultura occidental. Desafiaron las normas establecidas, buscando trascender la mera representación visual para crear obras que resonaran con la experiencia humana a un nivel más profundo. Mientras Matisse exploraba una armonía decorativa que superaba sus conflictos internos, Miró buscaba romper con la pintura tradicional, abriendo un universo de signos que evocaban realidades invisibles.

Matisse desarrolló una conexión especial con Cataluña, un lugar que influyó decisivamente en su estilo. Su tiempo en Colliure, un pintoresco puerto del sur de Francia, le permitió apreciar la luz y la vida del Mediterráneo, donde, junto a André Derain, cimentó los principios del fauvismo.

Una admiración mutua

La admiración entre Miró y Matisse fue recíproca. Matisse describía a Miró como un “pintor de verdad”, elogiando su uso preciso y poderoso del color. Durante los años treinta, Matisse enfrentó una crisis creativa y fue entonces cuando se sumergió en el estudio de las obras de Miró, encontrando en ellas la inspiración necesaria para revitalizar su propio enfoque artístico.

Durante la Segunda Guerra Mundial, Matisse compartió con el poeta Louis Aragon que Miró era uno de los pocos artistas contemporáneos que realmente admiraba. Estas fueron sus palabras:

“Estábamos hablando de pintores contemporáneos y le pregunté quién le parecía, además de Picasso, un verdadero pintor. Dijo el nombre de Bonnard… y luego, sin detenerse: ‘Miró… Sí, Miró…, porque puede representar cualquier cosa en su lienzo… Pero si, en un determinado punto, hay colocada una mancha roja, puedes estar seguro de que tenía que estar allí, no en otro lugar, que tenía que ser… Si la quitas, el cuadro cae.'”

Miró, a su vez, veía en Matisse un referente en su búsqueda de un lenguaje visual que uniera la intensidad fauvista con una profunda poesía. En sus notas, Miró anhelaba crear obras que poseyeran un “espíritu fauve pero impregnado de poesía”, deseando incluso que fueran más “brutales” que las de Matisse. Esta conexión con el fauvismo contribuyó a definir su propia voz artística, caracterizada por una vibrante intensidad cromática.

Un vínculo personal

A pesar de su diferencia de edad y la distancia entre sus países, Miró y Matisse comenzaron a verse en París en la década de 1930, gracias a Pierre Matisse, hijo del pintor, quien se convirtió en el representante de Miró en 1934. Pierre desempeñó un papel fundamental en la difusión de la obra de Miró en Estados Unidos, consolidando su reputación internacional.

Esta colaboración fortaleció los lazos entre las familias de ambos artistas y permitió que sus obras fueran apreciadas a nivel global. La confianza que Miró depositó en Pierre no solo reflejaba su admiración por su padre, sino también su respeto por la integridad y la visión de Pierre como promotor de su arte.

Más allá de las imágenes

La exposición ‘MiróMatisse: Más allá de las imágenes’ no se limita a presentar sus obras, sino que invita a explorar las profundas intuiciones y tensiones que llevaron a estos dos artistas a trascender las imágenes tradicionales. Los visitantes podrán sumergirse en el diálogo entre Miró y Matisse, cuya amistad y respeto mutuo les impulsaron a redefinir los límites de la pintura, dejando una huella indeleble en la historia del arte.

La exposición, que impulsa la Fundació Joan Miró y la Fundación BBVA en colaboración con el Musée Matisse de Niza, estará abierta al público hasta el próximo 9 de febrero de 2025.

Créditos fotos: 1. Henri Matisse- Cotlliure a l’agost -1911 – Colección particular- Crédito foto © Summit Trust Geneva for the Sidarta Collection © Succession H. Matisse. 2. Sala de la exposición ‘MiróMatisse, más allá de las imágenes’ comisariada per Rémi Labrusse. © Fundació Joan Miró. Fotos: Davide Camesasca. 3. Joan Miró – Cambrils, la platja – 1917 – © Nahmad Collection © Successió Miró, 2024

Fotos looks: 1. Rodarte, 2. Gonçalo Peixoto, 3. Mariano Moreno, 4. ON RUSH, 5. Joplin Atelier, 6. Acuamona. Cortesía de las marcas

Granate, escarlata, borgoña, guinda, vino, cereza… Existen muchas formas de referirse a la gama de rojos oscuros con un toque azulado o violáceo. Este abanico de posibilidades abarca un color cautivador, sinónimo de lujo, poder y estatus, que seduce por su calidez y ha fascinado tanto a diseñadores como a artistas a lo largo de los siglos. Este otoño 2024, vuelve a ser protagonista en las pasarelas, reafirmando su lugar como un color elegante, versátil y lleno de personalidad. Algunos lo llaman “el nuevo neutro”, pero ¿por qué este tono oscuro de rojo tiene un atractivo tan atemporal, casi hechizante? Exploraremos su historia, psicología y el porqué de su regreso triunfal en las colecciones de esta temporada.

Origen del color. Sobre vino, vestimenta y teatralidad

El color granate o burgundy debe su nombre a los célebres vinos tintos de la región de Borgoña, en Francia, conocidos por su refinamiento. Esta conexión lo convierte en un color asociado a la riqueza, el lujo y la sofisticación. En 2015, Pantone elevó esta asociación -entre moda y vino- al coronar el Marsala como la tonalidad que iba a guiar el diseño industrial, la moda, la belleza, el mobiliario y la decoración de interiores. Para ese año, la autoridad internacional del color imaginó un mundo teñido de “una tonalidad cálida, además de elegante, universalmente atractiva y que se transpone fácilmente en las artes multidisciplinares”. Pantone consideraba que el Marsala era igualmente atractivo para hombres y mujeres, capaz de conmover y despertar el sentido del gusto, además de incitar a la creatividad y a la experimentación con el color.

Si navegamos en la historia, el uso del granate o burgundy en textiles y vestimentas se remonta mucho más allá de su denominación contemporánea. Desde la antigüedad, los tintes rojos oscuros eran apreciados por su rareza y el estatus que otorgaban a quienes podían permitirse lucirlos. Durante la Edad Media y el Renacimiento, los tintes de color burdeos eran extremadamente costosos debido a los ingredientes raros necesarios para producirlos, como el caracol púrpura de Tiro o la raíz de rubia. En consecuencia, este color estaba reservado para la aristocracia y la realeza, que usaban prendas de tonos rojizos oscuros para simbolizar poder y autoridad. En la corte de Enrique VIII, por ejemplo, el burgundy era una tonalidad muy empleada por la alta nobleza, como María Tudor, quien lucía un icónico vestido de terciopelo borgoña en su boda con Luis XII de Francia en 1514. Otra referencia histórica se encuentra en los vestidos de terciopelo y satén burdeos que llevaban las mujeres de la realeza europea en el siglo XVIII, como María Antonieta, cuyo gusto por los colores ricos y profundos marcó tendencia en la moda cortesana.

En tiempos modernos, el borgoña sigue vinculado a la teatralidad y el dramatismo. Pensemos en la tonalidad del telón y los cortinajes de un teatro. En el cine, esta vibrante tonalidad ha sido inmortalizada en películas como Lo que el viento se llevó, donde Scarlett O’Hara luce un majestuoso vestido en este tono, diseñado para transmitir tanto poder como sensualidad. Este color también ha sido un elemento clave en películas contemporáneas como Moulin Rouge, donde se emplea para realzar el drama y la pasión de los personajes.

¿Por qué vuelve a estar de moda este otoño 2024? De la pasarela a la calle

El burgundy combina la pasión del rojo con la profundidad del marrón, evocando lujo, ambición y poder. Es una tonalidad versátil que favorece a distintos tonos de piel: en pieles claras, resalta su luminosidad; en pieles oscuras, aporta sofisticación sin ser estridente. Su intensidad varía según el material en el que se emplee, adquiriendo una textura visual que puede ser moderna y minimalista en tejidos como el satén, o lujosa y opulenta en terciopelo.

El granate es el protagonista de las colecciones otoño-invierno, tanto en looks monocolor como en combinaciones atrevidas. Desde gabardinas sesenteras combinadas con mocasines de plataforma y bolsos estructurados, como propone Sabato De Sarno para Gucci, hasta trajes sastre en las colecciones de Roksanda y Ferragamo. En una versión más desenfadada, Lacoste apuesta por monoleggings combinados con abrigos oversize, creando una mezcla entre comodidad y estilo.

Este tono también ilumina las noches de otoño, donde microvestidos de cuero ajustados destacan en las colecciones de Thierry Mugler y Ermanno Scervino. Otras propuestas incluyen tops de lazada y pantalones plisados en la colección de Philosophy di Lorenzo Serafini, aportando una segunda piel en granate que redefine el lujo discreto. Además, el granate se combina con tonos neutros, como el beige o el azul noche, en propuestas de Victoria Beckham y Khaite, o con colores más atrevidos como fucsia, en una apuesta audaz que defendió Pierre Cardin.

Y en tejidos… ¿Qué te recomendamos?

En Gratacós, caemos rendidos ante el borgoña, un clásico que nunca pasa de moda. Este tono se potencia en tejidos lujosos que permiten jugar con la textura y el movimiento. Para sacarle el máximo partido, te recomendamos estos materiales:

1. Sedas y satenes: Ideales para prendas elegantes y con caída fluida que realza la sensualidad del granate.
2. Paños de lana: Perfectos para abrigos y prendas exteriores, transmitiendo calidez y sofisticación en looks de invierno.
3. Terciopelo: Aporta profundidad y un aire lujoso que convierte cualquier prenda en una pieza especial.
4. Encajes y tules: Para looks románticos y femeninos, ideales en eventos de noche o prendas más delicadas.

Consulta nuestra colección de temporada en nuestra tienda online  y descubre los tejidos que mejor se adapten a tu estilo. ¡No te pierdas la oportunidad de dejarte cautivar por este color tan atemporal!

En el collage: Lola Casademunt by Maite, Fely Campo, Álvaro Calafat, JCPajares y Malne para la MBFWMadrid. Cortesía de las marcas.

En Gratacós, siempre estamos atentos a las pasarelas más importantes de la moda española, buscando esos looks sorprendentes que se crean con nuestros tejidos. Nos encanta observar cómo cada diseñador pone su toque personal y transforma nuestras telas en auténticas obras de arte en movimiento. Esta búsqueda constante de creatividad e innovación nos inspira profundamente.

En la última edición de la Mercedes-Benz Fashion Week Madrid, celebrada en septiembre de 2024, confirmamos una vez más que muchos diseñadores confían en la calidad y versatilidad de nuestros tejidos para dar vida a sus colecciones. Este año, los tejidos artesanales y sostenibles han tomado protagonismo, destacando un enfoque claro en materiales reciclados, naturales y tecnológicos. No solo hacen que las prendas luzcan increíbles, sino que también cuentan historias llenas de propósito.

Aquí te dejamos algunos de los looks más destacados de las colecciones de Primavera-Verano 2025, donde nuestros tejidos han sido parte esencial. Es fascinante ver cómo cada diseñador aporta su visión única y juega con las texturas para marcar tendencias que no pasan desapercibidas.

Álvaro Calafat

En su nueva colección ODDITIES ODYSSEY, Álvaro Calafat nos sumerge en un viaje al pasado, evocando los antiguos gabinetes de curiosidades donde lo extraño y lo fascinante conviven. Inspirado en objetos coleccionables y misteriosas imágenes, el diseñador malagueño ha creado una propuesta que mezcla lo clásico con lo innovador, rompiendo las barreras entre moda y arte.

Las piezas más destacadas incluyen impresionantes volúmenes y construcciones con impresión 3D, una de las marcas de identidad de la firma. Las texturas hechas a mano y técnicas como la cianotipia aportan un toque artesanal que refuerza la estética única de la colección. Cada prenda se convierte en un lienzo de experimentación, donde lo surrealista cobra vida a través de aplicaciones y bordados.

La firma mantiene su compromiso con la sostenibilidad, enfatizando tejidos naturales y de alta calidad como la seda, el algodón, la piel y el tencel. Las clásicas bomber de la casa se reinterpretan con detalles surrealistas, elevando su diseño a otro nivel. Esta colección refleja el compromiso de Álvaro Calafat con la innovación y el respeto por el medio ambiente, siempre con ese aire de misterio y sofisticación que caracteriza a la firma.

Fely Campo

Con “Lei Zu”, Fely Campo nos invita a un viaje estético por la mítica Ruta de la Seda, fusionando historia, leyenda y moda. Esta colección de prêt-à-porter de lujo presenta 29 looks sofisticados, comenzando con el magistral uso del tweed y entrelazándose con sedas artesanales traídas de Guangzhou. Cada prenda celebra la riqueza textil, donde la opulencia y la sutileza se encuentran.

Los volúmenes del tafetán, la ligereza de las organzas y los brocados estampados se combinan para crear piezas que destacan por la precisión en los cortes y el esmero en las siluetas. La colección comienza con formas más estructuradas y trajes sastre, evolucionando hacia una estética más fluida con vestidos camiseros y maxi kaftanes de encaje que hipnotizan con su movimiento.

La paleta de colores de “Lei Zu” es un poema visual: azules cristalinos, blancos nacarados y lilas suaves se mezclan con limas ácidas y pistachos radiantes. Con pinceladas doradas sobre sedas chinas, la luz juega un papel fundamental en esta propuesta, que va más allá de ser solo una colección; es un tributo a la esencia de la moda y la magia de la Ruta de la Seda.

JCPajares

JCPAJARES nos sorprende con “ANNUAL 25,” su quinta colección anual, donde la esencia del verano y el invierno se entrelazan en diseños que celebran la artesanía y la innovación, todo con un fuerte compromiso medioambiental. Esta propuesta destaca el nuevo lujo artesano, fruto de una colaboración con maestros artesanos de Castilla-La Mancha, que revive técnicas centenarias en peligro de extinción, aportándoles un aire contemporáneo.

La colección es un verdadero festín para los sentidos, con materiales que incluyen cerámica, vidrio soplado, bordados a mano, croché y estampados pintados, todos elaborados en telares históricos. La lana española, a menudo considerada un residuo, vuelve a cobrar vida, mientras que los accesorios en piel y mimbre añaden un toque único a cada look.

“ANNUAL 25” es una oda a la sostenibilidad, donde la responsabilidad social y el bienestar animal son pilares fundamentales. Las siluetas oversize y los patrones innovadores se combinan con estampados que evocan los atardeceres, creando piezas perfectas tanto para el día como para la noche. La colección incluye plumas, frunces, cut-outs y detalles goth, confeccionados en paños de lana, crepes de seda, tafetanes y denims desteñidos, junto con tules y tejidos adornados con pedrería y lentejuelas de motivos florales.

En cada prenda de “ANNUAL 25,” la artesanía y la estética moderna se fusionan, ofreciendo una experiencia visual y sensorial que resalta la calidad de los materiales y la trazabilidad real, ideal para quienes buscan piezas únicas y con historia.

Lola Casademunt by Maite

La nueva colección de LOLA CASADEMUNT BY MAITE se inspira en la rica cultura japonesa, con las geishas como musas. Esta propuesta captura la feminidad y delicadeza que caracterizan a estas emblemáticas figuras, llevándolas a la vida a través de prendas adornadas con detalles florales y brillos, en una paleta vibrante que evoca los icónicos kimonos.

Los tejidos fluidos y delicados se combinan con materiales más estructurados y casuales, creando un diálogo entre tradición y modernidad. Los cuellos pespunteados, bordados y lazadas entrelazan elementos clásicos del vestuario de las geishas con un estilo contemporáneo, mientras que volúmenes amplios en faldas-pantalón y mangas con caída añaden movimiento y elegancia a cada look.

Los vestidos entallados y patrones geométricos refuerzan la silueta, aportando un toque de sofisticación. Los complementos son esenciales en esta propuesta, incluyendo los okobo, las sandalias tradicionales, y fajines que imitan los obis de los kimonos, todos diseñados con los colores y estampados característicos de la colección.

“Spring/Summer 2025” de Lola Casademunt by Maite ofrece una visión contemporánea de la estética japonesa, fusionando lo tradicional con lo actual en una propuesta fresca y sofisticada. Cada prenda no solo celebra la herencia cultural, sino que también se adapta al estilo de vida moderno, convirtiendo esta colección en una opción ideal para quienes buscan elegancia y distinción en sus outfits.

Malne

Malne, la firma de lujo creada por los reconocidos diseñadores Paloma Álvarez y Juanjo Mánez, ha presentado “De Rerum Natura.” Inspirada en el poema del poeta romano Tito Lucrecio, esta colección para la próxima temporada estival celebra la naturaleza y es un viaje hacia la felicidad y la conciencia ambiental.

La propuesta se centra en la moda epicúrea, utilizando tejidos naturales como lino, rafia y seda, así como estampados de animales y flores que evocan la esencia primaveral. Cada prenda refleja la libertad y la conexión con el aire libre, ideales en esta época del año que invita a disfrutar del tiempo ocioso lejos del bullicio de la ciudad.

Las siluetas son suaves y fluidas, combinando elementos de alta costura con un enfoque femenino. Malne rinde homenaje a la corsetería clásica, utilizando encajes y corsés que envuelven el cuerpo con elegancia. La firma se mantiene fiel a sus principios de crear moda única con un mensaje de autor, destacando su compromiso con la artesanía y el slow fashion, convirtiéndose en una de las marcas pioneras del movimiento en España.

“De Rerum Natura” no solo es una colección, sino una invitación a reconectar con la naturaleza y a disfrutar de la vida en su máxima expresión. Cada pieza de esta colección de ediciones limitadas está diseñada para las clientas que buscan lujo y exclusividad, reafirmando la posición de Malne en el mundo del pret-à-porter de alta gama.