Lee Miller, con un casco prestado por el fotógrafo del ejército estadounidense Don Sykes (sargento), Normandía, Francia, 1944

© LEE MILLER ARCHIVES

Cuando pensamos en la Segunda Guerra Mundial, es difícil imaginar que en medio del caos y la devastación hubo una mujer que, cámara en mano, capturó algunos de los momentos más crudos y reveladores del conflicto. También los más bellos, descubriendo una nueva faceta más auténtica de las personas que trabajaban en el frente. Lee Miller, una de las fotógrafas más audaces del siglo XX, llega a Barcelona con la exposición Crónicas de Guerra, que podrá visitarse en FotoNostrum hasta el 20 de marzo de 2025.

Antes de convertirse en corresponsal de guerra, Lee Miller fue modelo de alta costura en Nueva York, musa de grandes artistas como Man Ray, e incluso pionera en la experimentación fotográfica con la técnica de la solarización. Sin embargo, su espíritu inquieto la llevó a reinventarse una y otra vez. Fue en Londres, durante los bombardeos de la Luftwaffe, donde encontró su verdadera vocación: contar la historia con su lente.

Foto del reencuentro de Picasso y Lee Miller en 1944 tras la liberación de París. Ella llegó como reportera con el Ejército de los EE UU© LEE MILLER ARCHIVES

La exposición

Crónicas de Guerra reúne 124 fotografías, centradas en el periodo de 1940 a 1947, que recorren la trayectoria de Miller como corresponsal de guerra del ejército estadounidense. Su objetivo captó la liberación de París, los campos de concentración de Buchenwald y Dachau, y las cicatrices de Europa tras el Día D. Sus imágenes son crudas, conmovedoras y, sobre todo, necesarias para entender el impacto de la guerra.

Miller no solo documentó la historia, también la vivió en primera persona. Destacan imágenes de esa cercanía como la icónica imagen de Lee Miller en la bañera de Hitler en Múnich el mismo día en que el líder nazi se suicidó, o un cálido encuentro durante la liberación de París en 1944, donde se encontró con Pablo Picasso, con quien tenía una relación de amistad. “¡Es increíble que el primer soldado que veo tras la liberación sea una mujer, y que además seas tú!”, le exclamó el artista malagueño. Retratos íntimos que Lee Miller también compartió con Miró.

La exposición también nos muestra su faceta más versátil, con algunas de sus icónicas fotografías de moda que retratan a la mujer en los años 40, cuando comenzó a incorporarse al mundo laboral en las fábricas, demostrando que la estética y el drama pueden convivir en una misma obra.

Después de la guerra, Lee Miller encontró la tranquilidad en la cocina, convirtiéndose en una innovadora culinaria inspirada por el surrealismo.

Un legado familiar

La exposición también cuenta con la participación de Antony Penrose, hijo de Lee Miller y del artista surrealista Roland Penrose, quien asistió a la inauguración. Antony, reconocido cineasta, escritor y curador, ha dedicado su vida a preservar el legado de su madre a través de los Archivos Lee Miller y la Colección Penrose. Su hijo descubrió el legado de su madre cuando esta falleció. En el desván aparecieron 40.000 fotografías que retrataban el horror de la Gran Guerra y que su madre había silenciado por el trauma psicológico que le llevó al alcoholismo y la depresión. “No tenía idea de este pasado de mi madre; mi visión sobre ella cambió por completo”, confiesa Penrose. Gracias a su incansable trabajo, las imágenes de Miller han sido exhibidas en museos de todo el mundo, permitiendo que nuevas generaciones descubran su importancia en la historia de la fotografía y el arte.

Junto a su hija Ami Bouhassane, codirectora de Farleys House & Gallery Ltd., Antony ha trabajado en la difusión de la obra de Miller, asegurando que su historia continúe inspirando a futuros artistas y fotógrafos. Ambos aportan un testimonio único y cercano que enriquece la exposición, ofreciendo una mirada personal a la vida y obra de esta legendaria fotógrafa.

Una vida de cine

Coincidiendo con la exposición, el 7 de marzo de 2025 se estrenará en España la película Lee Miller, protagonizada por Kate Winslet y dirigida por Ellen Kuras. El largometraje profundiza en la vida de esta extraordinaria mujer, explorando los desafíos que enfrentó en un mundo dominado por hombres. La interpretación de Winslet ha sido ampliamente elogiada, ofreciendo una nueva perspectiva sobre la compleja personalidad de Miller. De hecho, en la exposición la propia Winslet rememora varias escenas del rodaje que han intentado mantener la esencia de las fotografías de Lee Miller.

Lee Miller fue mucho más que una testigo de la historia: fue una protagonista que supo plasmar la belleza y el horror en igual medida. Ahora, Barcelona tiene la oportunidad de redescubrirla. La exposición estará disponible en FotoNostrum, en la calle Diputació, 48 de Barcelona, y promete ser una experiencia imprescindible para los amantes de la fotografía y la historia. ¡Totalmente recomendable!

En Gratacós siempre miramos hacia el futuro. Como proveedores de tejidos para las grandes casas de costura, tenemos que anticiparnos a lo que vendrá antes que nadie. Actualmente, ya estamos ideando los tejidos que formarán parte de las próximas temporadas, por lo que, a nivel creativo, 2025 nos queda un poco lejos, a pesar de ser el presente más inmediato. Aun así, te damos pistas de las macrotendencias que empezaremos a recorrer este año.

La moda como reflejo del futuro

Ya se sabe: la moda siempre ha sido un espejo de los cambios culturales, sociales y tecnológicos del momento, y 2025 no será una excepción. Como macrotendencia, este año promete ser un punto de inflexión en el que la creatividad se une a la sostenibilidad y la innovación para dar forma a una nueva visión del lujo. En el corazón de esta transformación, que Gratacós ya inició hace unos años, están los tejidos: artículos sostenibles cargados de significado que no solo envuelven el cuerpo, sino que también transmiten valores y son más respetuosos con el medio ambiente y las personas.

En un mundo interconectado que busca reconectar constantemente con lo esencial sin perder de vista la novedad, los colores, texturas y materiales que marcarán tendencia en 2025 se convierten en un lenguaje universal. Desde paletas cálidas y envolventes hasta tonalidades metalizadas que evocan tecnología y experimentación, cada elección cromática nos invita a imaginar el futuro a través de un prisma único.

¡Acompáñanos a descubrir las claves que definirán la moda en tejidos este año!

Tendencias en colores: lo natural con lo tecnológico

En 2025, los colores serán mucho más que una elección estética: serán una declaración de intenciones que reflejará aspiraciones y conexiones profundas. Las tonalidades se dividirán en dos grandes corrientes: aquellas que buscan reconectar con la naturaleza y lo esencial, y otras que abrazan la innovación y las ansias de imaginar el futuro.

Dentro de la primera corriente destacan las tonalidades tierra evolucionadas: marrones arcillosos, beiges ahumados y verdes musgo dominarán las paletas naturales. Estas tonalidades invitan a la calma y la introspección, recordándonos nuestra conexión con el mundo natural. Son colores perfectos para tejidos como algodón orgánico, lino o lana reciclada, que refuerzan esta narrativa sostenible.

También llegan con fuerza los azules acuáticos y los tonos oceánicos inspirados en la serenidad del agua y la necesidad de proteger los ecosistemas marinos. Los azules profundos y los verdes esmeralda se convertirán en protagonistas hacia la temporada estival, aportando frescura y un toque de misterio. Son ideales para materiales satinados o con acabados brillantes.

En verano, los llamados pasteles polvorientos ganarán protagonismo. Se trata de una versión más madura y nostálgica de los colores suaves: rosas pálidos, lavandas empolvados y amarillos mantequilla serán clave para piezas delicadas que transmiten sensibilidad y ligereza.

En el otro espectro cromático, siguiendo la corriente tecnológica, destacan los metalizados futuristas. Plata líquida, dorados suaves y tonos iridiscentes marcarán una narrativa futurista y audaz. Estos colores simbolizan la fusión entre tecnología y moda, representando un lujo vanguardista. Se verán en tejidos como el lamé, la seda metalizada y materiales innovadores con efectos lumínicos.

Tendencias en texturas y relieves: lo táctil con lo emocional

Este año, las texturas y los relieves se consolidarán como elementos clave para transformar los tejidos en experiencias sensoriales. La tridimensionalidad y la riqueza táctil invitan a explorar superficies que estimulan tanto la vista como el tacto, creando un diálogo único entre la prenda y quien la lleva.

A grandes rasgos, destacan las siguientes tendencias:

1) Plisados artísticos: Los pliegues y drapeados evolucionan para ofrecer volúmenes esculturales y formas arquitectónicas. Estos efectos, aplicados en materiales ligeros como organzas o gasas, aportan un aire etéreo y sofisticado a las prendas.

2) Acabados rugosos y naturales: Inspirados en materiales orgánicos como la corteza de los árboles o las superficies rocosas, los tejidos con texturas granuladas o desiguales transmiten una sensación de autenticidad y conexión con la naturaleza.

3) Bordados en relieve: Los bordados tridimensionales, como flores o figuras abstractas que sobresalen del tejido, aportan un toque artesanal y exclusivo. Estos detalles son ideales para prendas de noche y alta costura.

4) Superficies acolchadas: Inspiradas en la tendencia comfortwear, las texturas acolchadas se reinterpretan para el lujo, con patrones geométricos y acabados satinados que combinan comodidad y elegancia.

5) Efectos holográficos: En la línea futurista, las superficies con efectos ópticos o iridiscentes añaden una dimensión lúdica y experimental a los tejidos, destacándose en colecciones de vanguardia.

Tendencias en materiales: las fibras que se asientan

La búsqueda de sostenibilidad y tecnología convergerá en materiales que redefinen lo que significa el lujo. En 2025, los tejidos no solo serán estéticos y funcionales, sino también responsables con el medio ambiente y pioneros en su composición.

Bajo esta premisa, las fibras regenerativas y materiales como el Tencel Luxe, elaborado a partir de celulosa regenerada, ofrecen una alternativa ecológica con un acabado suave y brillante que compite con la seda tradicional. También proliferan los tejidos inteligentes, capaces de regular la temperatura, medir signos vitales o incluso adaptarse a las condiciones climáticas en tiempo real.

Los biomateriales experimentales ganan terreno, aunque su uso aún no se ha internacionalizado. Por ejemplo, hilos creados a partir de micelio (estructura de los hongos) o algas marinas representan un nuevo capítulo en la moda sostenible, con materiales biodegradables y visualmente impactantes. La biotecnología también permitirá producir seda sintética que imita las propiedades del material natural, pero con un impacto ambiental mucho menor.

Por último, la economía circular seguirá ganando protagonismo con materiales reciclados, como poliéster proveniente de botellas de plástico o cuero vegano fabricado a partir de restos de frutas como la piña o el mango.

A grandes rasgos, 2025 se perfila como un año de transformación en el ámbito de los tejidos de lujo, donde creatividad, sostenibilidad e innovación convergen para dar forma a nuevas expresiones de la moda. Los colores, texturas y materiales ya no son meros adornos, sino herramientas para contar historias que conectan con las emociones, los valores y las aspiraciones de una nueva era.

Desde Gratacós seguiremos trabajando para sorprenderte con lo que es nuestro savoir faire desde 1940: la creación y producción de tejidos de primera calidad.

Aquí te dejamos algunos artículos que te harán soñar este 2025.

Mocha Mousse.Cortesía de Pantone

Imagínate un postre cremoso que combine los aromas del cacao, el chocolate y el café, con texturas evocadoras y una intensa tonalidad marrón que despierta tanto la vista como el paladar. Esa imagen sugerente, que mezcla cotidianidad y pequeños placeres, conecta directamente con el color del año 2025 elegido por Pantone: 17-1230 Mocha Mousse. Esta tonalidad, descrita por la compañía como “un marrón suave y evocador, pero también intenso y cálido”, invita a nuestros sentidos a disfrutar del placer y la exquisitez.

Un color que abre el apetito

Mocha Mousse, sugerente e inspirador, toma el relevo de Peach Fuzz 13-1023, el delicado tono melocotón que fue el color del año 2024. “Inspirado en nuestro deseo de placeres cotidianos, 17-1230 Mocha Mousse expresa un nivel de placer reflexivo”, explica Leatrice Eiseman, directora ejecutiva del Pantone Color Institute, en el nuevo comunicado que anuncia tal esperada revelación. “Sofisticado y exuberante, pero al mismo tiempo un clásico sin pretensiones, este color amplía nuestra percepción de los marrones como tonos humildes y sencillos a abrazar la aspiración y el lujo. Impregnado de sutil elegancia y refinamiento terrenal, presenta un toque de glamur discreto y de buen gusto”, asegura Eiseman.

Conectar con los orígenes

Aunque en las redes sociales algunos han criticado la elección del marrón, asociándolo al periodo actual de inestabilidad y falta de autenticidad, Pantone defiende su decisión destacando la creciente búsqueda de conexión con la naturaleza y los orígenes de la humanidad. “Caracterizado por su naturaleza orgánica, 17-1230 Mocha Mousse honra y celebra el sustento que nos ofrece nuestro entorno físico. Impregnado de autenticidad, encuentra el equilibrio entre las exigencias de la modernidad y la belleza atemporal de la creación artística”, explica la compañía.

Laurie Pressman, vicepresidenta del Pantone Color Institute, describe Mocha Mousse como una extensión del Peach Fuzz que le precedió, compartiendo su esencia de comodidad, pero llevándola un paso más allá al incluir “los placeres simples que podemos regalar y compartir con los demás”, como una copa de mousse de moca. “La eterna búsqueda de la armonía permea todos los aspectos de nuestra vida: nuestras relaciones, el trabajo que hacemos, nuestras conexiones sociales y el entorno natural que nos rodea. Este color nos aporta satisfacción, inspirando un estado positivo de paz interior, calma y equilibrio, mientras nos sintoniza con el mundo que nos rodea. La armonía abarca tanto una cultura de conexión y unidad como la síntesis de nuestro bienestar mental, espiritual y físico”, detalla Pressman, subrayando cómo este tono refleja ese anhelo de conexión y equilibrio.

Mocha Mousse.Cortesía de Pantone

¿Cómo se gesta el color del año?

Pantone, la autoridad mundial en color y creadora de estándares profesionales para la comunidad del diseño, comenzó a definir el color del año en 1999. La primera elección fue el icónico azul cerúleo (Pantone 15-4020), una tonalidad que alcanzó fama mundial gracias a la película El diablo viste de Prada, estrenada siete años después. En esta cinta, Meryl Streep, como la temida editora de Vogue, inmortalizó el color con un inolvidable discurso sobre moda dirigido a Anne Hathaway: “Lo que no sabes es que ese jersey no es solo azul. No es turquesa, ni es marino. En realidad, es cerúleo”.

El objetivo inicial de esta iniciativa era generar conversación en torno al color, involucrando tanto a la comunidad del diseño como a los entusiastas del tema. Pero elegir el color del año no es un proceso sencillo ni arbitrario. Detrás de esta decisión hay un riguroso análisis. Cada año, un comité de expertos en color estudia tendencias culturales, artísticas y sociales a nivel mundial para identificar referencias significativas. A partir de este análisis, seleccionan un color ya existente dentro del catálogo de Pantone y lo bautizan con un nombre fácil de recordar.

A lo largo de los años, estas elecciones han reflejado el contexto socioeconómico global: desde el Marsala, que evocaba el mundo del vino en 2015, hasta la doble elección de 2021 —el amarillo Illuminating y el gris Ultimate Grey— que simbolizaba los desafíos de la pandemia. En 2022, Very Peri, un atrevido tono lavanda, conectó el mundo real con el digital. Más allá de su belleza, estos colores invitan a una reflexión sobre los tiempos que vivimos.

En 2010, Pantone amplió su alcance más allá del nicho del diseño para conectar con el público general, adaptándose a nuevas disciplinas creativas inspiradas por el color. Fue entonces cuando surgieron dos iniciativas clave: el Pantone Color Institute y el Color of the Year. Estas propuestas no solo investigan y promueven el uso del color, sino que también han transformado la estrategia de marketing de la marca, convirtiéndola en una tendencia global. Hoy en día, el color del año influye directamente en el desarrollo de productos y en las decisiones de compra en sectores como la moda, la decoración, el diseño y la publicidad.

La guía Pantone, que comenzó con 500 colores para las artes gráficas, ahora cuenta con más de 2.000 referencias. Cada 18 meses se añaden nuevos tonos cada vez más precisos, reflejando la evolución del color en nuestra vida cotidiana. Actualmente, Pantone es una multinacional con una sólida presencia global. Desde su adquisición por X-Rite, una empresa especializada en gestión del color, la compañía ha crecido exponencialmente. Con 17 oficinas alrededor del mundo, Pantone comercializa desde sus famosas guías hasta productos de marca y alianzas estratégicas. Ejemplos recientes incluyen colaboraciones con Motorola para smartphones, ediciones especiales de botellas de Jägermeister, e incluso cápsulas de café en asociación con Nespresso, una alianza que despierta la pregunta: ¿habrán inspirado estas cápsulas la elección del color de este año?

En 2025, para celebrar el 26º aniversario del Pantone Color of the Year, la empresa ha llevado el color más allá de sus guías, destacándolo en eventos y experiencias globales. Desde Nueva York y Londres, hasta Shanghái y Bombay, Pantone ha organizado espacios públicos y encuentros para hacer que el color del año sea accesible para todos.

La elegancia apacible del Mocha Mousse: aplicaciones en moda y diseño

En el mundo de la moda, el Mocha Mousse se posiciona como una tonalidad neutra de gran versatilidad. Apodado “el color de la elegancia sin pretensiones”, este tono destaca por su capacidad para crear looks cálidos y minimalistas que se fusionan con las distintas tonalidades de piel, generando un efecto de camuflaje cromático. El color del año 2025 también redefine nuestra percepción del marrón, llevándolo de lo humilde y terrenal a lo lujoso y aspiracional.

Si lo trasladamos al universo textil, Mocha Mousse ofrece infinitas posibilidades. Su calidez sensorial se refleja en tejidos de tacto delicado como la cachemira, el angora, el terciopelo mullido y las texturas peludas que envuelven y reconfortan. También resplandece en materiales más ligeros como gasas vaporosas, satenes fluidos o tejidos de punto que aportan movimiento y elegancia drapeada. Este tono, impregnado de refinamiento terroso, encarna un lujo orgánico y auténtico, promoviendo looks minimalistas que apuestan por la sencillez sin artificios.

Mocha Mousse también se adapta a diversas texturas y acabados. Desde superficies mates que resaltan su naturalidad hasta acabados brillantes o metalizados que le otorgan un toque sofisticado, este color funciona como una base perfecta para combinaciones cromáticas audaces o estilismos monocromáticos llenos de profundidad.

En decoración e interiorismo, Pantone 17-1230 Mocha Mousse conecta con nuestro deseo de bienestar y confort. Este marrón terroso y refinado aporta una sensación de hogar cálido, ya sea en suelos, paredes pintadas o elementos decorativos. Su presencia destaca en materiales naturales como la madera, la piedra, el ratán, el mimbre o el cuero, ofreciendo un equilibrio entre la sofisticación y la calidez hogareña.

En Gratacós, hemos seleccionado algunos tejidos clave que conectan este color del año con nuestra nueva colección. Desde texturas lujosas hasta acabados versátiles, encontrarás inspiración para llevar Mocha Mousse a tus proyectos de moda y diseño.

 

Irving Penn.Centennial.Cortesía de la Fundación MOP

Fue un icono de la fotografía de moda y su visión revolucionaria ahora se puede rememorar en España. La Fundación Marta Ortega Pérez (Fundación MOP) da un paso más en la creación de puentes entre la fotografía y la moda con la exposición Irving Penn: Centennial. Se trata de la mayor retrospectiva dedicada al talentoso fotógrafo estadounidense jamás presentada en España. Una muestra simbólica que recorre los 70 años de su prolífica carrera, ya exhibida en Nueva York, París y Berlín.

Irving Penn: Centennial es una exposición organizada por The Metropolitan Museum of Art de Nueva York, en colaboración con la Fundación Irving Penn y comisariada por Jeff L. Rosenheim, comisario Joyce Frank Menschel a cargo del área de Fotografía de The Met. La muestra podrá visitarse de forma gratuita hasta el 1 de mayo de 2025 en el centro de exposiciones de la Fundación MOP, situado en la zona portuaria de A Coruña.

Irving Penn.Centennial. Cortesía de la Fundación MOP

Un viaje al alma de la fotografía de Irving Penn

Creada en 2017 con motivo del centenario del nacimiento del artista, Irving Penn: Centennial es un homenaje a su prolífica trayectoria en toda su amplitud, desde sus inicios a finales de la década de 1930 hasta los primeros años del siglo XXI. Lo más interesante de la muestra es que permite profundizar en el trabajo del fotógrafo más allá de sus proyectos más conocidos. Precisamente, este es el objetivo de la exposición: abarcar todas las facetas de la obra de Penn, incluyendo fotografías de moda, delicados desnudos femeninos, composiciones florales y naturalezas muertas, los bodegones de objetos cotidianos por los que sintió predilección a lo largo de su vida.

La exposición también destaca los retratos de personalidades que le valieron la fama, como su musa Lisa Fonssagrives, Pablo Picasso o Marlene Dietrich, además de sus series fotográficas que documentan a personas comunes y corrientes capturadas en distintos rincones del mundo. Incluye, además, piezas únicas como el telón de fondo de su estudio y obras inéditas que permiten al visitante adentrarse en su proceso creativo. En conjunto, la muestra reúne más de 160 obras que ofrecen una panorámica completa de la carrera de un artista que revolucionó el lenguaje visual del siglo XX.

Irving Penn.Centennial.Cortesía de la Fundación MOP

Una mirada democrática

La exposición es la excusa perfecta para descifrar el legado de Irving Penn y entender su figura en la fotografía de moda, un ámbito que trascendió para crear un universo visual único. Su lema, “menos es más”, sigue siendo un referente para artistas y creativos, recordándonos que la belleza puede hallarse en lo esencial y lo simple.

Durante más de seis décadas, su colaboración con la revista Vogue redefinió los estándares visuales mediante un estilo que combinaba la sencillez con la sofisticación. Sus imágenes, caracterizadas por un uso minimalista del espacio y fondos neutros, transformaron la percepción de la fotografía comercial y artística. Con un enfoque vanguardista, Penn convirtió lo cotidiano en arte, inmortalizando desde figuras icónicas como Audrey Hepburn y Miles Davis hasta objetos tan comunes como colillas de cigarrillos.

La muestra también subraya su dominio técnico: Penn revivió técnicas como la impresión en platino-paladio y experimentó con materiales para alcanzar una calidad única en sus fotografías. Cada imagen revela su habilidad para capturar la esencia de sus sujetos, trascendiendo la documentación y creando piezas cargadas de emotividad y simbolismo.

Materiales complementarios

Para enriquecer la experiencia, la Fundación MOP ha editado en exclusiva un catálogo en español de la exposición, imprescindible para los admiradores de la obra de Penn y la fotografía del siglo XX. Este volumen reúne casi 300 imágenes, entre obras icónicas e inéditas, acompañadas de ensayos que exploran los principales temas de su trayectoria.

Además, como cada año, los visitantes podrán disfrutar de una nueva escenografía diseñada específicamente para la exposición, tanto en el interior de la nave como en el espacio exterior. Asimismo, el recinto ha reabierto su librería, especializada en fotografía, moda, diseño y otras disciplinas artísticas.

Irving Penn. Picture of self, Cuzco, 1948© The Irving Penn Foundation

Un legado que perdura

La exposición Irving Penn: Centennial se convierte en la cuarta gran retrospectiva impulsada por la Fundación MOP, reafirmando su compromiso con la fotografía, la moda y su conexión con A Coruña. Desde su creación, la Fundación ha promovido exposiciones de gran relevancia, como Peter Lindbergh. Untold Stories (2021-22), Steven Meisel 1993: A Year in Photographs (2022-23) y Helmut Newton: Fact & Fiction (2023-24).

 Créditos fotografías:

 Irving Penn. Marlene Dietrich, New York, 1948 © The Irving Penn Foundation

 Irving Penn. Woman in Chicken Hat (Lisa Fonssagrives-Penn), New York, 1949 © The Irving Penn Foundation

 Irving Penn. Naomi Sims in Scarf, New York, ca. 1969 © The Irving Penn Foundation

La época navideña ya está aquí, y con ella llegan los primeros destellos de las luces en las calles, las cenas de empresa, las reuniones íntimas con amigos y familiares, y las grandes celebraciones que nos invitan a lucir nuestras mejores galas. Es el momento perfecto para destacar con prendas especiales que resalten por su elegancia y sofisticación.

En Gratacós, entendemos esta necesidad y, por ello, cada colección incluye tejidos cuidadosamente diseñados, elaborados con la calidad premium que las ocasiones especiales exigen. En este nueva entrada al blog, queremos guiarte por nuestros tejidos estrella para que brilles durante las fiestas, ya sea de manera sutil o con un toque deslumbrante. Descubre sus características y aprende cómo aprovechar al máximo cada uno para tus momentos más especiales. ¡Te lo contamos a continuación!

Terciopelo

Pocos tejidos despiertan tanta fascinación como el terciopelo. Su textura suave, con una superficie de pelo corto que cambia de dirección al rozarlo, y su capacidad para reflejar la luz con delicadeza lo convierten en un clásico irresistible para la temporada navideña. Además, su leve elasticidad lo hace perfecto para confeccionar prendas elegantes y cómodas que destaquen en cualquier evento.

El terciopelo evoca lujo instantáneo y es increíblemente versátil, especialmente para estilismos nocturnos. Desde vestidos largos de gala hasta trajes completos con americanas ajustadas y pantalones palazzo, este tejido añade un toque de sofisticación a cada look. ¿La mejor parte? En Gratacós ponemos a tu disposición una amplia gama de tonalidades para que encuentres la que mejor se adapta a tu estilo y a la ocasión.

Descubre todas las posibilidades del terciopelo aquí.

Seda

Desde la antigüedad, la seda ha sido símbolo de lujo y sofisticación. Este tejido natural se distingue por su suavidad extrema, su brillo natural y su caída fluida, lo que lo convierte en la elección perfecta para prendas que buscan adaptarse con elegancia al cuerpo. La seda tiene una caída impecable, ideal para vestidos y blusas que, sin perder su forma, envuelven con una delicadeza única.

Para las festividades navideñas, nada como un vestido largo de seda con un estilo lencero en tonos metálicos o en un rojo profundo, ideal para una fiesta de Año Nuevo. Si prefieres un estilo más rompedor, una blusa de seda combinada con pantalones de talle alto crea un look sofisticado y moderno. ¿Otro imprescindible? Una falda larga de seda, combinada con un jersey de punto o de cachemira, para un conjunto que equilibra perfectamente feminidad y confort.

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Brocado

Vistoso y lleno de carácter, el brocado evoca el esplendor barroco con su homenaje al exceso y sus intrincados patrones florales o geométricos tejidos en hilos metálicos. Este tejido, con su textura gruesa y presencia imponente, es perfecto para crear prendas estructuradas que destacan en cualquier ocasión especial.

¿Qué posibilidades ofrece? Un vestido de brocado es la elección perfecta para eventos muy formales, pero este tejido también puede adaptarse a un estilo más actual. Por ejemplo, una chaqueta de brocado combinada con jeans de cintura alta crea un look moderno y sofisticado con un toque inesperado. Además, el brocado es ideal para capas llamativas como abrigos, chaquetas o blazers que añaden un aire regio a cualquier conjunto.

Apuesta por una prenda de brocado para cenas de Nochebuena o eventos donde quieras transmitir elegancia y un sutil toque de realeza.

Encuentra nuestras propuestas de tejido con Jacquards que te enamorarán aquí.

Lentejuelas

Si hay un tejido que captura la esencia festiva, son las lentejuelas. Este clásico atemporal refleja la luz de manera espectacular, convirtiéndose en el centro de todas las miradas. Pero en Gratacós damos un paso más allá: esta temporada, las lentejuelas se reinventan con versiones maxi y combinaciones de 2 o 3 colores que crean mosaicos irresistibles y únicos.

¿Ya tienes claro cómo combinarlas? Si no, aquí van algunas ideas: apuesta por un vestido brillante de pies a cabeza para deslumbrar en cualquier evento o atrévete con opciones menos convencionales, como chaquetas con adornos metalizados o incluso accesorios como bolsos. Y si buscas un look infalible, un vestido midi de lentejuelas en tonos dorados o plateados es perfecto para destacar en Nochevieja con elegancia y glamour.

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Tafetán

Cuando pensamos en prendas glamurosas con volumen y estructura, el tafetán es el protagonista indiscutible. Este tejido ligero pero firme destaca por su rigidez, que le permite mantener la forma, y su brillo sutil, lo que lo convierte en una elección clásica para vestidos de gala y trajes de noche.

¿Ideas para diseñar? El tafetán es ideal para vestidos con faldas voluminosas o detalles de capas que necesiten estructura. Los tonos brillantes como el plateado o el esmeralda realzan aún más su elegancia, convirtiéndolo en la opción perfecta para eventos de alta etiqueta como galas navideñas o cenas de fin de año en entornos lujosos.

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Y si buscas algo aún más especial, explora nuestra colección premium con tejidos diseñados para ocasiones inolvidables. Además, nuestras cajas sorpresa con cuatro tejidos de colecciones pasadas te inspirarán para crear looks únicos y llenos de magia para estas fiestas.

Sala de la exposición ‘MiróMatisse, más allá de las imágenes’ comisariada per Rémi Labrusse. © Fundació Joan Miró. Fotos: Davide Camesasca

¿Qué admiraba Miró de Matisse? ¿Y viceversa? ¿Cómo se aprecia en los lienzos este diálogo creativo? Joan Miró y Henri Matisse, dos genios de la pintura de distinta procedencia, generación, planteamientos estéticos y estilos pictóricos, dialogan entre ellos de manera fascinante en una exposición excepcional que muestra las relaciones profundas, duraderas y constructivas entre los dos artistas, sus concepciones del arte y, especialmente, sus obras. Así de ambiciosa se posiciona ‘Más allá de las imágenes, la nueva muestra que está cautivando al público y que ya se puede ver en la Fundació Joan Miró de Barcelona. Representa una oportunidad única para ver en Barcelona las obras nunca antes expuestas en España de Miró y Matisse.

El título ‘MiróMatisse. Más allá de las imágenes‘ refleja la intención de la exposición de desafiar ciertos clichés. Aunque a primera vista la conexión entre estos dos artistas puede parecer sorprendente —pues pertenecen a generaciones diferentes (Matisse nació en 1869 y Miró en 1893) y están asociados a corrientes artísticas diversas, como el fauvismo y el surrealismo, respectivamente—, la exposición busca profundizar en las relaciones significativas y duraderas entre sus obras y enfoques artísticos.

Ambos creadores compartieron una crítica a la tradición pictórica occidental y una visión amplia de la pintura y el dibujo, impulsada por su inquietud intelectual. Esta visión los llevó a un reconocimiento mutuo y a una admiración sincera por el trabajo del otro.

Los diálogos creativos

El fauvismo, en el que Matisse fue uno de los principales exponentes, revolucionó el arte a principios del siglo XX a través del uso audaz del color y la liberación de las convenciones formales, buscando una expresión más visceral. Matisse utilizó el color para transmitir emociones profundas, alejándose de la representación fiel de la realidad.

Por su parte, Miró, influenciado por el surrealismo, adoptó una perspectiva radicalmente distinta. Su enfoque se centró en el subconsciente y lo onírico, permitiéndole descomponer formas y colores a su esencia más básica, creando así un lenguaje visual innovador que desafiaba las normas establecidas.

A pesar de sus diferencias estilísticas, ambos artistas compartieron una profunda reflexión sobre las tradiciones de la imagen en la cultura occidental. Desafiaron las normas establecidas, buscando trascender la mera representación visual para crear obras que resonaran con la experiencia humana a un nivel más profundo. Mientras Matisse exploraba una armonía decorativa que superaba sus conflictos internos, Miró buscaba romper con la pintura tradicional, abriendo un universo de signos que evocaban realidades invisibles.

Matisse desarrolló una conexión especial con Cataluña, un lugar que influyó decisivamente en su estilo. Su tiempo en Colliure, un pintoresco puerto del sur de Francia, le permitió apreciar la luz y la vida del Mediterráneo, donde, junto a André Derain, cimentó los principios del fauvismo.

Una admiración mutua

La admiración entre Miró y Matisse fue recíproca. Matisse describía a Miró como un “pintor de verdad”, elogiando su uso preciso y poderoso del color. Durante los años treinta, Matisse enfrentó una crisis creativa y fue entonces cuando se sumergió en el estudio de las obras de Miró, encontrando en ellas la inspiración necesaria para revitalizar su propio enfoque artístico.

Durante la Segunda Guerra Mundial, Matisse compartió con el poeta Louis Aragon que Miró era uno de los pocos artistas contemporáneos que realmente admiraba. Estas fueron sus palabras:

“Estábamos hablando de pintores contemporáneos y le pregunté quién le parecía, además de Picasso, un verdadero pintor. Dijo el nombre de Bonnard… y luego, sin detenerse: ‘Miró… Sí, Miró…, porque puede representar cualquier cosa en su lienzo… Pero si, en un determinado punto, hay colocada una mancha roja, puedes estar seguro de que tenía que estar allí, no en otro lugar, que tenía que ser… Si la quitas, el cuadro cae.'”

Miró, a su vez, veía en Matisse un referente en su búsqueda de un lenguaje visual que uniera la intensidad fauvista con una profunda poesía. En sus notas, Miró anhelaba crear obras que poseyeran un “espíritu fauve pero impregnado de poesía”, deseando incluso que fueran más “brutales” que las de Matisse. Esta conexión con el fauvismo contribuyó a definir su propia voz artística, caracterizada por una vibrante intensidad cromática.

Un vínculo personal

A pesar de su diferencia de edad y la distancia entre sus países, Miró y Matisse comenzaron a verse en París en la década de 1930, gracias a Pierre Matisse, hijo del pintor, quien se convirtió en el representante de Miró en 1934. Pierre desempeñó un papel fundamental en la difusión de la obra de Miró en Estados Unidos, consolidando su reputación internacional.

Esta colaboración fortaleció los lazos entre las familias de ambos artistas y permitió que sus obras fueran apreciadas a nivel global. La confianza que Miró depositó en Pierre no solo reflejaba su admiración por su padre, sino también su respeto por la integridad y la visión de Pierre como promotor de su arte.

Más allá de las imágenes

La exposición ‘MiróMatisse: Más allá de las imágenes’ no se limita a presentar sus obras, sino que invita a explorar las profundas intuiciones y tensiones que llevaron a estos dos artistas a trascender las imágenes tradicionales. Los visitantes podrán sumergirse en el diálogo entre Miró y Matisse, cuya amistad y respeto mutuo les impulsaron a redefinir los límites de la pintura, dejando una huella indeleble en la historia del arte.

La exposición, que impulsa la Fundació Joan Miró y la Fundación BBVA en colaboración con el Musée Matisse de Niza, estará abierta al público hasta el próximo 9 de febrero de 2025.

Créditos fotos: 1. Henri Matisse- Cotlliure a l’agost -1911 – Colección particular- Crédito foto © Summit Trust Geneva for the Sidarta Collection © Succession H. Matisse. 2. Sala de la exposición ‘MiróMatisse, más allá de las imágenes’ comisariada per Rémi Labrusse. © Fundació Joan Miró. Fotos: Davide Camesasca. 3. Joan Miró – Cambrils, la platja – 1917 – © Nahmad Collection © Successió Miró, 2024

Fotos looks: 1. Rodarte, 2. Gonçalo Peixoto, 3. Mariano Moreno, 4. ON RUSH, 5. Joplin Atelier, 6. Acuamona. Cortesía de las marcas

Granate, escarlata, borgoña, guinda, vino, cereza… Existen muchas formas de referirse a la gama de rojos oscuros con un toque azulado o violáceo. Este abanico de posibilidades abarca un color cautivador, sinónimo de lujo, poder y estatus, que seduce por su calidez y ha fascinado tanto a diseñadores como a artistas a lo largo de los siglos. Este otoño 2024, vuelve a ser protagonista en las pasarelas, reafirmando su lugar como un color elegante, versátil y lleno de personalidad. Algunos lo llaman “el nuevo neutro”, pero ¿por qué este tono oscuro de rojo tiene un atractivo tan atemporal, casi hechizante? Exploraremos su historia, psicología y el porqué de su regreso triunfal en las colecciones de esta temporada.

Origen del color. Sobre vino, vestimenta y teatralidad

El color granate o burgundy debe su nombre a los célebres vinos tintos de la región de Borgoña, en Francia, conocidos por su refinamiento. Esta conexión lo convierte en un color asociado a la riqueza, el lujo y la sofisticación. En 2015, Pantone elevó esta asociación -entre moda y vino- al coronar el Marsala como la tonalidad que iba a guiar el diseño industrial, la moda, la belleza, el mobiliario y la decoración de interiores. Para ese año, la autoridad internacional del color imaginó un mundo teñido de “una tonalidad cálida, además de elegante, universalmente atractiva y que se transpone fácilmente en las artes multidisciplinares”. Pantone consideraba que el Marsala era igualmente atractivo para hombres y mujeres, capaz de conmover y despertar el sentido del gusto, además de incitar a la creatividad y a la experimentación con el color.

Si navegamos en la historia, el uso del granate o burgundy en textiles y vestimentas se remonta mucho más allá de su denominación contemporánea. Desde la antigüedad, los tintes rojos oscuros eran apreciados por su rareza y el estatus que otorgaban a quienes podían permitirse lucirlos. Durante la Edad Media y el Renacimiento, los tintes de color burdeos eran extremadamente costosos debido a los ingredientes raros necesarios para producirlos, como el caracol púrpura de Tiro o la raíz de rubia. En consecuencia, este color estaba reservado para la aristocracia y la realeza, que usaban prendas de tonos rojizos oscuros para simbolizar poder y autoridad. En la corte de Enrique VIII, por ejemplo, el burgundy era una tonalidad muy empleada por la alta nobleza, como María Tudor, quien lucía un icónico vestido de terciopelo borgoña en su boda con Luis XII de Francia en 1514. Otra referencia histórica se encuentra en los vestidos de terciopelo y satén burdeos que llevaban las mujeres de la realeza europea en el siglo XVIII, como María Antonieta, cuyo gusto por los colores ricos y profundos marcó tendencia en la moda cortesana.

En tiempos modernos, el borgoña sigue vinculado a la teatralidad y el dramatismo. Pensemos en la tonalidad del telón y los cortinajes de un teatro. En el cine, esta vibrante tonalidad ha sido inmortalizada en películas como Lo que el viento se llevó, donde Scarlett O’Hara luce un majestuoso vestido en este tono, diseñado para transmitir tanto poder como sensualidad. Este color también ha sido un elemento clave en películas contemporáneas como Moulin Rouge, donde se emplea para realzar el drama y la pasión de los personajes.

¿Por qué vuelve a estar de moda este otoño 2024? De la pasarela a la calle

El burgundy combina la pasión del rojo con la profundidad del marrón, evocando lujo, ambición y poder. Es una tonalidad versátil que favorece a distintos tonos de piel: en pieles claras, resalta su luminosidad; en pieles oscuras, aporta sofisticación sin ser estridente. Su intensidad varía según el material en el que se emplee, adquiriendo una textura visual que puede ser moderna y minimalista en tejidos como el satén, o lujosa y opulenta en terciopelo.

El granate es el protagonista de las colecciones otoño-invierno, tanto en looks monocolor como en combinaciones atrevidas. Desde gabardinas sesenteras combinadas con mocasines de plataforma y bolsos estructurados, como propone Sabato De Sarno para Gucci, hasta trajes sastre en las colecciones de Roksanda y Ferragamo. En una versión más desenfadada, Lacoste apuesta por monoleggings combinados con abrigos oversize, creando una mezcla entre comodidad y estilo.

Este tono también ilumina las noches de otoño, donde microvestidos de cuero ajustados destacan en las colecciones de Thierry Mugler y Ermanno Scervino. Otras propuestas incluyen tops de lazada y pantalones plisados en la colección de Philosophy di Lorenzo Serafini, aportando una segunda piel en granate que redefine el lujo discreto. Además, el granate se combina con tonos neutros, como el beige o el azul noche, en propuestas de Victoria Beckham y Khaite, o con colores más atrevidos como fucsia, en una apuesta audaz que defendió Pierre Cardin.

Y en tejidos… ¿Qué te recomendamos?

En Gratacós, caemos rendidos ante el borgoña, un clásico que nunca pasa de moda. Este tono se potencia en tejidos lujosos que permiten jugar con la textura y el movimiento. Para sacarle el máximo partido, te recomendamos estos materiales:

1. Sedas y satenes: Ideales para prendas elegantes y con caída fluida que realza la sensualidad del granate.
2. Paños de lana: Perfectos para abrigos y prendas exteriores, transmitiendo calidez y sofisticación en looks de invierno.
3. Terciopelo: Aporta profundidad y un aire lujoso que convierte cualquier prenda en una pieza especial.
4. Encajes y tules: Para looks románticos y femeninos, ideales en eventos de noche o prendas más delicadas.

Consulta nuestra colección de temporada en nuestra tienda online  y descubre los tejidos que mejor se adapten a tu estilo. ¡No te pierdas la oportunidad de dejarte cautivar por este color tan atemporal!

En el collage: Lola Casademunt by Maite, Fely Campo, Álvaro Calafat, JCPajares y Malne para la MBFWMadrid. Cortesía de las marcas.

En Gratacós, siempre estamos atentos a las pasarelas más importantes de la moda española, buscando esos looks sorprendentes que se crean con nuestros tejidos. Nos encanta observar cómo cada diseñador pone su toque personal y transforma nuestras telas en auténticas obras de arte en movimiento. Esta búsqueda constante de creatividad e innovación nos inspira profundamente.

En la última edición de la Mercedes-Benz Fashion Week Madrid, celebrada en septiembre de 2024, confirmamos una vez más que muchos diseñadores confían en la calidad y versatilidad de nuestros tejidos para dar vida a sus colecciones. Este año, los tejidos artesanales y sostenibles han tomado protagonismo, destacando un enfoque claro en materiales reciclados, naturales y tecnológicos. No solo hacen que las prendas luzcan increíbles, sino que también cuentan historias llenas de propósito.

Aquí te dejamos algunos de los looks más destacados de las colecciones de Primavera-Verano 2025, donde nuestros tejidos han sido parte esencial. Es fascinante ver cómo cada diseñador aporta su visión única y juega con las texturas para marcar tendencias que no pasan desapercibidas.

Álvaro Calafat

En su nueva colección ODDITIES ODYSSEY, Álvaro Calafat nos sumerge en un viaje al pasado, evocando los antiguos gabinetes de curiosidades donde lo extraño y lo fascinante conviven. Inspirado en objetos coleccionables y misteriosas imágenes, el diseñador malagueño ha creado una propuesta que mezcla lo clásico con lo innovador, rompiendo las barreras entre moda y arte.

Las piezas más destacadas incluyen impresionantes volúmenes y construcciones con impresión 3D, una de las marcas de identidad de la firma. Las texturas hechas a mano y técnicas como la cianotipia aportan un toque artesanal que refuerza la estética única de la colección. Cada prenda se convierte en un lienzo de experimentación, donde lo surrealista cobra vida a través de aplicaciones y bordados.

La firma mantiene su compromiso con la sostenibilidad, enfatizando tejidos naturales y de alta calidad como la seda, el algodón, la piel y el tencel. Las clásicas bomber de la casa se reinterpretan con detalles surrealistas, elevando su diseño a otro nivel. Esta colección refleja el compromiso de Álvaro Calafat con la innovación y el respeto por el medio ambiente, siempre con ese aire de misterio y sofisticación que caracteriza a la firma.

Fely Campo

Con “Lei Zu”, Fely Campo nos invita a un viaje estético por la mítica Ruta de la Seda, fusionando historia, leyenda y moda. Esta colección de prêt-à-porter de lujo presenta 29 looks sofisticados, comenzando con el magistral uso del tweed y entrelazándose con sedas artesanales traídas de Guangzhou. Cada prenda celebra la riqueza textil, donde la opulencia y la sutileza se encuentran.

Los volúmenes del tafetán, la ligereza de las organzas y los brocados estampados se combinan para crear piezas que destacan por la precisión en los cortes y el esmero en las siluetas. La colección comienza con formas más estructuradas y trajes sastre, evolucionando hacia una estética más fluida con vestidos camiseros y maxi kaftanes de encaje que hipnotizan con su movimiento.

La paleta de colores de “Lei Zu” es un poema visual: azules cristalinos, blancos nacarados y lilas suaves se mezclan con limas ácidas y pistachos radiantes. Con pinceladas doradas sobre sedas chinas, la luz juega un papel fundamental en esta propuesta, que va más allá de ser solo una colección; es un tributo a la esencia de la moda y la magia de la Ruta de la Seda.

JCPajares

JCPAJARES nos sorprende con “ANNUAL 25,” su quinta colección anual, donde la esencia del verano y el invierno se entrelazan en diseños que celebran la artesanía y la innovación, todo con un fuerte compromiso medioambiental. Esta propuesta destaca el nuevo lujo artesano, fruto de una colaboración con maestros artesanos de Castilla-La Mancha, que revive técnicas centenarias en peligro de extinción, aportándoles un aire contemporáneo.

La colección es un verdadero festín para los sentidos, con materiales que incluyen cerámica, vidrio soplado, bordados a mano, croché y estampados pintados, todos elaborados en telares históricos. La lana española, a menudo considerada un residuo, vuelve a cobrar vida, mientras que los accesorios en piel y mimbre añaden un toque único a cada look.

“ANNUAL 25” es una oda a la sostenibilidad, donde la responsabilidad social y el bienestar animal son pilares fundamentales. Las siluetas oversize y los patrones innovadores se combinan con estampados que evocan los atardeceres, creando piezas perfectas tanto para el día como para la noche. La colección incluye plumas, frunces, cut-outs y detalles goth, confeccionados en paños de lana, crepes de seda, tafetanes y denims desteñidos, junto con tules y tejidos adornados con pedrería y lentejuelas de motivos florales.

En cada prenda de “ANNUAL 25,” la artesanía y la estética moderna se fusionan, ofreciendo una experiencia visual y sensorial que resalta la calidad de los materiales y la trazabilidad real, ideal para quienes buscan piezas únicas y con historia.

Lola Casademunt by Maite

La nueva colección de LOLA CASADEMUNT BY MAITE se inspira en la rica cultura japonesa, con las geishas como musas. Esta propuesta captura la feminidad y delicadeza que caracterizan a estas emblemáticas figuras, llevándolas a la vida a través de prendas adornadas con detalles florales y brillos, en una paleta vibrante que evoca los icónicos kimonos.

Los tejidos fluidos y delicados se combinan con materiales más estructurados y casuales, creando un diálogo entre tradición y modernidad. Los cuellos pespunteados, bordados y lazadas entrelazan elementos clásicos del vestuario de las geishas con un estilo contemporáneo, mientras que volúmenes amplios en faldas-pantalón y mangas con caída añaden movimiento y elegancia a cada look.

Los vestidos entallados y patrones geométricos refuerzan la silueta, aportando un toque de sofisticación. Los complementos son esenciales en esta propuesta, incluyendo los okobo, las sandalias tradicionales, y fajines que imitan los obis de los kimonos, todos diseñados con los colores y estampados característicos de la colección.

“Spring/Summer 2025” de Lola Casademunt by Maite ofrece una visión contemporánea de la estética japonesa, fusionando lo tradicional con lo actual en una propuesta fresca y sofisticada. Cada prenda no solo celebra la herencia cultural, sino que también se adapta al estilo de vida moderno, convirtiendo esta colección en una opción ideal para quienes buscan elegancia y distinción en sus outfits.

Malne

Malne, la firma de lujo creada por los reconocidos diseñadores Paloma Álvarez y Juanjo Mánez, ha presentado “De Rerum Natura.” Inspirada en el poema del poeta romano Tito Lucrecio, esta colección para la próxima temporada estival celebra la naturaleza y es un viaje hacia la felicidad y la conciencia ambiental.

La propuesta se centra en la moda epicúrea, utilizando tejidos naturales como lino, rafia y seda, así como estampados de animales y flores que evocan la esencia primaveral. Cada prenda refleja la libertad y la conexión con el aire libre, ideales en esta época del año que invita a disfrutar del tiempo ocioso lejos del bullicio de la ciudad.

Las siluetas son suaves y fluidas, combinando elementos de alta costura con un enfoque femenino. Malne rinde homenaje a la corsetería clásica, utilizando encajes y corsés que envuelven el cuerpo con elegancia. La firma se mantiene fiel a sus principios de crear moda única con un mensaje de autor, destacando su compromiso con la artesanía y el slow fashion, convirtiéndose en una de las marcas pioneras del movimiento en España.

“De Rerum Natura” no solo es una colección, sino una invitación a reconectar con la naturaleza y a disfrutar de la vida en su máxima expresión. Cada pieza de esta colección de ediciones limitadas está diseñada para las clientas que buscan lujo y exclusividad, reafirmando la posición de Malne en el mundo del pret-à-porter de alta gama.

Collage creativo con looks de Marta Martí, By Sophie y Mariano Moreno.

Tradicionalmente asociado a la primavera, el estampado de flores sale de su zona de confort para tomar un nuevo protagonismo también durante la temporada fría. Esta tendencia demuestra su belleza, versatilidad y atemporalidad, características que resultan ideales para un armario no tan preocupado por las tendencias pasajeras, sino por el estilo que permanece y que, por lo tanto, es ajeno al paso del tiempo.

Este otoño, las flores vuelven a cobrar protagonismo, demostrando que también pueden aportar calidez, color y elegancia durante los meses más fríos. Un ejemplo de ello es el nuevo escaparate de septiembre que acabamos de estrenar en nuestro espacio en Barcelona, teñido de colores cálidos que van desde el marrón al granate y el naranja, con estampados de hojas y flores que evocan el inicio del otoño.

A continuación, exploraremos el origen de los estampados florales, su evolución en el mundo de la moda, las tendencias actuales y cómo las grandes firmas han reinterpretado esta tendencia en sus colecciones más recientes. Sin olvidar, por supuesto, los tejidos y artículos novedosos que ya tenemos disponibles en nuestra tienda online.

Origen y popularización de los estampados florales

Los estampados florales tienen una larga historia que se remonta a siglos atrás. Originarios de Asia, particularmente de China y Japón, los textiles con motivos florales llegaron a Europa a través de la Ruta de la Seda. En el siglo XVII, los tejidos de la India con estampados florales, conocidos como “chintz”, se hicieron populares en Europa, impulsando una tendencia que no ha dejado de evolucionar.

Su popularización en la moda contemporánea es históricamente más reciente. El auge de los estampados florales puede rastrearse hasta finales del siglo XIX y principios del XX, cuando el movimiento Art Nouveau adoptó las flores como un motivo clave en el diseño textil. Sin embargo, fue en las décadas de 1960 y 1970 cuando estos estampados realmente llegaron a un gran número de personas, gracias a los movimientos contraculturales hippie y bohemio, que abrazaron la naturaleza como una forma de expresión personal y símbolo de rebeldía contra los valores de la sociedad de la época.

¿Por qué las flores nunca pasan de moda?

Como mencionamos al inicio del artículo, los estampados florales han resistido el paso del tiempo gracias a su versatilidad, aportando un toque de romanticismo y feminidad. Estos diseños pueden adaptarse a una amplia variedad de estilos, tejidos y prendas, siendo imprescindibles tanto en un vestido de verano ligero como en una elegante chaqueta de entretiempo. Los estampados florales aportan frescura a cualquier conjunto. Además, existe una conexión emocional con la naturaleza que despierta sentimientos como amor, renovación, vida y serenidad. En un mundo cada vez más dominado por la tecnología y lo artificial, los diseños florales nos conectan con lo natural y nos recuerdan la belleza efímera de las flores.

Los estampados florales también son increíblemente adaptables a diferentes estilos y épocas. Entre las categorías más reconocibles se encuentran:

1. 1. Flores abstractas: Diseños modernos con trazos artísticos que mezclan colores y formas inusuales.

   2. Flores botánicas: Motivos que imitan la naturaleza o ilustraciones científicas, con un estilo más realista.

   3. Flores vintage: Inspiradas en las décadas de 1960 y 1970, con colores cálidos y formas psicodélicas.

   4. Flores oscuras: Con tonos profundos y fondos oscuros, que aportan un aire de sofisticación y misterio.

Otra razón por la que los estampados florales no pasan de moda es que son una expresión de individualidad y definen el estilismo de cada persona. No es lo mismo un estampado floral audaz y llamativo en tonos vibrantes que otro más sutil y delicado en tonos neutros. Entre ambos extremos, existe una infinita variedad de opciones para elegir.

La belleza de las flores también ha sido un tema recurrente en la inspiración de artistas a lo largo de la historia, desde el Renacimiento, pasando por el arte botánico y la visión de los impresionistas, hasta los diseñadores más vanguardistas. Hoy en día continúa siendo una fuente inagotable de inspiración en varias disciplinas contemporáneas. De hecho, en el ámbito de la moda, prácticamente ninguna colección de las principales firmas de lujo obvia por completo los estampados florales. Y, por último, un aspecto menos evidente: los estampados florales favorecen a todas las edades. Son patrones visualmente agradables y armoniosos que aportan alegría, vitalidad y frescura al rostro, elevando la autoestima. Por ello, los estampados florales se mantienen como una tendencia constante en todas las temporadas.

¿Cómo se llevan los estampados florales esta temporada?

Para la temporada otoño-invierno 2024/2025, los estampados florales se presentan de manera innovadora. Las combinaciones clave incluyen capas y contrastes, mezclando piezas florales con prendas de texturas como lana, cuero o denim para un contraste moderno. También destaca el “total look floral”, es decir, flores de pies a cabeza a través de vestidos largos y conjuntos coordinados con estampados florales de diferentes tamaños. En la estación fría, predominan las flores sobre fondos oscuros en tonos como burdeos, verde oliva, mostaza y azul marino, perfectos para el otoño. Además, los accesorios con detalles florales, como bolsos, bufandas y calzado, complementan los conjuntos más sobrios y aportan un toque fresco.

Descubre en nuestro catálogo de nueva temporada los tejidos con motivos florales que se ajusten a tus gustos o necesidades. De un Jacquard a una muselina o un raso de seda. ¡Aquí puedes encontrar lo que mejor se adapta a ti!

The Olympic Issue. Una editorial magnífica de Mariano Moreno y Vogue World Paris 2024.

La moda, reflejo de cada sociedad, está presente en todos los ámbitos y analiza de forma silenciosa lo que ésta representa. En los Juegos Olímpicos de París 2024, uno de los mayores escaparates del mundo, no podía ser menos. Millones de ojos de distintas nacionalidades han observado en los últimos días las presentaciones de los uniformes, y analizarán, sin ser expertos en la materia, los detalles de la inauguración con sus indumentarias creadas para la ocasión, así como los outfits de los atletas que protagonizarán cada una de las hazañas deportivas. Somos curiosos por naturaleza, y los Juegos Olímpicos nos enseñan que el estilo no tiene que estar reñido con el espíritu competitivo.

Uniforme oficial de Francia diseñado por Le Coq Sportif

¿Qué hay que tener en cuenta?

Los uniformes representan el foco mediático donde la relación entre la moda y el deporte se hace más evidente, especialmente en los últimos años. Esta relación es beneficiosa mientras uno no fagocite al otro, algo que estos días está dando de qué hablar tanto por los aciertos como por algunos deslices, generando una gran cantidad de memes. Detrás de cada uniforme hay una aguja: la participación de un diseñador o una marca renombrada que promete llevar la relación entre moda y deporte a nuevas alturas. Aunque la estética es clave al representar la cultura y el estilo de cada país, no hay que olvidar nunca los objetivos principales de estos trajes especiales: la comodidad y la funcionalidad. Un uniforme olímpico debe ser práctico. Está al servicio de los deportistas y su misión es asegurar el mejor rendimiento. Además, no los llevan modelos con medidas normativas y estandarizadas, más bien al contrario. Los atletas abanderan una diversidad de cuerpos con morfologías diversas y hay que tener en cuenta esa diversidad física a la hora de buscar un diseño que siente bien y sea cómodo. Dicho esto, combinar estética con funcionalidad no es tarea fácil, y esto se refleja en los resultados. Todo el mundo quiere proyectar una imagen cool y moderna de su país, al fin y al cabo, los atletas son los representantes a ojos del mundo de su tierra, pero nadie quiere lucir algo ridículo ni llevar ropa que parezca una bandera en movimiento. Por eso, el uniforme también juega un papel importante en la confianza y la autoestima de cada deportista.

Uniforme oficial de Reino Unido por Ben Sherman.

Uniformes más representativos de los JJOO

Las diferentes delegaciones han presentado los uniformes que lucirán sus deportistas durante toda la competición. Las propuestas son muy variadas, buscando esta fórmula perfecta entre modernidad e identidad, y estética con funcionalidad. Algunos países, como Italia y Francia, han aprovechado para mostrar el gran potencial de diseño de moda que ostentan. Otras delegaciones, como la de España o Japón, han presentado propuestas más prácticas y alejadas del diseño. Repasamos las propuestas más interesantes sin pasar por alto algunos aciertos y errores.

Como país anfitrión, Francia ha colaborado con Le Coq Sportif y Stéphane Ashpool para diseñar un uniforme adaptado tanto a deportistas olímpicos como paralímpicos, reflejando la esencia de la cultura y el amor por el deporte del país anfitrión. Las camisetas y sudaderas de inspiración noventera ya son un éxito de ventas al conseguir una fusión entre moda, deporte y patriotismo sin estridencias. En Reino Unido han apostado por una marca que representa el diseño y la elegancia inglesa: Ben Sherman. Vestida por mods en los 60, esta firma siempre se ha caracterizado por encapsular la magia del estilo único de los británicos. Además de los colores de la Union Jack, la firma ha añadido flores a casi todas las piezas de la colección olímpica y paralímpica.

Italia ha confiado en uno de los grandes nombres de la historia de la moda: Giorgio Armani. Sus diseños presentan un conjunto de prendas elegantes y minimalistas con el azul marino como protagonista. En las sudaderas, la palabra “Italia” en grandes letras blancas capta toda la atención. Algunas voces críticas aseguran que el resultado ha quedado un poco insulso, debido a las altas expectativas. Estados Unidos ha vuelto a confiar en Ralph Lauren, un nombre sinónimo de moda americana, para diseñar los uniformes de su selección. Lo hace desde 2008. Esta vez, con un enfoque en la sostenibilidad, los uniformes están hechos de materiales reciclados, demostrando que la moda ecológica también puede ser estilosa. Los detalles en rojo, blanco y azul rinden homenaje a la bandera estadounidense, mientras que las siluetas modernas garantizan el máximo rendimiento y comodidad. Aunque el uniforme oficial ha sido bien recibido, el maillot femenino de atletismo de Nike no ha estado exento de polémica. Lauren Fleshman, excampeona de Estados Unidos en los 5.000 metros, criticó el traje técnico por su poca cobertura.

España ha apostado por la sostenibilidad como eje central. La firma Joma, encargada de la equipación oficial de los atletas españoles, ha diseñado una colección que fusiona tradición con modernidad, elaborando prendas en tejidos de alto rendimiento inspirados en el clavel, capturando la esencia de la cultura española con un toque contemporáneo. La equipación ha recibido críticas mixtas: mientras algunos alaban la estética escogida, otros la comparan con el uniforme de Iberia. En Japón, fieles a su minimalismo, han confiado en Asics, una insignia del país nipón, con una propuesta poco artificiosa para que toda la atención se la lleven los logros de los atletas.

Uniforme oficial de Canadá a cargo de Lulululemon.

Otros uniformes que han recibido buenas críticas han sido los de Etiopía. Adidas ha creado para los deportistas etíopes un uniforme con diseño actual y moderno. En Canadá, la firma Lululemon ha diseñado un uniforme de verano centrándose en la adaptabilidad, el confort térmico, el ajuste y la funcionalidad, y el orgullo nacional. La equipación, que no distingue género, combina funcionalidad y estilo a través de una construcción innovadora y tejidos de alto rendimiento, con siluetas modernas y estampados de inspiración canadiense. En Australia, algunos críticos han señalado la longitud de las faldas y pantalones de las equipaciones. Los uniformes australianos, diseñados por Sports Craft, presentan algunas similitudes con la indumentaria española.

Por último, aunque en cuestiones estilísticas para gustos los colores, no hay duda de que algunos países se han ganado la opinión pública con uniformes deportivos que merecen una medalla olímpica. Este ha sido el caso de Haití. La diseñadora haitiana-italiana Stella Jean ha colaborado con el pintor Philippe Dodard para elaborar unos diseños de la delegación que combinan elegancia y creatividad. En términos de uniformes, Mongolia ha presentado el mejor diseño para su delegación, con chalecos intrincadamente bordados, túnicas plisadas y accesorios inspirados en la vestimenta tradicional. Los diseños son obra de Michel & Amazonka, una marca con sede en Ulaanbaatar que produce prendas de alta costura y prêt-à-porter que “expresan la esencia de la tradición y la cultura de Mongolia” en lo que la marca llama una “luz contemporánea”.

Uniforme oficial de Mongolia, uno de los más aplaudidos por la opinión pública.