Como era de esperar, la nueva convocatoria de la prestigiosa agencia de investigación Nelly Rodi, para dar a conocer las principales tendencias internacionales que marcarán el próximo verano fue un éxito en mayúsculas. Más de 70 personas, la mayoría estudiantes de moda y diseño llenaron con su presencia el piso de arriba del espacio Gratacós. Todos ellos esperaron con impaciencia las tesis y las premisas que ofrecía la divulgativa Úrsula Uria, en una charla instructiva para dar a conocer de forma orientativa los colores y las texturas que marcarán las pautas de la temporada Primavera-Verano 2019.

En esta ocasión, la responsable de la Nelly Rodi en España desveló cuatro nuevas tendencias dentro de un contexto social y económico global que también influye en su elección como el resurgir de los valores nacionalistas y del folklore más patrio; la necesidad de los jóvenes de disfrutar a través del consumo de experiencias vinculadas con los viajes y no tanto en la propia propiedad de los productos; o el auge de nuevos iconos musicales que influyen a través de su imagen con más poder de identidad, para citar algunos ejemplos.

A partir de esas premisas generales, en la próxima temporada estival influirán en la moda cuatro tendencias y son: Magnetic, Sassy, Life y Native.

1. MAGNETIC

Una tendencia futurista, de base andrógina y minimalista, inspirada en las innovaciones tecnológicas y las aplicaciones de éstas en el mundo textil.

Referencias visuales: La inteligencia artificial, la realidad virtual, Tokio, la ciencia ficción, la tecnología funcional, los hologramas, el cosmos, Dries Van Noten o los diseñados cinéticos de la creativa británica Es Devlin.

Siluetas: Imperan las siluetas fluidas y deconstruidas, las prendas funcionales, los grandes bolsillos en parkas y abrigos, los cierres con cuerdas y los detalles con cremalleras.

Colores: Los metalizados como el dorado y el plateado junto a los colores iridiscentes y el azul denim.

Tejidos: Se llevan los tejidos que atraen la luz. Los pasteles en versión neón y los tornasolados en lamés. También la experimentación con tejidos técnicos fuera de lo común.

Público: Un consumidor racional y activo, ultra conectado a las últimas tecnologías y amante de la moda de estética deportiva en clave chic.

 

2. SASSY

Una tendencia exuberante inspirada en los movimientos de vanguardia como el surrealismo y el dadaísmo. Un estilo elegante y refinado que busca sorprender y divertir a través de la ropa y los accesorios.

Referencias visuales: Las obras de Dalí y Miró, el arte abstracto, Cristina Celestino para Fendi, los pintalabios para hombres de Tom Ford, Lladró, el diseñador de interiores Jaime Hayón, las langostas, las riñoneras…

Siluetas: Las siluetas entalladas de estética ochentera con sus volúmenes característicos, la revisión del traje con chaqueta y los vestidos de corte sesentero. Los complementos y los detalles tienen un punto impertinente que juegan con el humor y la ironía.

Colores: Toda la gama de pasteles. Desde los más descafeinados a los más subidos de tono dentro de esta línea de apagados.

Tejidos: La clásica sastrería se renueva con nuevos códigos adaptados a la actualidad.

Público: Un consumidor individualista y algo impulsivo que a su vez tiene un gusto particular por la moda. Le gusta hacerse notar con prendas de ropa que llaman la atención, que transformen conceptos y giren los códigos más convencionales.

3. LIFE

Una tendencia minimalista que rescata el estilo de vida saludable a través de los estados de ánimo y las emociones. Una evolución de la actual tendencia “Horizon” con tintes diferenciadores.

Referencias: La ecología, el estilo de vida saludable, el veganismo, las materias nobles como la madera, el acero, la botánica, la naturaleza, las obras de Suzanne Anker, las raíces o la diseñadora Angela Luna, por citar unos ejemplos.

Siluetas: Se llevan los patrones fluidos y la comodidad es la característica principal que se tiene en cuenta.

Colores: El verde sobre verde. El blanco, el vainilla y las tonalidades nude. Los estampados vegetales ganan terreno a los florales.

Tejidos: Los tejidos naturales, ligeros y los detalles artesanales.

Público: Un consumidor purista, amante del slow life que atesora en el armario prendas caras, pero más duraderas.

4. NATIVE

Una tendencia de espíritu folk que exalta las tribus, el sentimiento de pertenencia y remite a los orígenes. El estilo boho-chic en su versión más salvaje.

Referencias: El mestizaje étnico y cultural, el misticismo, las raíces, lo nómada, los paisajes desérticos, los elementos de la naturaleza, los talismanes, los tótems artísticos de Xavier Noël, los viajes a paraísos perdidos, las manualidades, los aborígenes urbanos…

Siluetas: Una entremezcla de patrones holgados con prendas ajustadas en un estilo que combina lo casual con lo sexy. El estampado a cuadros madrás.

Colores: Los tonos tierra, el verde camuflaje, la combinación naranja con azul, las tonalidades amarillentas, los degradados… Tonalidades que se encuentran en el cielo y la tierra.

Tejidos: Las reminiscencias rústicas y artesanales. El tejido nido de abeja y los drapeados.

Público: Un perfil más impulsivo que encaja con la it girl o el it boy. Busca la singularidad a través de una estética que reivindica el lado ancestral.

¿Quién soy?

Soy diseñador de moda nupcial. Me di cuenta que quería ser diseñador por mi madre porque de pequeño, tuneaba los juguetes que me regalaban. Recuerdo por ejemplo que de coche teledirigido yo lo convertía en un ratón para pasear. Fue ahí cuando mis padres empezaron a estimularme en el mundo del arte. En el caso del diseño de moda fue un encuentro casual. De hecho, actualmente combino mi trabajo de enfermero con la que es mi verdadera pasión: la moda.

¿Dónde he estudiado?

Estudié en la Central Saint Martins de Londres y luego en IED Barcelona porque sabía que la ciudad es un referente en moda nupcial.

¿En qué me he especializado?

En Barcelona he acabado el Postgrado en Diseño de Vestidos de Novia y Ceremonia. Esta formación ha sido muy gratificante en cuanto a diseño y patronaje porque he aprendido otras técnicas. Parece que no, pero quien sabe diseñar para la novia, sabe hacer muchas cosas. ¡No te imaginas la creatividad que hay detrás de cada vestido nupcial!

¿Cuál es mi estilo?

Soy bastante espontáneo en general y no acostumbro a planear demasiado. Esta característica también se aprecia en el diseño. Aun así, te diré que en cuanto a diseño nupcial me gustan los diseños contemporáneos. Me inspiran las técnicas clásicas de alta costura, mis referentes son actuales y en un futuro, me gustaría innovar en tejidos con algo más experimental.

¿Cómo me reconoceréis?

Ahora mismo te podría decir mis inspiraciones y los diseñadores a quienes admiro. Me gusta muchísimo el maestro Balenciaga y también sigo la estela de la Alta Costura de Stéphane Rolland. Me fascinan sus volúmenes arquitectónicos y es muy rompedor.

¿Cuál es mi proyecto?

Ahora mismo estoy muy contento de haber ganado el premio “Gratacós Barcelona Scolarship for the Talent” por mi proyecto final que consistía en un realizar un vestido a través de la técnica del moulage. El principal reto que me encontré es dar con el concepto porque mi perfil es arquitectónico y de formas no orgánicas. En este caso, me inspiré en la arquitectura e intenté desestructurar la figura para crear un péplum en las caderas que potenciara la silueta femenina y apliques de flores que se van difuminando. Quiero hacer hincapié en lo sostenible, por eso las flores están hechas una a una de las mermas de la organza que se iban a tirar y las teñí de rosa. El crepe base del vestido es blanco y las flores ya juegan en distintas tonalidades de rosa.

¿Dónde me podéis seguir la pista?

Ahora mismo estoy trabajando para Pronovias y la firma me está dando una oportunidad única para aprender el oficio. Me satisface muchísimo ver el desfile y sentir que yo he participado en la creación de esa manga, de esa falda o de ese cuerpo.

¿Dónde espero que me veáis?

Puestos a soñar, creo que tengo mucho que aprender, mucho que experimentar y ojalá, mucho que aportar. Voy a dejar que todo fluía, dejando la mente abierta a que todo vaya sucediendo ya sea trabajando para otros o para mí mismo.

Recordad mi nombre por…

De momento alguien que tiene mucho que decir en el sector nupcial.

Gratacós es para mí…

Gratacós es sin duda una de las mejores tiendas de tejidos que exporta por todo el mundo y que ofrece una gran calidad y diseño.

Me lo llevo de la tienda…

Yo me llevo siempre tejidos neutros o blancos porque me gusta manipular la tela y hacer nuevas creaciones. Me interesa darle a la novia un valor añadido que también tiene esa parte artesanal.

El color comunica y expresa estados de ánimo. Es una variable clave que los diseñadores tienen en cuenta a la hora de presentar sus colecciones. No hay nada fortuito. Cuanto más radiante es el color, más capacidad de expresión transmite. Y ya se sabe que en primavera existe un deseo de expresarse con colorido, después de una temporada de tonos neutros, oscuros y apagados, tradicionalmente vinculada con el invierno.

Conviviendo con los colores sorbete, despunta otra gama de tonalidades que se posicionan justo al otro extremo. Son tonos vivos, que irradian energía, optimismo y confianza impulsando una nueva vitalidad hacia las tendencias de moda. En esta gama cromática más atrevida se halla un color inspirado en los paisajes naturales más fantasiosos: el Arcadia.

No nos engañemos, el verde nunca ha sido un color fácil de llevar. En pasarela encandila por su frescura y espontaneidad, en cambio no es una de las preferencias habituales en el consumo. Hay cierta “maldición” entorno a este color que solo lo iguala el amarillo. Algo distinto sucede en decoración donde sí que es una tonalidad habitual porque aviva los espacios neutros y potencia las texturas naturales y los acabados rústicos. Un tono que se utiliza en textiles, tapizados, muebles auxiliares y, a veces en alguna pared.

El Arcadia es un verde distinto, altamente reconocible a nivel visual y de espíritu complejo. Según Pantone, esta tonalidad “insinúa lo retro y al mismo tiempo lo moderno”. La autoridad internacional del color asegura que “es una versión más fresca y limpia del verde que, con su matiz de fondo azul, nos lleva a una nueva dirección para esta temporada”.

Esta llamativa variación del turquesa se inspira en las aguas cristalinas de los océanos tropicales y nos remite a la pureza, lo natural y lo divertido. El color Arcadia es sobre todo desenfadado. A medio camino entre lo evocador y lo transgresor. Evidentemente, no hay ninguna firma de lujo que haya hecho una apuesta integral por esta tonalidad, pero sí que en su justa medida ha aparecido en las colecciones de Tibi, Sportmax o Ulla Johnson en su versión más sport en siluetas desestructuradas y prendas holgadas de tejidos sintéticos. O bien, mostrando su lado más sofisticado a través de vestidos vaporosos de inspiración navy como Elie Saab o a través de capas y accesorios en piel vistos en Valentino.

Es habitual ver este color en Gucci, “el perro verde” de la moda. En la próxima temporada otoño-invierno 2018 hay pinceladas Arcadia en vestidos de estética ochentera con volúmenes en los hombros y algún blazer con tejidos brillantes. Lo que resulta más interesante es que Alessandro Michele lo utilizó para contextualizar su último desfile más excéntrico de lo habitual. Un símbolo que, en este caso, el director creativo de la popular firma italiana quiso utilizar para resaltar el lado juvenil y fantasioso de su próxima colección.

Descubre también en Gratacós los tejidos que se tiñen en color Arcadia o en sus tonalidades más parecidas. Seguramente, le darás una nueva oportunidad al verde. Merece la pena…

Abril es el mes tradicionalmente asociado con el compromiso: se estrena oficialmente la nueva temporada de celebraciones, popularmente conocida como la época BBC (bodas, bautizos y comuniones) y las ferias nupciales internacionales marcan el calendario del sector a nivel comercial y de diseño. De hecho, la Barcelona Bridal Fashion Week 2018, la principal cita mundial de moda nupcial, está calentando motores a la espera de volver a situar del 23 al 29 de abril, la capital catalana en el centro del huracán de todas las tendencias y novedades del amplio mercado de los novios.

Desde Gratacós también ponemos nuestro granito de arena. Para empezar, esta semana hemos estrenado nuevo escaparate que confiamos que se convierta en un reclamo para las futuras novias. Una edición más, hemos colaborado con IED Barcelona para visibilizar el talento de la nueva generación de diseñadores nupciales a través del Posgrado en Diseño de Vestidos de Novia y Ceremonia que ofrece la prestigiosa escuela. En esta ocasión, en el escaparate se muestran los proyectos finales de tres estudiantes con un futuro prometedor. Como es habitual, los jóvenes diseñadores han creado tres vestidos siguiendo los parámetros del moulage, la técnica de corte y confección que consiste en trabajar el diseño directamente sobre el maniquí.

Más allá de la exhibición de los proyectos, también hemos impulsado una nueva edición del concurso “Gratacós Barcelona Scolarship for the Talent” junto a IED Barcelona. El ganador de esta edición es José Bellón que recibirá un premio económico valorado en 1.000 € que podrá invertir en nuestros tejidos para que pueda elaborar los nuevos diseños de novia para la próxima temporada. El acto de entrega del premio tendrá lugar en la misma Barcelona Bridal Fashion Week, el próximo jueves 26 de abril, dentro del calendario de desfiles y actividades paralelas de la pasarela nupcial. De hecho, os recomendamos que visitéis en el village, los talleres que los estudiantes de la escuela harán en directo con nuestros tejidos siguiendo la técnica del moulage.

Por último, aprovechamos para recordaros que ya tenemos disponible en nuestro espacio de Barcelona la nueva colección de tejidos nupciales correspondientes a la temporada 2019. Una selección bien cuidada que tenemos al abasto de todos para satisfacer las demandas de diseñadores y consumidores finales que optan por nuestros tejidos para elaborar su traje de novia. ¡Os esperamos!

La primavera trae consigo un nuevo despertar de los motivos botánicos con originales estampados de flores que rinden homenaje a la naturaleza y a sus plantas. De vivas tonalidades, en varios tamaños, en combinaciones sorprendentes… Hacemos un repaso por los prints que más nos inspiran en una temporada rica en color y texturas, con las flores como denominación en común.

Campiña francesa

Nos trasladamos al interior de la Provenza francesa en medio de los bastos campos de flores silvestres: amapolas, lavandas, girasoles… que llenan de colorido este entorno campestre. En la pasarela, las flores también brotan en su versión más mini -se impone el estampado Liberty- en todo tipo de tejidos y en tonos suaves, aportando delicadeza y cierta nostalgia. Vestidos largos de inspiración romántica, tops asimétricos con volantes de estilo Brigitte Bardot y faldas fluidas abundan en los desfiles de las colecciones primavera-verano 2018 de Chloé, Paul & Joe, Loewe o Marni. Un estampado que refleja la belleza más bucólica de la naturaleza.

Exótica Polinesia

Al otro extremo de la primera tendencia en estampados florales, se sitúa el exotismo de la Polinesia. Así, la flora y la fauna de estas islas del Pacífico inspiran los estampados veraniegos más atrevidos con flores en gran formato que invaden todo tipo de prendas aportando color, alegría y vitalidad. Un espíritu tropical inspirado en Hawái o Taití con dos flores protagonistas: el hibisco y la gardenia, envueltas de abundante vegetación. La paleta cromática se centra en los tonos cálidos y vibrantes como el amarillo, el naranja, el fucsia o el bermellón.

Jungla salvaje

Las flores aún sin estar presentes, ceden el protagonismo a las frutas, las hojas de palmeras, y la fauna salvaje más diversa en este tipo de estampado muy vivo lleno de referencias naturales a estos paraísos exóticos llenos de follaje. Los tejidos emulan los motivos florales que se entremezclan con vegetación y prints animales. Un estampado tropical que se renueva temporada tras temporada y que está presente en las colecciones de Kenzo o Escada, a modo de ejemplos.

En Gratacós encontrarás varios tejidos florales que siguen estas tres tendencias de temporada entre otras inspiraciones. Los encontrarás en nuestra tienda online o en el espacio físico de Barcelona.

París reconstruye lo que Martin Margiela deconstruye en su proceso de construcción. La obra del misterioso belga, conocido como “el diseñador ausente” o “el genio sin rostro”, protagoniza la primera exposición del Museo de la Moda de París desde que la española Miren Arzalluz ocupa la dirección. “Margiela ha sido un creador iconoclasta, rompió los cánones establecidos e introdujo una silueta absolutamente innovadora cuestionando el sistema de la moda”, ha explicado Arzalluz en declaraciones a Efe.

Así, el Palais Galliera acoge hasta el 15 de julio una retrospectiva de los veinte años de trabajo del diseñador (1989-2009) más revolucionario e influyente de las últimas décadas en una muestra donde el propio Margiela ha colaborado activamente, a pesar de no haber mostrado nunca su cara en los desfiles ni ha concedido entrevistas. Comisariada por Alexandre Samson, la exposición ‘Martin Margiela, 1989-2009’ es una mirada inédita al discurso estético del diseñador, construida a través de 130 looks y material de archivo de la firma, así como vídeos de los desfiles, fotografías y bocetos. En las salas del museo se exhiben algunas de sus prendas icónicas que revelan su capacidad para trabajar con todo tipo de materiales y el talento para inventar distintas siluetas que fueron una de sus insignias de la firma.

El genio de la deconstrucción alérgico a la fama

Margiela nació en Lovaina en 1957 y es uno de los emblemas de la Real Escuela de Bellas Artes de Amberes, donde se diplomó en 1980 antes de entrar en las oficinas de Jean-Paul Gaultier, a quien asistió durante casi cuatro años. A partir de 1987, empezó a nacer el mito con la creación de su firma homónima. En los desfiles, las modelos desaparecían detrás de máscaras de muselina en escenarios urbanos como aparcamientos y estaciones de metro. Todo estaba pensado para que la auténtica protagonista fuera la ropa. De hecho, el diseñador ha sido uno de los artistas más reservados, enemigo de las entrevistas y alérgico a los flashes. “Dada mi naturaleza tímida y reservada prefiero estar entre bambalinas y gozar de la protección del anonimato. Mi única tarjeta de visita es mi trabajo”, había confesado en alguna ocasión.

“Mi única tarjeta de visita es mi trabajo”

Su nombre está ligado al trabajo deconstructivista porque estudiaba la ropa como si fuera arquitectura, llegando hasta la propia estructura de cada prenda para hacer una nueva creación. En ocasiones, también daba la vuelta a la estructura para que el interior fuera el exterior, mostrando el reverso de cada prenda. Un ejercicio de investigación cuya finalidad era mostrar el proceso creativo y no tanto el aspecto final. De esta forma, Margiela cuestionó las bases de la industria y la concepción misma del traje, a través de un conocimiento profundo de la sastrería y un perfeccionismo hasta el último detalle. “Es alguien que no solo tiene una visión alternativa de la mujer incluso de su cuerpo, sino que cuestiona principios fundamentales del sistema de la moda”, comenta Arzalluz.

El diseñador belga también tomaba gusto en transformar los patrones, deformaba las siluetas y tenía especial obsesión por las siluetas XXL. Así lo demostró en su célebre colección ‘Oversize’ lanzada en el año 2000, donde agrandó hasta el extremo todas las prendas de la colección en una época donde lo ajustado estaba en boga. Una muestra más, que para Margiela, la tendencia iba siempre detrás de la investigación.

En la exposición se aprecian algunos rasgos más que definen la obra de Margiela: los hombros ligeramente levantados que huyeron de las rígidas hombreras de los años 90, las líneas minimalistas de sus diseños, la conceptual interpretación de patrones en prendas planas o sus zapatos más famosos: los “tabi”, una versión renovada del tradicional calzado japonés que separa el dedo gordo del pie del resto.

La exposición ‘Martin Margiela, 1989-2009’ constituye una magnífica oportunidad para conocer la obra de este genio de la moda vanguardista a través de su cuidado proceso de investigación y su costura que lo llevó a entrar en la Alta Costura. “Veinte años, cuarenta desfiles, cientos de prendas, ¿qué me queda?”, rezaba el diseñador en una frase que quedó inmortalizada durante el último desfile de la colección primavera-verano 2009. Margiela ya había dicho todo lo que tenía que decir.

The Color Community vuelve una edición más a la Antigua Fábrica Damm de Barcelona para presentar las nuevas tendencias en materias, texturas y colores que inspirarán la temporada Otoño-Invierno 2019/2020. Un proyecto consolidado dirigido por tres profesionales pluridisciplinares donde la moda se fusiona con la arquitectura y el diseño. Los impulsores de la iniciativa, que se consideran “unos enamorados del color”, son Eva Muñoz, diseñadora y especialista en Color&Trim; Pere Ortega, arquitecto en Saeta Estudi, y Rosa Pujol estilista de tejidos y colores de Gratacós que cumple diez ediciones liderando este genuino proyecto multisensorial.

Esta edición The Color Community se centra en el concepto de ‘Mov’ en referencia al movimiento y como éste se puede vincular con el diseño de manera abstracta. “Queríamos tratar este tema en profundidad y crear dos lenguajes compatibles, complementarios e interesantes para fomentar la creatividad”, explica Pere Ortega. En este contexto, la propuesta se articula a través de cuatro gamas de color y texturas contrastadas bautizadas como: Beauty Attack, Team-Seat, Falling Up y Vibes. Más allá de la visualización de cada tendencia, a través de un vídeo con imágenes inspiradoras, en The Color Community también intervienen otros sentidos como el oído, a través de la música con la que están ambientadas las tendencias y el gusto al ofrecer a los asistentes cuatro caramelos con sabor distinto que se podían degustar en el momento de cada visionado.

Beauty Attack

La primera inspiración se basa en la belleza contrastada que existe entre lo artificial y lo natural. Una dualidad que representa el diálogo que se da entre la ciudad y la naturaleza. Lo urbano con lo salvaje. Estos dos conceptos contrastan entre sí de forma agresiva, sin mimetismos. Representa la necesidad de observar, de protegernos y de dominar aquello más natural, siempre detrás de un filtro, de una ventana o de una casa que separa la persona de la naturaleza. En esta tendencia se apreciaría un contraste entre materiales fabricados, tejidos sintéticos e innovaciones tecnológicas con técnicas artesanales, estampados vegetales y tonos inspirados en el cielo y los bosques.

Team-Set

La segunda gama contrasta con la primera y hace referencia a los equipos. El movimiento que hace una persona para acercarse a una comunidad para contribuir por una causa, pero mantiene su identidad propia. Un grupo homogéneo que respeta la pluralidad de sus individuos. Para remarcar este individualismo dentro de un equipo se utiliza una paleta cromática de tonos muy oscuros que parecen casi negros cuando están separados, pero que recobran una tonalidad propia cuando aparecen juntos. Marrones, azules marinos, violetas y verdes camuflaje son algunas de las tonalidades que conforman esta tendencia.

Falling Up

La tercera inspiración hace referencia al movimiento contrario que en Team-Set. De los individuos que salen del grupo y representa una especie de caída hacia arriba. Como una elevación de lo terrenal a lo divino. Para escenificar este movimiento vertical se trabajan tonalidades poco saturadas que crean combinaciones suaves y armónicas. Las líneas sencillas, los pliegues, los volúmenes racionales, los tejidos mullidos, las transparencias, el plástico, los tejidos irisados… forman parte de este imaginario que se tiñe en tonos pastel como el rosa maquillaje, el azul tenue o el hueso que se utiliza en las transiciones cromáticas.

Vibes

La última inspiración hace referencia a las vibraciones, a los movimientos dinámicos y espontáneos. Es una tendencia más libre que conecta con el entusiasmo, la energía y la identidad. Para ello, utiliza gamas cromáticas muy diferenciadas, pero altamente combinables entre ellas. En tejeduría esta estridencia también se lleva más allá de las gamas sportwear. Dentro de esta inspiración entrarían conceptos como el mix & match de tejidos y estampados, el mestizaje cromático y la inspiración callejera.

Algo duele en lo más profundo de la industria de la moda cuando uno de los grandes maestros se desvanece. Es como si se acabara el fin de un ciclo próspero o de una etapa de grandes logros para dar lugar a la incertidumbre. La nostalgia de pensar que cualquier tiempo pasado fue mejor es mala compañera.

Esta semana, el sector ha perdido uno de sus máximos representantes, Hubert de Givenchy. El modisto francés falleció el sábado a los 91 años mientras dormía. “El eterno aprendiz”, que era como Givenchy se definía a sí mismo, dejó este mundo mientras soñaba. Es curioso como los visionarios, no dejan de soñar hasta su último aliento.

Una trayectoria entre telas

Hubert de Givenchy nació el 21 de febrero de 1927 en Beauvais en el seno de una familia protestante que pertenecía a la nobleza francesa. Su padre murió cuando tenía dos años y el diseñador se crio con su madre y si abuelo que poseía una fábrica de tapices en la que además coleccionaba telas, muebles y otro tipo de objetos típicos de la época. Según había contado en múltiples ocasiones, desde pequeño quiso dedicarse al mundo de la moda, pero no era una profesión que en la época fuera bien vista. En 1944 abandonó el núcleo familiar para trasladarse a París con el sueño de ser costurero. En la capital francesa estudió en la Escuela de Bellas Artes junto con otros modistas como Robert Piguet o Elsa Shiaparelli. Al poco tiempo de aterrar abrió su propio taller en París y no dudó, al cabo de poco tiempo, en fundar su propia marca: la maison Givenchy, que inauguró en 1952. Dos años más tarde se convirtió en el primer diseñador en presentar una línea de prêt-à-porter de lujo que lo catapultó al éxito. Es también en esa época, en 1953, cuando Givenchy conoció al maestro Cristóbal Balenciaga con quien mantuvo una gran amistad y siempre se declaró su absoluto admirador. De hecho, el modisto francés se convirtió en impulsor del Museo Balenciaga, fundado en 2011 como muestra de compromiso por al que consideró una fuente de inspiración. De Balenciaga, heredó una forma de hacer y entender la Alta Costura como símbolo de la elegancia atemporal.

Tras una larga trayectoria a la cabeza, en 1988 el grupo de lujo LVMH adquiría la maison Givenchy. El creador relegó su posición como gran propietario de la firma, aunque siguió diseñando colecciones para la casa. Otros diseñadores ocuparon el cargo de director creativo como Galliano o hasta hace poco, Riccardo Tisci. El mismo Givenchy se retiró en 1995 con un desfile simbólico en París. A pesar de no estar dentro del circuito, Hubert de Givenchy nunca se desconectó del sector al que amaba hasta el fin de sus días: “Dejaré de hacer ropa, pero jamás de descubrir. La vida es como un libro: hay que saber pasar página”. Una gran lección de vida de unos de los maestros de la aguja del siglo XX.

El modisto (y amigo) de Audrey Hepburn

Givenchy visitó personalidades clave del siglo XX, como Jacqueline Kennedy, Wallis Simpson, Grace Kelly, o Carolina de Mónaco. Aunque, su preferida siempre fue Audrey Hepburn. De hecho, más allá de lo profesional, la actriz fue su musa y amiga durante años. El primer encuentro con la actriz belga surgió en 1953 en un momento clave. Entonces, Hubert de Givenchy accedió a prestarle varios modelos para la película ‘Sabrina’ que se estrenaría un año después. Esa colaboración marcó el inicio de todas las colaboraciones que vendrían dentro y fuera de las pantallas. El modisto creó para la actriz diseños icónicos como el vestido negro que vistió en ‘Desayuno con diamantes’ (1961); las creaciones retratadas por Fred Ataire en ‘Una cara con ángel’ (1957) o la pieza de encaje y antifaz negros de Hepburn en ‘Cómo robar un millón’ (1966). Era tanta la confianza y admiración mutua, que Givenchy incluso tenía un libro de bocetos dedicados a Hepburn, titulado ‘A Audrey con amor’. “Siempre respeté el gusto de Audrey. Ella no era como otras estrellas de cine porque le gustaba la simplicidad”, aseguró el modisto de su musa.

La moda se rinde a la dulzura de las tonalidades más suaves del espectro cromático. Los colores pastel son los reyes de una temporada, que se tiñe de tonos pálidos que le dan cierto aspecto aniñado y romántico, con mezclas que incluye los celestes, el verde agua, los rosas blanqueados, el azul bebé, el lavanda y los grises muy diluidos. Las colecciones de Michael Kors, Tom Ford, Emporio Armani, Giambattista Valli, Victoria Beckham y hasta Chanel, se han impregnado de esta paleta de color que se presenta en bloques complementarios dentro de un mismo look y que expresan, sin duda, la libertad para experimentar con colores, texturas suaves y tejidos, que se vuelven más livianos. Son tonalidades que, bien combinadas, suavizan rasgos y favorecen a las pieles bronceadas.

Veamos algunos de los colores que más se llevan esta primavera-verano 2018 según Pantone.

Pink Lavender

Esta tonalidad de rosa con reminiscencias azuladas, coge el relevo al Millennial Pink que tanto triunfó la temporada pasada –y que sigue marcando el espíritu de una generación-. Se trata de un color rosa lavanda, muy fino y delicado que desprende calma y tranquilidad. Michael Kors, Kenzo o Tom Ford han apostado por este tono en primavera.

Almost Mauve

Otro rosa que seduce desde la paleta de suaves. El Almost Mauve es una tonalidad casi malva muy tenue, que parece casi blanco. Un color efímero y delicado como un pétalo de rosa que aporta un tono muy sutil a la propuesta cromática. Algunos diseños de Rachel Zoe, Giambatista Valli y Tom Ford lucen esta tonalidad tan nostálgica.

Blooming Dahlia

El naranja es presente en su versión más rebajada: el melocotón. Un tono cálido que se entremezcla con el rosa y hace referencia al florecer de las dalias. Es un color discreto, pero atractivo que también triunfa en la industria del maquillaje. Racheal Zoe y Paul Smith no han dudado en apostar por él.

Little Boy Blue

El azul bebé vuelve para instalarse una vez más en los meses más cálidos. Ese inspirador color del cielo más claro nos remite a la inocencia y a la pureza y transmite tranquilidad y confort. Un tono calmado que encuentra en los lavandas y los verdes apagados sus mejores aliados. Versace y Ralph Lauren lo han sacado a las pasarelas.

En nuestro web online, así como en el espacio Gratacós también encontrarás la nueva selección de tejidos pastel para que puedas crear tus bloques cromáticos más suaves. Escoge tejidos sin demasiadas texturas y atrévete a experimentar.

Los cuadros siempre dan de sí, especialmente entre temporadas. Más allá del invierno, este tejido geométrico se renueva también en primavera para albergar nuevas formas, tamaños y matices. Así, se rescata del ropero invernal los tartanes, los estampados Príncipe de Gales, el cuadro leñador y los clásicos tejidos sastre para adaptarlos al vestuario de entretiempo.

Acostumbrados a asociar este tejido en abrigos y americanas, los cuadros también saltan a vestidos, pantalones, camisetas y hasta complementos veraniegos de lo más inverosímiles. Si el año pasado fue el triunfo de los cuadros Vichy y el estilo campestre de Brigitte Bardot, esta temporada da un giro conceptual, apostando por un tipo de cuadro más sobrio y a la vez elegante en tonalidades neutras –en su mayoría-. Sí, seguimos hablando de una de las tendencias de primavera-verano 2018.

¿Cómo se lleva en la pasarela?

Existen multitud de fórmulas válidas y cada diseñador apuesta por los tejidos de cuadros a su manera. Aun así, se presentan de dos maneras. En primer lugar, en looks sobrios con acento británico y acompañado de prendas bien estructuradas. No dudes en revisar las colecciones de Chanel, Balenciaga, Fendi o Dries Van Noten para encontrar algunas de las prendas básicas de la temporada que exhiben esta geometría.

Al otro extremo, los tejidos de cuadros se llevan en insólitas mezclas donde la cuadrícula convive con los tejidos rayados, los estampados florales o más cuadros sin orden ni concierto. ¡Una oda al estilo mix & match! Toma nota por ejemplo de la nueva colección de Miu Miu, Marni o Balenciaga para citar algún ejemplo.

Sobre colores, tampoco no hay nada escrito. Conviven en la pasarela los tonos marrones, los verde caqui, los naranja caldera y la gama de crudos para esta línea más british, con los azules vistosos, los rojos o los rosas pálidos combinados con otros bloques de color en combinaciones que juegan al contraste.

Encuentra algunos de los tejidos de cuadros del momento en nuestra web o visítanos a nuestro espacio y te asesoraremos. Mientras tanto, te dejamos una muestra.