El 080 Barcelona Fashionse despide de su edición de verano con cifras que avalan la buena salud del diseño catalán: más de 30.000 personas siguieron de cerca los 27 desfiles de firmas y diseñadores que presentaron, en su mayoría, las propuestas para la próxima temporada primavera-verano 2019. Antonio Miro se llevó el Premio Nacional de la Generalitat de Catalunya a la Mejor Colección 080; la firma emergente Mans Concept Menswear capitaneada por Jaime Álvarez el Premio al Diseño Emergente by Desigual y, por último, la empresa familiar Red Point fue distinguida con el Premio MODACC a las firmas exportadoras.
Como siempre, Gratacós siguió de cerca las últimas novedades para comprobar qué tejidos se subieron a la pasarela y como éstos se presentaron siguiendo las pautas y el estilo de cada diseñador que transformó la materia prima en sorprendentes looks de verano. Analizamos algunas propuestas:
Los 15 minutos de gloria de Xevi Fernàndez
¿Cómo te vestirías para protagonizar tus quince minutos de gloria? Con este potente argumento, Xevi Fernàndez debutó en el 080 Barcelona Fashion exhibiendo una colección festiva, íntegramente femenina, que rindió homenaje al glamour de los años 70. El diseñador ampurdanés, vinculado con el arte, se inspiró en The Factory, el referente artístico de Nueva York fundado por Andy Warhol y centro de la contracultura estadounidense. “Esta colección tiene relación con el empoderamiento de la mujer y su lucha con propuestas sólidas que desvelan su lado más sofisticado”, reconoció Fernàndez días antes del desfile una vez finalizada la deslumbrante propuesta.
Xevi Fernández: “Esta colección tiene relación con el empoderamiento de la mujer y su lucha”
Para dar visibilidad a ese glamour en vestidos, trajes dos piezas o pantalones palazzo, Xevi Fernàndez utilizó varios tejidos con motivos brillantes e iridiscentes que captaron la luz de los focos y el movimiento. Es el caso de los laminados en plata o las lentejuelas XL en rosa palo que marcaban el ritmo a su paso. “Me siento muy orgulloso de esta colección porque considero que me ha salido redonda y si fuera mujer, me lo pondría todo”, concluyó.
La segunda parte del Plan B de Bolaño
Manuel Bolaño siempre levanta expectativas en la pasarela catalana por su creatividad y puesta en escena, y más aún si hacia unas cuantas ediciones en las que se había ausentado para centrarse en el Atelier Bolaño, la colección de prendas atemporales –en su mayoría vestidos- donde el diseñador barcelonés de raíces gallegas ha centrado su labor en los últimos años.
En este esperado retorno, Bolaño exhibió el que sería la segunda parte de su reconocido ‘Plan B’ donde reunió prendas míticas del Atelier Bolaño que se caracterizan por sus volúmenes inesperados, las sensuales aberturas y el trabajo artesanal focalizado en los detalles como la riqueza de los tejidos utilizados para elaborar cada prenda. Y aquí el diseñador, como es habitual, volvió a confiar en Gratacós en su propuesta íntegramente teñida en blanco y negro como tonos neutros símbolos de esa elegancia imperecedera que Bolaño nos transmite sin abandonar evidentemente su estilo reflexivo e intimista.
La buena fortuna de Brain & Beast
Como era de esperar, Brain & Beast añadió la nota irreverente a los desfiles del 080 Barcelona Fashion. Esta vez, el equipo creativo liderado por Ángel Vilda, se inspiró en los talismanes -esos supuestos objetos que atraen la buena o la mala suerte- para centrar su colección de moda urbana y contemporánea, siempre con la ironía y el sarcasmo que caracterizan la firma barcelonesa. “No creemos en la suerte y todo lo que cosechamos es fruto del trabajo y del esfuerzo”, comentó Vilda antes del desfile.
Ángel Vilda: “No entendemos el tejido Gratacós como un tejido de fiesta, más bien para uso a diario”
Así, en la pasarela se visibilizaron temas como la muerte, el juego o la religión en una propuesta que marcó el principio del cambio en palabras del diseñador: “Es el primer desfile de un ciclo de futuras colecciones que vendrán”. En el desfile de la propuesta ‘Talisman Torsion nº1’ también se exhibieron nuestros tejidos, que Brain & Beast adoptó con sus códigos habituales. “No entendemos el tejido Gratacós como un tejido de fiesta, más bien para uso a diario”, detalló Ángel Vilda. Así los materiales coloristas y brillantes que se vieron en el 080 se adaptaron a los looks urbanos de la firma barcelonesa en una propuesta desenfadada que contó con rostros nuevos en la pasarela.
En moda y hablando en términos generales, ¿qué nos pasa con el naranja? Es atrayente a simple vista, favorece el tono de piel y enciende con su vitalidad las prendas en tonalidades neutras, avivando cualquier look de verano o invierno. Sabiendo sus puntos fuertes, ¿por qué a l@s consumidores se muestran reticentes en apostar por este color? A continuación, situamos el naranja en el sitio que se merece.
Es verdad, el naranja no es un color fácil de llevar y el exceso de estridencia, que en ocasiones conlleva los tonos más encendidos, hace que no simpatice con la mayoría. Sin embargo, son muchas las celebrities y los profesionales de la industria que han apostado por esta tonalidad en lo que llevamos de año en los street style de las principales pasarelas de moda. Y si el sector se ha rendido al radiante amarillo, el tono más difícil de todos, ¿por qué no le iba a pasar lo mismo al naranja?
El naranja es un color cálido que irradia entusiasmo, energía, alegría y frescura. Es el tono con el que se vincula la creatividad, la diversión, el triunfo y la espontaneidad. Un tono que puede ser vibrante y apagado a su vez, sin que, por ello pierda todos sus atributos. Esta temporada Primavera-Verano 2018, el color que ha predominado en la pasarela es el llamado Safety Orange, según Pantone. Un tono llamativo y brillante, que tira hacia el neón y que atrae todas las miradas. Un color irónicamente traducido como “naranja de seguridad” que contrasta con el resto y raramente pasa desapercibido, por no decir que es prácticamente imposible. Firmas como Jeremy Scott, Tom Ford, Adam Selman, Marc Jacobs o Calvin Klein no han dudado en sacarlo en escena.
¿Y cómo se combina? La primera opción y la más atrevida es llevarlo en su versión total look: de pies a cabeza con el mismo tono o variando la tonalidad hacia otras más pálidas como el melocotón: una prenda encendida con otra apagada. En este caso funciona con un vestido largo, mono o un conjunto dos piezas. La combinación más atrevida sería con el rosa fucsia o el azul Klein creando atrayentes bloques de color. La segunda opción conlleva apostar por una prenda en naranja que resulte excesiva que y que resalte todo el look. El resto por lo tanto tendrá que combinarse con tonos neutros como nudes, tierras, beiges o rosa maquillaje para que no le roben protagonismo a la prenda. Una buena idea por ejemplo sería el de apostar por una chaqueta con suaves texturas o un blazer estampado donde el naranja sea el color protagonista. El naranja también funciona muy bien con vaqueros y prendas en denim, aportando ese punto de jovialidad y desenfado a cualquier atuendo. Por último, una combinación que también funciona consiste en delegar este enérgico color en un modesto segundo plano jugando solo con los complementos como bolsos o zapatos. ¡Cualquier detalle cuenta!
En Gratacós nos gusta el naranja en cualquier temporada. Ya sea en sus versiones más encendidas en sedas, tules o gasas, o en tonos pastel en sutiles Jacquard o bordados de finas texturas. También nos gusta el estampado donde el naranja se entremezcla con otras coloraciones en forma de flores, rayas o prints de fantasía, para citar un par de ejemplos. ¡Te invitamos a qué descubras toda la selección!
Cuando nos preguntáis de dónde sacábamos las inspiraciones para idear cada año las colecciones de tejidos de la temporada, la respuesta se mantiene siempre en una eterna incógnita. ¿Proviene de algo concreto o es un cúmulo visual de experiencias personales? No sabemos a ciencia cierta cuáles son las conexiones exactas que empujan la creatividad, pero sí que podemos concluir que nos nutrimos constantemente de las artes pluridisciplinares, y en especial las más sensoriales, para encontrar esos motores que incitan la asociación de ideas que luego, dan paso a la elaboración de las distintas formas y texturas de los tejidos porque en el fondo, todo está interrelacionado.
Este mes, destacamos algunas de las exposiciones más inspiradoras de PhotoEspaña, el consolidado festival internacional de fotografía de Madrid que representa el punto de encuentro idóneo para los amantes del arte del retrato. Esta edición, el certamen celebra dos décadas, desde su creación en 1998, y reúne a 530 fotógrafos en 90 exposiciones distintas bajo una visión más transgresora que combina distintos lenguajes. De todo el nutrido programa de eventos y actividades que se mantiene vivo durante el verano (hasta finales de septiembre), cerramos el objetivo a esta selección que consideramos imprescindible por algún motivo u otro.
Cecil Beaton. Mitos del siglo XX
La cámara de Cecil Beaton ha inmortalizado a distintos personajes que han marcado la historia del siglo XX: creadores de vanguardia, iconos culturales de Hollywood, aristocracia europea… Desde Audrey Hepburn a Marlon Brandon pasando por Salvador Dalí o la mismísima Reina Isabel II de Inglaterra, personalidades emblemáticas que se han rendido al objetivo de Beaton y se recogen en una exposición de la Fundación Canal.
Carmen Calvo. Quietud y vértigo
La artista valenciana rescata antiguas fotografías de álbumes familiares encontradas en mercadillos, durante los años 40 y 50, para descontextualizarlas y dotarlas de nuevos significados. Imágenes sacadas del olvido que tienen una segunda vida y se cargan de un nuevo sentido. Carmen Calvo ha construido con su obra un mundo complejo y misterioso con cierta ironía y humor, en el que el feminismo, la crítica social y la religión se entrelazan.
La cámara de hacer poemas
De Lorca a Brossa, de Kavafis a Neruda. Esta exposición nos habla de las relaciones que se establecen entre la fotografía y la poesía, a partir de una selección de libros iberoamericanos en los que la alianza de estas dos disciplinas es esencial. Fotografías que convierten en fotonovela un poema, poemas que invaden fotografías, fotógrafos que realizan antologías poéticas, poemarios fotográficos y fotos poéticas.
¡Moda! El diseño español a través de la fotografía
Un centenar de fotografías dialogan con diseños exclusivos en esta exposición que rinde homenaje a la moda española. Grandes fotógrafos internacionales como Richard Avedon, Henry Clarke o Irving Penn cayeron rendidos ante los diseños de modistos españoles como Balenciaga, Pertegaz o Elio Berhanyer. Una relación que con el nacimiento de las grandes cabeceras de moda encumbraría la costura española en el panorama internacional. Una exposición que cuenta con el apoyo del Ministerio de Educación, Cultura y Deportes y el Museo del Traje que unen esfuerzos para ensalzar la moda española a través de la fotografía internacional.
Maria Švarbová. Swimming Pool
‘Swimming Pool’ es el proyecto más emblemático de la fotógrafa eslovaca quien comenzó en 2014 motivada por la búsqueda de localizaciones sugestivas y por su fascinación por las piscinas públicas: su belleza estéril y geométrica genera el tono de esta serie fotográfica. A pesar del aire retro de los escenarios, las imágenes evocan una atemporalidad que se mueve entre un futuro paralelo y una fantástica utopía quebrada. Precisamente, las instantáneas evocadoras de Maria Švarbová inspiraron a Josep Font, director creativo de Delpozo, en la concepción de la actual colección Primavera-Verano 2018, donde más allá de su similitud con las tonalidades (turquesas, verdes agua, corales…) existe un guiño a través de las siluetas con vestidos con volantes, blusas voluminosas o tops con pliegues que conforman este universo acuático. La exposición se puede ver en la boutique madrileña de la firma (Lagasca, 19) hasta el 26 de agosto.
El inicio del solsticio de verano viene marcado por una nueva cita con la moda en Barcelona. Vuelve el 080 Barcelona Fashion y lo hace en dos escenarios distintos: el tradicional Recinto Modernista de Sant Pau, donde se celebran las últimas ediciones de la pasarela catalana, y el Club Pati Vela Barcelona, en el Moll de la Marina, donde se presentará las colecciones de baño dentro del que llaman 080 Barcelona Fashion Beach.
Esta edición de la pasarela catalana contará con menos participantes, aunque la calidad se mantiene: un total de 27 diseñadores y marcas exhibirán las propuestas de primavera-verano 2019. Habrá caras nuevas como la firma emergente de moda urbana Killing Weekend, la firma Z1 y el joven diseñador Xevi Fernández, a quien ya conocemos de la pasarela madrileña y que colabora activamente con nosotros. Puedes recuperar la entrevista que le hicimos hace unos meses aquí. También reiteran su compromiso con el 080 Barcelona Fashion los premiados de la edición anterior como Mans Concept Menswear, Brain & Beast y Krizia Robustella. La pasarela catalana contará con el apoyo de Oscarleon, Miriam Ponsa, Txell Miras, la firma de moda sostenible amt. y la marca Aubergin con creaciones que combinan ética, sostenibilidad y artesanía de calidad. Como retornos esperados, destacamos el del diseñador Manuel Bolaño y la emblemática firma TCN con una renovación de códigos que mantiene la esencia mediterránea. Estos son algunos de los nombres que participaran en esta 22ª edición entre otros destacados creadores catalanes.
Un invitado especial: André Léon Talley
Cada año, la pasarela catalana cuenta con un rostro destacado dentro del panorama internacional. En esta ocasión, el 080 Barcelona Fashion contará con la visita de André Léon Talley que aprovechará la ocasión para presentar el documental estrenado en Estados Unidos sobre su particular trayectoria en el mundo de la moda. La obra se titula ‘The Gospel According to André’ de Magnolia Pictures y está dirigida por Kate Novack.
André Leon Talley es popularmente conocido por ser el ex editor de la edición estadounidense de la revista Vogue. Este puesto, junto a su exuberante personalidad y su característica manera de vestir, le ha dado visibilidad mundial durante más de 25 años donde se lo ha visto en el front row de los desfiles en las principales semanas de la moda: Nueva York, Londres, Milán y París. Más allá de Vogue, este incansable creador de tendencias también ha trabajado en otras publicaciones relevantes como Interview, New York Times o W. André Leon Talley ha utilizado su poder mediático para promocionar jóvenes diseñadores y reivindicar la causa afroamericana en el mundo de la moda.
Precisamente, el documental ‘The Gospel According to André’ hace un repaso a su peculiar historia dejando al descubierto algunos momentos más significativos de su carrera. Desde sus orígenes humildes hasta convertirse en uno de los grandes creadores de moda más influyentes de nuestro tiempo.
Diseñadores que confían en Gratacós
De todos los participantes y el calendario de actividades del 080 Barcelona Fashion que podéis consultar en su web, nos gustaría recomendaros tres desfiles que seguiremos de cerca porque se podrán apreciar tejidos Gratacós en la pasarela.
El debut de Xevi Fernández
Este diseñador ampurdanés, que atesora varios reconocimientos, se dio a conocer en la pasarela Mercedes-Benz Fashion Madrid donde ha presentado sus últimas tres colecciones. Como creador, siempre le ha interesado el mundo del arte y la parte más artesanal de la confección. En su debut a la pasarela catalana, Xevi presentará la colección ‘Five Minutes Glory’ donde reflexiona entorno de The Factory, un referente de la contracultura estadounidense de los años sesenta fundado por Andy Warhol. Xevi Fernández se inspirará en su rompedora decoración con paredes de pintura plateada y espejos rotos que lanzaba al mundo un mensaje claro: “El mundo está en decadencia”.
El retorno de Manuel Bolaño
Teníamos ganas de que Manuel Bolaño volviera a presentar colecciones en la 080 Barcelona Fashion, tras algunas ediciones mostrando sus últimos trabajos en formatos alternativos. El diseñador barcelonés de raíces gallegas exhibirá formalmente su ‘Plan B’, con algunos de los modelos que ya hemos visto en el escaparate del espacio Gratacós del pasado mes de mayo. Esta propuesta recupera las prendas míticas del Atelier Bolaño con vestidos esenciales en color negro donde se trabaja especialmente la artesanía, fusionando técnicas de costura con tejidos de alta calidad que crean volúmenes inesperados. Una colección atemporal que se va ampliando gradualmente a lo largo de las estaciones.
La apuesta segura
¿Y qué decir a estas alturas de “las locuras” de Ángel Vilda al frente de Brain & Beast? Año tras año, la firma del diseñador barcelonés es una de las que más expectativas acaparan por su creatividad y originalidad con ese trasfondo de denuncia mediante el humor y la cultura popular como vehículo para la reivindicación. Después de ganar el Premio Nacional a la Mejor Colección 080 Barcelona Fashion con su colección especial número 25, Vilda plantea un nuevo planteamiento con una saga que empieza desde cero. La propuesta se llama ‘Talismán’ y gira entorno a este término popularizado por el psiquiatra suizo Carl Gustav Jung. Veremos muy pronto como lo concibe…
La muerte de Alexander McQueen aún se siente cercana, aunque ya hayan pasado 8 años desde aquel fatídico 11 de febrero de 2010 donde el genial diseñador londinense decidió sacarse la vida. Un día antes del funeral de su madre. Entonces el británico tenía 40 años y dejaba atrás una trayectoria meteórica que dejaría huella dentro del controvertido mundo de la moda. De hecho, su vida -y su obra- tiene más paralelismos con la de las estrellas del rock’n’roll que la de los clásicos modistos de la alta costura. Desde su subida a lo más alto a su descenso a los infiernos. “Mis shows son sobre sexo, drogas y rock’n’roll. Son emoción y piel de gallina. Quiero ataques al corazón y ambulancias”, confesó el propio McQueen durante sus años como diseñador.
“En mis shows quiero ataques al corazón y ambulancias”
Alexander McQueen nació en el seno de una familia numerosa de clase obrera. Hijo de un taxista del East End londinense, de bien joven ya demostró de un extraordinario talento para las técnicas de la costura. De hecho, el propio diseñador se pagó sus primeras telas con el subsidio del paro. Primero fue aprendiz en una de las sastrerías más importantes de Savile Row. Años más tarde se matriculó en un postgrado de moda en la prestigiosa Central Saint Martins del que se graduaría en 1992 con una colección basada en la figura de Jack El Destripador. Aquella colección sorprendió en especial a Isabella Blow, entonces editora de Vogue UK. Isabella, junto a su madre, se convertiría en una de las mujeres más importantes en la vida del diseñador. Más tarde vinieron colecciones para recordar como ‘Taxi Driver’ y ‘Highland Rape’ donde le empezó a perseguir la polémica. Su identidad era enigmática y sus apariciones en público eran más bien escasas porque McQueen era muy receloso de su vida íntima. Sin embargo, su nombre siguió pisando con fuerza y en 1996 relegó a John Galliano al frente de la dirección creativa de Givenchy. A pesar de trabajar para la firma francesa, McQueen siempre mantuvo viva su propia firma donde condensaba sus inquietudes – y tormentos- personales.
McQueen, el documental
Precisamente, para recordar el legado del diseñador británico, hoy 8 de junio se estrena ‘McQueen’, una película de Ian Bonhôte Y Peter Ettedgui que indaga en la figura y la obra del malogrado enfant terrible de la moda. En esta obra, se deja en segundo plano los inevitables clichés del sector y se centra en la iconografía propia de Alexander McQueen como las calaveras, con temas recurrentes en su obra oscura, dramática y salvaje. Una fantasía gótica y teatral que cuenta con portavoces próximos al diseñador británico. Precisamente, ‘McQueen’ se estructura en cinco capítulos que corresponden a cinco de sus grandes desfiles: desde Jack The Ripper Stalks His Victims (1992) a Plato’s Atlantis (2009), su último desfile con materiales que hacen referencia a sus obsesiones como las drogas, el sexo, la violencia, la muerte y el dolor, siempre había dolor en Alexander McQueen. Por desgracia, todo el mundo conoce el final de esta película, pero su visionado representa una oportunidad para mantener vivo el legado creativo de Alexander McQueen, elevado al rango de leyenda.
Este 2018 es el año del nuevo MODA-FAD. Ubicada en el Disseny Hub de Barcelona, la asociación de moda integrada en el FAD (Fomento de las Artes y del Diseño) da voz y visibilidad a los diseñadores locales. Una entidad formada por profesionales de la moda de los diferentes ámbitos, desde ropa a calzado, que puesta por iniciativas que ayuden a dar continuidad a creadores con vocación comercial. Una tarea titánica en los tiempos que corren.
En abril, el MODA-FAD asomó la cabeza con una junta directiva renovada y con compromisos, retos y proyectos que ponen en valor los profesionales de la moda, el diseño y la artesanía que esperamos que den “guerra” para rato. En esta primera etapa de la asociación, el diseñador Edgar Carrascal asumió la presidencia acompañado por su mano derecha, Mireia Playà especializada en calzado vegano. También participan en la directiva Elisenda Oms y Elisabet Carlota de Carlota Oms, Antonio Calderón y Pau Esteve.
El espíritu de la nueva Asociación para el Fomento de la Moda deja clara su voluntad por defender la marca Barcelona y apostar por la internacionalización; contribuir al desarrollo empresarial y el tejido industrial del país y la “dignificación” de los oficios vinculados con la moda. También tiene una voluntad didáctica de compartir conocimientos y hacer pedagogía en el consumo de moda, con el fin de aportar herramientas necesarias para un consumo consiente y sostenible.
Los Premios MODA-FAD
En el marco de la Barcelona Design Week, se impulsan los nuevos Premios MODA-FAD en una ceremonia y fiesta posterior que tendrá lugar el próximo miércoles 6 de junio en el Disseny Hub Barcelona. Unos galardones que están orientados a reconocer el trabajo de profesionales y empresas del mundo de la moda y que han hecho aportaciones al sector durante el último año. En total, se entregarán premios en tres categorías diferentes: Mérito en Diseño de Moda, Mérito en Innovación a la Moda y Premio al Talento del Año. También se otorgará un reconocimiento especial a un diseñador o marca que no está en activo, pero se valora su aportación en el sector de la moda.
Los premiados
En esta primera edición, el diseñador Víctor von Schwarzcon su colección Doble Vida, 2018 es el ganador del Premio Mérito en Diseño de Moda. Una propuesta reivindicativa que pone de manifiesto la precariedad del sector y las dificultades que se topan los que empiezan, “la nueva generación”. Una vida doble entre la creatividad y la realidad que no suele durar más de 10 años. Como representación de esta ‘Doble Vida, la colección se divide en dos partes: una puramente negra y blanca con formas que se inspiran en la vestimenta de oficina. La otra, más fantasiosa con purpurina, formas voluminosas y tonos pastel.
El Premio al Mérito en Innovación en Moda recae en Piñatex® by Ananas Anam. Una firma que desarrolla un producto en el que se integra el éxito comercial y se promueve en paralelo el desarrollo social, ecológico y cultural.Con este punto de vista, Piñatex® nace con un material de base natural sin tejer que los consumidores pueden utilizar como una alternativa sostenible. El material está hecho de fibras de hoja de piña, un producto procedente de la industria agrícola que no requiere gran cantidad de terreno, agua o pesticidas para producir la materia prima.
El Premio al Talento del Año se lo lleva Pepa Salazar, uno de los talentos con más proyección de la moda española. Establecida en Madrid, esta diseñadora valenciana presentó en 2013 su primera colección por la que ganó el premio Mercedes-Benz Fashion Talent en la siguiente edición. En la colección Otoño-Invierno 18/19, la diseñadora presenta un universo marcado por las imágenes de lo absurdo, ficticias y utópicas, pertenecientes a la mitología y paganismo propios de las culturas primitivas. El jurado ha considerado que la última propuesta es rica en colores y texturas, tiene carácter y fuerza y una identidad propia que se contagia en todas las colecciones de Pepa Salazar.
Por último, Gori de Palma recibe el Premio especial de la Junta del Nuevo MODA-FAD. La esencia del diseñador se condensa en lo industrial y lo denso, bajo un filtro afterpunk. Una firma de autor afinada y oscura, con un toque perverso basado en los movimientos subculturales.
En la primera edición de los premios también se rendirá homenaje a la figura de la modista y empresaria catalana Carme Martí Riera (1872-1949), una profesional de ideales fuertes que luchó por dignificar la profesión de modista, además de ser la creadora del Sistema Martí, la primera técnica de patronaje y con rigor técnico a escala mundial.
Los asistentes de esta celebración anual del talento de la moda barcelonesa también podrán ver la exposición “El mejor diseño del año”, donde se muestran algunas piezas de los ganadores de estos premios. Una muestra que, además, recoge 500 obras finalistas y ganadoras de los diferentes premios que otorgan las asociaciones del FAD en las diferentes disciplinas del diseño.
La moda es contradictoria y sus dictámenes nunca son para tomárselos al pie de la letra. Simplemente juega y se divierte creando tendencias opuestas entre sí que obedecen al imaginario de cada diseñador o director creativo. En este caso, si hace unos meses os explicábamos que los tonos pastel se adueñaban de las pasarelas, ahora llega una tendencia al otro extremo de la primera en una paleta cromática que hacer referencia a los días primaverales: los colores vibrantes del arcoíris.
Rojo, naranja, amarillo, verde, azul, añil y violeta, esos son los tonos que utilizan firmas como Dolce & Gabbana, Emporio Armani, Carolina Herrera, Gucci o Burberry, entre otros para definir algunos de los looks clave de la temporada. Ésta última, dedicó la actual colección, presentada en la London Fashion Week, a apoyar las comunidades LGBTQ. Por lo tanto, no era de extrañar ver explícitamente en prendas y complementos, la presencia del arcoíris con un significado reivindicativo dentro de un marco optimista y lleno de color.
¿Y cómo se puede llevar? El estilo arcoíris no es fácil e implica a priori atrevimiento y vistosidad. Así que no te lo aconsejamos si lo que buscas es pasar inadvertido. Aun así, ofrece multitud de posibilidades con la introducción de nuevos tonos y variando los motivos gráficos: más allá del estampado de rayas vertical u horizontal. Para empezar, se considera que una prenda o un accesorio sigue la estética arcoíris si ostenta por lo menos 5 colores o tonos distintos que logran este efecto.
El estampado arcoíris se puede combinar con colores lisos – principalmente blanco, negro o nude- o con prendas del mismo tono que cualquiera de los que estén en la prenda. Este estilo lleva implícito los motivos gráficos: ya sean rayas, cuadros, topos u otras figuras geométricas. Para un look aún más estrafalario, se pueden combinar prendas arcoíris con otros estampados como flores, aun así, lo importante es que no le robe protagonismo al estampado.
En Gratacós queremos sorprenderte también con tejidos inspirados en este estilo multicolor y enérgico. En nuestra tienda online encontrarás algunas ideas para diseñar el look más explosivo inspirado en la fuerza del arcoíris.
Londres revive la esencia de Azzedine Alaïa a través de una exposición en el Museo del Diseñoque rinde homenaje a la trayectoria de este maestro de la costura a través de sus vestidos más icónicos y representativos. El diseñador tunecino falleció el pasado noviembre a los 77 años dejando en herencia un largo legado que condicionó la confección de prendas. Conocido como el escultor del cuerpo femenino, Alaïa fue pionero en experimentar con arriesgados patrones y aplicar innovadores materiales a sus creaciones. ‘Azzedine Alaïa: The Couturier’ fue concebida meses antes del fallecimiento del artista junto a Mark Wilson, colaborador y comisario de la muestra en la que trabajaron juntos. Finalmente la exposición se abrió al público el 10 de mayo y se podrá visitar en la capital británica hasta el próximo mes de octubre.
El escultor de prendas
Azzedine Alaïa era un modisto de origen tunecino que en los años 50 se asentó en París –donde conoció a André Malraux y Joan Miró- para empezar una de las carreras más prosperas y consolidadas en el mundo de la moda. En su primera etapa, el diseñador empezó a trabajar en Christian Dior, bajo la dirección creativa de Yves Saint Laurent y siguió formándose en firmas como Guy Laroche o Thierry Mugler hasta abrir su firma homónima durante la década de los 80. Hijo de agricultores de origen español, el artista solía vestir de negro y realizó toda su producción textil en su pequeño atelier – y hogar a la vez- en el barrio parisino de Le Marais. Fue en el taller donde empezó a experimentar con las técnicas que usaban los modistos de la época para perfeccionarlas y ampliar así, sus posibilidades. Le ayudó en parte sus estudios sobre escultura y bellas artes que le aportaron una visión más amplia en la confección de vestidos que entendían las formas y necesidades del cuerpo femenino. De hecho, uno de los hitos de la firma fue marcar la sensualidad de la mujer a través de arriesgadas prendas como vestidos ajustados con cinturas marcadas, faldas que jugaban con volantes, el uso de pieles, látex y mallas metálicas con efecto red como tejidos principales. Alaïa también fue el primero en rechazar el calendario de la moda tradicional, mostrando sus colecciones cuando creía que estaban listas. Él mismo elaboraba todas sus prendas a mano, cortando los patrones con minuciosidad. Célebre fue su obsesión por la perfección y la dedicación total a su oficio de modisto.
Desde los inicios de la firma, el diseñador tunecino elaboró exclusivos vestidos para la alta sociedad parisina y en poco tiempo su nombre se popularizó por todo el mundo. Grace Jones o Greta Garbo fueron algunas de las personalidades más afines al diseñador en la década de los 80 y 90, y la modelo Naomi Campbell se convirtió en la musa de la firma. El nuevo Milenio trajo consigo el nacimiento de una nueva generación donde Alaïa se posicionó como uno de los diseñadores de referencia para Kim Kardashian, Rihanna o Lady Gaga.
Una muestra multidisciplinar
Las más de 60 prendas que se reúnen en la capital británica están agrupadas según la idea conceptual que las domina, sin seguir un orden cronológico, y contienen ejemplos de sus más famosas colecciones, como “Explorando el volumen”, “Fragilidad y fuerza”, “Formas recogidas” o “Siluetas negras” -que reúne vestidos que datan del 1982 hasta 2003-.
‘Azzedine Alaïa: The Couturier’ cuenta también con las fotografías de Richard Wentworth realizadas durante los últimos meses del costurero y una serie de vídeos alrededor del franco-tunecino, entre los que destaca un cortometraje dirigido por Ellen von Unwerth, fotógrafa, donde retrata momentos íntimos del artista a principios de los noventa.
Como era de esperar, la nueva convocatoria de la prestigiosa agencia de investigación Nelly Rodi, para dar a conocer las principales tendencias internacionales que marcarán el próximo verano fue un éxito en mayúsculas. Más de 70 personas, la mayoría estudiantes de moda y diseño llenaron con su presencia el piso de arriba del espacio Gratacós. Todos ellos esperaron con impaciencia las tesis y las premisas que ofrecía la divulgativa Úrsula Uria, en una charla instructiva para dar a conocer de forma orientativa los colores y las texturas que marcarán las pautas de la temporada Primavera-Verano 2019.
En esta ocasión, la responsable de la Nelly Rodi en España desveló cuatro nuevas tendencias dentro de un contexto social y económico global que también influye en su elección como el resurgir de los valores nacionalistas y del folklore más patrio; la necesidad de los jóvenes de disfrutar a través del consumo de experiencias vinculadas con los viajes y no tanto en la propia propiedad de los productos; o el auge de nuevos iconos musicales que influyen a través de su imagen con más poder de identidad, para citar algunos ejemplos.
A partir de esas premisas generales, en la próxima temporada estival influirán en la moda cuatro tendencias y son: Magnetic, Sassy, Life y Native.
1. MAGNETIC
Una tendencia futurista, de base andrógina y minimalista, inspirada en las innovaciones tecnológicas y las aplicaciones de éstas en el mundo textil.
Referencias visuales: La inteligencia artificial, la realidad virtual, Tokio, la ciencia ficción, la tecnología funcional, los hologramas, el cosmos, Dries Van Noten o los diseñados cinéticos de la creativa británica Es Devlin.
Siluetas: Imperan las siluetas fluidas y deconstruidas, las prendas funcionales, los grandes bolsillos en parkas y abrigos, los cierres con cuerdas y los detalles con cremalleras.
Colores: Los metalizados como el dorado y el plateado junto a los colores iridiscentes y el azul denim.
Tejidos: Se llevan los tejidos que atraen la luz. Los pasteles en versión neón y los tornasolados en lamés. También la experimentación con tejidos técnicos fuera de lo común.
Público: Un consumidor racional y activo, ultra conectado a las últimas tecnologías y amante de la moda de estética deportiva en clave chic.
2. SASSY
Una tendencia exuberante inspirada en los movimientos de vanguardia como el surrealismo y el dadaísmo. Un estilo elegante y refinado que busca sorprender y divertir a través de la ropa y los accesorios.
Referencias visuales: Las obras de Dalí y Miró, el arte abstracto, Cristina Celestino para Fendi, los pintalabios para hombres de Tom Ford, Lladró, el diseñador de interiores Jaime Hayón, las langostas, las riñoneras…
Siluetas: Las siluetas entalladas de estética ochentera con sus volúmenes característicos, la revisión del traje con chaqueta y los vestidos de corte sesentero. Los complementos y los detalles tienen un punto impertinente que juegan con el humor y la ironía.
Colores: Toda la gama de pasteles. Desde los más descafeinados a los más subidos de tono dentro de esta línea de apagados.
Tejidos: La clásica sastrería se renueva con nuevos códigos adaptados a la actualidad.
Público: Un consumidor individualista y algo impulsivo que a su vez tiene un gusto particular por la moda. Le gusta hacerse notar con prendas de ropa que llaman la atención, que transformen conceptos y giren los códigos más convencionales.
3. LIFE
Una tendencia minimalista que rescata el estilo de vida saludable a través de los estados de ánimo y las emociones. Una evolución de la actual tendencia “Horizon” con tintes diferenciadores.
Referencias: La ecología, el estilo de vida saludable, el veganismo, las materias nobles como la madera, el acero, la botánica, la naturaleza, las obras de Suzanne Anker, las raíces o la diseñadora Angela Luna, por citar unos ejemplos.
Siluetas: Se llevan los patrones fluidos y la comodidad es la característica principal que se tiene en cuenta.
Colores: El verde sobre verde. El blanco, el vainilla y las tonalidades nude. Los estampados vegetales ganan terreno a los florales.
Tejidos: Los tejidos naturales, ligeros y los detalles artesanales.
Público: Un consumidor purista, amante del slow life que atesora en el armario prendas caras, pero más duraderas.
4. NATIVE
Una tendencia de espíritu folk que exalta las tribus, el sentimiento de pertenencia y remite a los orígenes. El estilo boho-chic en su versión más salvaje.
Referencias: El mestizaje étnico y cultural, el misticismo, las raíces, lo nómada, los paisajes desérticos, los elementos de la naturaleza, los talismanes, los tótems artísticos de Xavier Noël, los viajes a paraísos perdidos, las manualidades, los aborígenes urbanos…
Siluetas: Una entremezcla de patrones holgados con prendas ajustadas en un estilo que combina lo casual con lo sexy. El estampado a cuadros madrás.
Colores: Los tonos tierra, el verde camuflaje, la combinación naranja con azul, las tonalidades amarillentas, los degradados… Tonalidades que se encuentran en el cielo y la tierra.
Tejidos: Las reminiscencias rústicas y artesanales. El tejido nido de abeja y los drapeados.
Público: Un perfil más impulsivo que encaja con la it girl o el it boy. Busca la singularidad a través de una estética que reivindica el lado ancestral.
Soy diseñador de moda nupcial. Me di cuenta que quería ser diseñador por mi madre porque de pequeño, tuneaba los juguetes que me regalaban. Recuerdo por ejemplo que de coche teledirigido yo lo convertía en un ratón para pasear. Fue ahí cuando mis padres empezaron a estimularme en el mundo del arte. En el caso del diseño de moda fue un encuentro casual. De hecho, actualmente combino mi trabajo de enfermero con la que es mi verdadera pasión: la moda.
¿Dónde he estudiado?
Estudié en la Central Saint Martins de Londres y luego en IED Barcelona porque sabía que la ciudad es un referente en moda nupcial.
¿En qué me he especializado?
En Barcelona he acabado el Postgrado en Diseño de Vestidos de Novia y Ceremonia. Esta formación ha sido muy gratificante en cuanto a diseño y patronaje porque he aprendido otras técnicas. Parece que no, pero quien sabe diseñar para la novia, sabe hacer muchas cosas. ¡No te imaginas la creatividad que hay detrás de cada vestido nupcial!
¿Cuál es mi estilo?
Soy bastante espontáneo en general y no acostumbro a planear demasiado. Esta característica también se aprecia en el diseño. Aun así, te diré que en cuanto a diseño nupcial me gustan los diseños contemporáneos. Me inspiran las técnicas clásicas de alta costura, mis referentes son actuales y en un futuro, me gustaría innovar en tejidos con algo más experimental.
¿Cómo me reconoceréis?
Ahora mismo te podría decir mis inspiraciones y los diseñadores a quienes admiro. Me gusta muchísimo el maestro Balenciaga y también sigo la estela de la Alta Costura de Stéphane Rolland. Me fascinan sus volúmenes arquitectónicos y es muy rompedor.
¿Cuál es mi proyecto?
Ahora mismo estoy muy contento de haber ganado el premio “Gratacós Barcelona Scolarship for the Talent” por mi proyecto final que consistía en un realizar un vestido a través de la técnica del moulage. El principal reto que me encontré es dar con el concepto porque mi perfil es arquitectónico y de formas no orgánicas. En este caso, me inspiré en la arquitectura e intenté desestructurar la figura para crear un péplum en las caderas que potenciara la silueta femenina y apliques de flores que se van difuminando. Quiero hacer hincapié en lo sostenible, por eso las flores están hechas una a una de las mermas de la organza que se iban a tirar y las teñí de rosa. El crepe base del vestido es blanco y las flores ya juegan en distintas tonalidades de rosa.
¿Dónde me podéis seguir la pista?
Ahora mismo estoy trabajando para Pronovias y la firma me está dando una oportunidad única para aprender el oficio. Me satisface muchísimo ver el desfile y sentir que yo he participado en la creación de esa manga, de esa falda o de ese cuerpo.
¿Dónde espero que me veáis?
Puestos a soñar, creo que tengo mucho que aprender, mucho que experimentar y ojalá, mucho que aportar. Voy a dejar que todo fluía, dejando la mente abierta a que todo vaya sucediendo ya sea trabajando para otros o para mí mismo.
Recordad mi nombre por…
De momento alguien que tiene mucho que decir en el sector nupcial.
Gratacós es para mí…
Gratacós es sin duda una de las mejores tiendas de tejidos que exporta por todo el mundo y que ofrece una gran calidad y diseño.
Me lo llevo de la tienda…
Yo me llevo siempre tejidos neutros o blancos porque me gusta manipular la tela y hacer nuevas creaciones. Me interesa darle a la novia un valor añadido que también tiene esa parte artesanal.
