Volver, comenzar y estrenar. Estos son los verbos que nos apetecía poner en marcha después de liquidar la última temporada de invierno y presentar en Première Vision Paris, la nueva colección para la primavera que viene. En este limbo de la propuesta del pasado y la futura nos queda hablar del presente, en este caso de la colección primavera-verano 2022 que tenemos ganas de mostrar en todo su esplendor a través del catálogo, la tienda online y nuestro espacio físico en Barcelona. 

A grandes rasgos…

Estrenamos temporada inspirándonos con una cita del historiador y filósofo israelí Yuyal Noah Harari: “Esta tormenta pasará, pero las decisiones que tomemos ahora podrían cambiar nuestras vidas en los próximos años”. Esta frase marca el rumbo de la colección porque, sin dejar de lado las contribuciones del pasado, nuestros ojos están fijados en el futuro y en el camino que tenemos que seguir para explorar nuevos territorios sin perder la identidad. 

“Esta tormenta pasará, pero las decisiones que tomemos ahora podrían cambiar nuestras vidas en los próximos años” – Yuyal Noah Harari

En el contexto de incertidumbre que mantenemos desde el inicio de la pandemia, hemos visto que las personas se aferran a valores sólidos como la seguridad y la confianza. Por este motivo, las propuestas textiles que presentamos esta temporada se centrarán en artículos que tranquilicen, calmen, no decepcionen y, sobre todo, sean duraderos. No nos interesa lo frugal ni lo inestable. En esta temporada, el color es el catalizador que hará que los consumidores vuelvan al mundo del diseño y confíen en él. Por eso, el color es fundamental para dar forma a los tejidos y desempeña un papel clave en la definición de las nuevas propuestas. Desde los tonos neutros, hasta sus reversos más brillantes pasando por azules y verdes hasta los rosas y naranjas luminosos. 

En líneas generales, os presentamos una temporada que nos gustaría que fuera tranquila, que rebose mucha calma, alegría y optimismo, pero siempre guiados por la necesidad de hacer productos que tengan en cuenta el medio ambiente y el entorno en el que vivimos. A continuación, os damos más detalles.

El color se suaviza

Esta temporada, los colores se oxigenan y pierden saturación para establecer mezclas armónicas y combinaciones emocionales, que calmen y tranquilicen. Destacan los tonos neutros, que incorporan destellos, transparencias y pequeñas pinceladas de color en azul, rosa, verde y amarillo. Las tonalidades suaves y delicadas aportan una visión contemporánea y se entienden desde la discreción, sin excesos ni añadidos. 

Si hilamos fino, destacamos el color beige del papel de estraza o kraft, el blanco que nos ayuda a trabajar formas y volúmenes, y el negro que utilizaremos añadir sofisticación y crear total looks con diseños de gran impacto gráfico. Como tonos más alegres, dentro de esta paleta de coloraciones frescas, pero menos saturadas destacaremos el rosa millennial, el azul en su versión más multifacética, versátil y adaptable, y el verde que nos acerca a la naturaleza y sigue teniendo protagonismo en los tejidos de la temporada.  Como contrapunte, destacar el optimismo del amarillo lima, el naranja atenuado y el coral que son perfectos para refrescar y para añadir luz a los artículos. Estos tonos se mezclan con una tonalidad antagónica: el turquesa en una combinación refrescante y singular. 

Por último, el color también se trabajará de diferentes maneras: en versiones lisas, bicolor o multicolor para un efecto liberador y estimulante.

Tejidos abrazables y compromiso con la sostenibilidad

Esta temporada destacamos las fibras naturales que estén implicadas en la gestión de los recursos y también sintéticos reciclados y regenerados. En concreto, trabajaremos con algodones BCI, viscosas FSC, seda tussah, linos naturales sin tintar y poliésteres reciclados, algunos de ellos obtenidos a partir de botellas de plástico usadas.

En la colección primavera-verano 2022 queremos disfrutar de la simplicidad para un tipo de moda más cómoda, minimalista y hermosa. Para ello, utilizaremos gasas, voiles y organzas en tonos neutros, suavemente diferenciadas entre ellas, que definirán la ligereza de los tejidos. Queremos producir ese componente fresco y cariñoso, como un abrazo tierno. También trabajaremos con técnicas de fil coupé que nos conectan con un romanticismo moderno y tejemos estructuras con contrastes suaves para una belleza simple.

“Queremos disfrutar de la simplicidad para un tipo de moda más cómoda, minimalista y hermosa”

Dentro la colección destacamos popelín y satén mates de aspecto limpio, tejedurías clásicas, relieves gofrados e inspirados en el cartón de embalaje, Jacquares con estructuras geométricas en repetición rítmica, tweeds de verano con hilaturas gruesas y piqués para tejedurías estructuradas. Esta temporada el aspecto rústico también es protagonista y a través de los tejidos queremos conseguir una rusticidad táctil a través de hilaturas fantasía. 

En materia de aspectos de los tejidos, esta temporada se imponen los tactos suaves. También acabados brillantes con iluminación clara, limpia y nítida y motivos satinados que imitan la cerámica. El brillo jugará con la luz para sorprendernos con cierto atrevimiento. Por eso hemos apostado por hilaturas brillantes en tejidos que serán versátiles. 

La temporada también se caracteriza por propuestas de aspecto irregular a través de inspiradoras telas arrugadas y acabados naturales, con otras más ligeras como preciosas organzas que recubren el cuerpo creando volúmenes sin excesos, voiles que se trabajan en capas, gasas que proporcionan las transparencias adecuadas y sensuales satenes de algodón ya sean lisos o estampados. 

Diseños depurados que no renuncian a los jardines florales

En líneas generales los tejidos se expresarán sin excesos decorativos a través de geometrías serenas y contrastes visibles, pero sin ruido visual. No es una temporada ni de excesos ni estridencias, todo lo contrario. Nos inspira el estilo étnico y folk desde un punto de vista estilizado y depurado. En materia de estampados hay tejidos que dan la bienvenida a los trazos abstractos con detalles de pinceladas. También las rayas con trazo de manual y persisten los cuadros, pero en su versión más libre.

En primavera no pueden faltar las flores, y esta temporada tampoco será una excepción. Un paseo por los jardines campestres nos trae inspiraciones renovadas para una nueva vuelta creativa a estos estampados que utilizan flores y hojas, escogidas por sus formas particulares, inspiradoras texturas y colores sorprendentes.

Por último, destacar que continuamos con nuestro compromiso con la sostenibilidad que ya empezó en temporadas anteriores y ha llegado para quedarse. Nuestra colección utiliza hilaturas regeneradas y recicladas con certificados europeos y eso ayuda a reducir la huella ambiental de la producción textil: algodón BCI, algodón regenerado, seda tussah, lino, viscosa FSC, poliéster New Life y reciclado, son algunas hilaturas presentes en esta nueva colección primavera-verano 2022 que acabamos justo de inaugurar. Estrenar, este verbo que tanto nos gusta… 

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Un enfant terrible es un genio precoz de ideas brillantes, pero de actitud rebelde y transgresora, cuyas creaciones son innovadoras y ofrecen una nueva visión rupturista, alejada de lo tradicional, ortodoxo o convencional. John Galliano, Jean-Paul Gaultier, Alexander McQueen son algunos de los enfants terribles más internacionales de la moda. En nuestro país también existen provocadores del hilo y la aguja. Algunos de los nombres más notorios los recupera la Fundació Antoni de Montpalau junto con la Fundación Rocamora en una nueva exposición titulada ‘Daviddelfín y otros enfants terribles de la moda’ que se inauguró el pasado 6 de febrero en Barcelona. La muestra consiste en una recopilación exhaustiva de la obra del diseñador malagueño, única en Cataluña, junto con la trayectoria rompedora y provocativa de otros diseñadores españoles, desde los años 80 hasta la actualidad.

La obra más extensa de David Delfín

La parte monográfica dedicada a David Delfín ocupa la primera planta de la Fundación Rocamora y reúne más de 60 piezas de indumentaria que repasan las colecciones del diseñador, desde 2001 hasta 2017, con algunas de las obras más emblemáticas. Junto con las piezas de ropa, también se incluye una selección de complementos como bolsos y zapatos.

Aunque Diego David Domíngez González, David Delfín, ya hizo algunos experimentos anteriores, su marca homónima nacería en 2001 en un proyecto conjunto junto los hermanos Postigo (Deborah, Gorka y Diego) y Bimba Bosé, musa y modelo del diseñador. Este novedoso proyecto iba más allá de la moda, mezclando teatro, música, pintura, poesía, fotografía y cine. Como marca, Davidelfín debutó en Barcelona en la pasarela alternativa Circuit con su primera colección ‘Openin’ Nite’. Un año más tarde daría el salto a la pasarela Cibeles de Madrid con la propuesta ‘Cour des Miracles’, inspirada en las películas de Luis Buñuel ‘Viriadina’ y ‘Belle de Jour’ y también en el cuadro ‘Los Amantes’ de René Margritte, pintado en 1928, en donde aparecen dos amantes encapuchados besándose.

Como homenaje al cuadro de Magritte las modelos desfilaron por la pasarela con el rostro encapuchado que recordaban a burkas árabes, sogas en el cuello y grandes rosarios de madera, algunas prendas confeccionadas con vendas sanitarias. Este desfile se malinterpretó y fue criticado en los medios de comunicación, tal vez por coincidir con la guerra en Afganistán. A pesar de la polémica, este desfile posicionó a la marca y un año más tarde, Davidelfín recibiría el premio L’Oreal a jóvenes diseñadores. A partir de este momento la creatividad autodidacta del diseñador no tuvo límites: Bimba Bosé sería la protagonista indispensable de sus desfiles y entre el público y los amigos de ambos, se convertirían en sus mejores embajadores. El diseñador siguió presentando sus colecciones en Cibeles y dio el salto en Nueva York en 2009 y 2010. La marca también fue galardonada en Marie Claire, Telva y en 2016, ganó el Premio Nacional de Diseño de Moda. Davidelfín también participó en numerosos museos, instituciones y galerías de arte en Barcelona, Madrid, Bilbao, Málaga, Venecia, Nueva York, Washington, México, Tokio y Moscú. Desafortunadamente, la carrera del prometedor creador se truncó en 2017 tras una lucha intensa contra un cáncer cerebral, unos meses después de la muerte de Bimba. David Delfín tenía solo 46 años.

Los otros enfants terribles 

La exposición va un paso más allá y para acompañar el homenaje a Davidelfín, la Fundació Antonio de Montpalau ha escogido una serie de diseñadores que también han sabido romper moldes y ocupan la planta baja del palacete de verano de Manuel Rocamora.

Así, esta segunda parte de la muestra empieza con Luis Fortes, el polémico diseñador de los años 80 en Barcelona ​​con propuestas muy atrevidas que se anticipaban incluso a las que haría, poco después, Thierry Mugler, creador francés recientemente fallecido. 

Desde Madrid en la década de los 90, el dúo Vacas Flacas, formado por Carolina Azcona y Miriam Cobo, provocaría en la Pasarela Cibeles con sus prendas confeccionadas con bayetas, guantes, toallas, calcetines, cremalleras o bufandas. Una buena selección de que se puede ver en la exposición, entre las que destaca un espectacular abrigo hecho con bufandas del Barça. Recientemente, la actriz Milena Smit ha resucitado una de las camisetas más emblemáticas de la firma madrileña. La muestra también incluye cinco espectaculares trajes de Alaska, diseñados por Juan Pedro del Moral, Little Joe Couture, quien también ha ideado el estilismo de las Nancys Rubias. De hecho, la marca es también la que se encarga de vestir a los integrantes de Fangoria. De los años 90 también son las dos piezas que incluye la exposición de Estanislao, el creador del reconocido método de patronaje Eometric. 

Por su parte, Bibian Blue, diseñadora célebre por sus bodis que lucen artistas internacionales como Katy Perry o Dolly Parton, fue una de las alumnas más aventajadas de Luis Fortes en los años noventa y creó su propia marca en el año 2000 consiguiendo gran aceptación dentro de la escena underground europea. La muestra incluye uno de sus espectaculares vestidos de alas de mariposa.

La muestra también tiene en cuenta a Mertxe Hernández. La diseñadora creó en 1997 su marca MTC y abrió una tienda en el Born, desde donde se dio a conocer. Después de presentar colecciones en Alemania, la creadora decidió dedicarse al mundo de la creación artística. De ella se incluyen algunas de las prendas que presentó en la pasarela ‘Colonia Fashion Days’, hechas con tejido de medias de poliamida.

Por último, la exposición también reúne prendas icónicas de Gori de Palma (Modafad, Gaudí y Cibeles) y de ¡Ánimo, Valiente! La firma de una diseñadora vasca afincada en Barcelona que trabaja con vaqueros reciclados y desde una decidida marginalidad. Una mención especial merece el último diseñador en participar en la muestra: el actual y mediático Palomo Spain, quien también ha querido incluir uno de los trajes más emblemáticos de su meteórica carrera. 

¿Cómo te imaginas moda del futuro? Es curioso como esta cuestión siempre ha estado en el imaginario de muchos diseñadores del siglo XX que han ideado una forma propia de concebir ropa adelantada a su tiempo, influenciados por la literatura, la pintura, el cine o la ciencia. A través de diseños punteros, volúmenes imposibles, tejidos sorprendentes y materiales innovadores, los creadores más punteros han construido una visión personal de la moda del mañana. Algunos des de la nostalgia retro, otros desde el optimismo de la carrera espacial que contrasta a su vez, con la revisión de las distopías más catastróficas y apocalípticas que sostiene el diseño futurista de otros modistos contemporáneos. En pleno siglo XXI, las innovaciones tecnológicas, los entornos digitales y los universos virtuales como el metaverso han abierto nuevas puertas de expansión y crecimiento a la industria de la moda, transformando algunos de sus cimientos. A su vez, este desarrollo tecnológico ha permitido el florecimiento de nuevas visiones entorno a cómo concebimos la moda del futuro -que no es más que la del presente- con singulares creaciones que son un reflejo de la sociedad actual. Repasamos algunos de los momentos históricos y los nombres propios de la moda futurista para entender hacia dónde va la moda que ansía vestir el mañana.

Los primeros movimientos futuristas

El futurismo como término nació a principios de siglo con el movimiento artístico de vanguardia vinculado con Tommaso Marinetti. El poeta italiano publicó el 20 de febrero de 1909 en Le Fígaro su ‘Manifiesto futurista’, donde expresaba sus valores y experiencias celebrando la era de la máquina. Su visión se oponía a la burguesía del momento a través de conceptos como la velocidad, la fuerza, y el dinamismo. Para Marinetti, el futurismo era sinónimo de “movimiento orientado hacia el futuro”. Más allá de la literatura y el arte, este movimiento influenció también la moda. Artistas como Giacomo Balla fue uno de los encargados de traducir los ideales futuristas de Marinetti a la ropa y Vincenzo Fanni, bajo el pseudónimo de Volt, daría alas a la vestimenta femenina en su manifiesto de 1920. Entre algunos de sus escritos destacan frases como: “La moda femenina nunca puede ser lo suficientemente extravagante” o “Vestidos que provocan sorpresas y transformaciones, equipados con resortes, aguijones, lentes de cámara, corrientes eléctricas, reflectores, aerosoles perfumados, fuegos artificiales, preparaciones químicas y miles de artilugios. Una última cita: “En la mujer podemos idealizar las conquistas más fascinantes de la vida moderna. Transformaremos a la dama elegante en un verdadero complejo tridimensional vivo”. Unas declaraciones que se anotaron hace un siglo y que serviría de punto de partida para muchos de los diseñadores de mitad del siglo XX que, dejarían las visiones utópicas de sus antecesores para pasar a la acción: experimentar con diseños que reflejen este espíritu de modernidad. 

La moda de la carrera espacial

El diseño futurista vinculado con el espacio tuvo su máximo esplendor en los años 60 coincidiendo con el pulso por liderar la carrera espacial que mantenían Estados Unidos y Rusia en plena Guerra Fría. El lanzamiento del Sputnik en 1957, la conquista de la luna en 1969… fueron algunos hitos históricos que marcaron un auténtico furor por la moda que se inspira en el espacio, las heroínas de ciencia ficción y los viajes intergalácticos. Jane Fonda caracterizada como la seductora Barbarella inmortaliza uno de esos looks espaciales de la década. La moda futurista de los años 60 fue liderada por André Courrèges, Pierre Cardin y Paco Rabanne. Los padres de “las damas del espacio” o de las “Cosmic Girls”. Se caracterizó por siluetas pop (minifaldas, minivestidos, silueta A, cuellos cerrados, botas altas con plataforma, cascos…), texturas de vinilo, tejidos tecnológicos, destellos metalizados y mucho color plata para expresar cromáticamente la moda galáctica. Este estilo y la propia corriente era utópica y optimista porque auguraba un mundo mejor, más racional pero también más creativo. Más allá del auge de la carrera espacial, esta tendencia coincidió con el boom del prêt-à-porter que lo popularizó con modelos producidos en serie que imitaban los diseños espaciales de los padres de la moda futurista.

Más fantasía en la década de la opulencia

En los excesivos años 80, la ciencia ficción y la temática espacial volvió a despertar el interés de las exclusivas casas de moda, aunque cada diseñador adaptó el estilo futurista a su propio discurso. El futuro se podía percibir como algo utópico y brillante, rescatando el espíritu de hace dos décadas, o bien, aterrador con una visión apocalíptica que vuelve a estar de moda actualmente. Uno de los máximos exponentes fue Thierry Mugler, recientemente fallecido. El diseñador francés fue un visionario, cuyos diseños dramáticos y fantasiosos, transformaron el vestuario femenino con seducción y personalidad que reflejaban el poder de la mujer. Mugler reivindicó el power dressing a través de nuevos materiales como látex, el PVC, la fibra de vidrio, el caucho y siluetas escultóricas que ceñían el cuerpo de la mujer y lo ensalzaban. Hombros voluminosos, cinturas extremadamente ceñidas, metalizados, acabados innovadores una concepción intemporal y futurista de la moda, sumado a la provocación como arma, consiguieron ponerlo en primer plano, así como él lo hizo con el empoderamiento femenino. De Mugler son también los diseños inspirados en insectos, alienígenas o androides inspirados en los clásicos del género. 

Firmas como Balmain, Margiela, Sies Marjan o Dior también han imaginado en colecciones y diseños concretos cómo sería la moda del mañana a través de tejidos iridiscentes y plateados, y haciendo claras alusiones a la nueva temática espacial: la conquista de Marte.

Las nuevas distopías del fin del mundo 

La pandemia mundial también ha pasado factura en la industria a nivel creativo que ha visto en la incertidumbre, el hastío y el desconcierto nuevas pautas para idear una visión oscura de la moda del futuro. El estreno a su vez de clásicos de la ciencia ficción como ‘Matrix’ y ‘Dune’ o el auge de los videojuegos han inspirado las propuestas de Balenciaga, Rick Owens, Khaité y Ottolinger, entre otros diseñadores convirtiendo el estilo distópico en tendencia. La estética dark, entre gótica y ciberpunk, ha vuelto a resurgir con prendas características: abrigos largos, prendas de cuero, pantalones multibolsillos, botas militares y acabados brillantes y acharolados, siendo el negro de la cabeza a los pies el color que gobierna esta nueva interpretación de la moda futurista en su visión apocalíptica. 

A todo ello hay que añadir la reciente irrupción del metaverso y la expansión de la moda virtual. En este nuevo paradigma, las marcas pueden vender activos digitales (NFT), es decir, sus propias colecciones para vestir los avatares de los usuarios hasta abrir una tienda u ofrecer un servicio de atención al cliente en esos universos virtuales. Aunque aún es temprano para analizar el impacto del metaverso, esta nueva realidad puramente digital, quizás inspirará la moda del futuro de los diseñadores del mañana. 

El año no ha empezado precisamente con buen pie por las nuevas restricciones sanitarias para frenar los continuos brotes de la pandemia. Aún así, este 2022 promete ser distinto que sus antecesores con la llegada de una agenda cultural, cargada de nuevas exposiciones que podremos visitar de forma presencial en distintas ciudades de la geografía española. Grandes retrospectivas, trabajos inéditos de artistas reputados o movimientos artísticos que también conectan el arte con la moda y el diseño. Os presentamos cinco muestras que creemos que pueden ser fuente de creatividad e inspiración para cualquier trabajo creativo.

• Del Fauvismo al Surrealismo: obras maestras del Musée d’Art Moderne de París

• ¿Cuándo? Del 11 de febrero de 2022 al 22 de mayo de 2022

• ¿Dónde? Museo Guggenheim Bilbao

La audaz expresión de libertad que mostraron los artistas fauvistas y cubistas en el nacimiento de ambos movimientos en la primera década del siglo XX supuso una revolución en la representación tradicional del retrato, el paisaje y la naturaleza muerta que se consideró escandalosa en la época, al presentar cánones disruptivos con la realidad observada. ‘Del Fauvismo al Surrealismo: obras maestras del Musée d’Art Moderne de París’ reúne cerca de 70 obras maestras que recorren la historia del famoso museo parisino y muestran la transgresión pictórica de la época. Este museo es a día de hoy un referente artístico imprescindible que aloja algunos de los movimientos de vanguardia que revolucionaron la capital del Sena durante las primeras décadas del siglo XX. 

A su vez, esta muestra es la primera gran exposición que acogerá el museo Guggenheim Bilbao en 2022 dentro de la programación de actividades que tiene programadas, este complejo cultural y escultórico que en octubre cumplirá el 25 aniversario de su apertura.

• Cine y moda. Por Jean Paul Gaultier

• ¿Cuándo? Del 17 de febrero al 5 de junio de 2022

• ¿Dónde? Caixa Forum Madrid

El cine y la moda se han relacionado a lo largo de los años para dar lugar a un fructífero intercambio creativo. Bajo la mirada de Jean Paul Gaultier, esta muestra señala los vasos comunicantes de ambas industrias, así como una aproximación a sus contextos sociales. La muestra aborda los intercambios e influencias que se producen entre el cine y la moda, una relación creativa que lidera Jean Paul Gaultier, cocomisario y director artístico de la exposición. Más allá de la mitomanía, ‘Cine y Moda’ recorre los contextos de creación, tanto de los vestidos como de los filmes, y nos introduce a ideas de modernidad dentro de la vestimenta o el erotismo. La muestra también ofrece un enfoque sociológico al abordar temas como los movimientos de emancipación femenina, las transiciones de género y los roles de poder y cómo estos tienen un reflejo en la moda y la filmografía de su tiempo.

‘Cine y Moda’ recoge carteles, fotografías, fragmentos de películas… hasta 250 piezas que reflejan el diálogo entre las dos disciplinas. La exposición comienza con ‘Falbalas’, la cinta de Jacques Becker de 1945 que influyó a Gaultier para hacerse diseñador. Tras ello se van observando a algunos de los personajes que revolucionaron los códigos del cine y la sexualidad, como Mae West, Marilyn Monroe, Marlon Brando, Brigitte Bardot o Jane Fonda. La exposición migrará a Barcelona a partir del 6 de julio.

• La Máquina Magritte

• ¿Cuándo? Del 24 de febrero al 6 de junio de 2022

• ¿Dónde? Caixa Forum Barcelona

Mientras tanto, en Caixa Forum de Barcelona, René Magritte (Lessines, 1898 – Bruselas, 1967) será el protagonista de la exposición principal en una amplia retrospectiva dedicada al artista surrealista belga que explora su atrayente obra, caracterizada por jugar con la lógica visual y poner en duda nuestras categorías perceptivas. Se trata de la primera exposición que se celebra de Magritte desde 1989 en España y reúne una selección de 65 pinturas procedentes de museos y colecciones de alrededor del mundo, junto a una selección de fotografías y de películas caseras tomadas y filmadas por el artista. 

¿Y por qué se llama La Máquina Magritte? En 1950, en colaboración con algunos amigos, el artista belga escribió el prospecto ‘La Manufacture de Poésie’, un catálogo de productos imaginarios entre los que destaca la “Máquina Universal para hacer cuadros”. Tal máquina haría posible componer de forma práctica un número ilimitado de cuadros pensantes. La exposición parte de la hipótesis de que esa Máquina Magritte existe y está compuesta por varios dispositivos interconectados correspondientes a conceptos recurrentes en la obra del artista, como el mimetismo y la megalomanía.

• Teresa Lanceta. Tejer como código abierto

• ¿Cuándo? Del 8 de abril al 11 de septiembre de 2022

• ¿Dónde? MACBA de Barcelona

A principios de los años 70, Teresa Lanceta (Barcelona, 1951) tomó la decisión de tejer como medio de expresión artística, forzando los límites de la comprensión sobre lo que se considera o no se considera arte. Su aproximación al tejido se centra en los elementos formales, en lo que los tejidos tienen de original y propio: sus ligamentos, materiales, tradiciones y técnicas. Un modo de hacer sin boceto previo en el que imagen y fondo, objeto y lenguaje, soporte e imagen se construyen a la vez, sin marcha atrás, asumiendo los errores.

La obra de Teresa Lanceta recoge su visión del tejido y del acto de tejer, pero va más allá de la expresión individual al plantear diálogos en paralelo con el arte popular, las cuestiones de género, la comunicación no verbal o las distintas formas de vida en comunidad. Esta exposición, que reúne toda la trayectoria de la artista catalana hasta la actualidad, incluye una amplia selección de tapices, lienzos, pinturas, dibujos, escritos y vídeos, así como varias colaboraciones que Teresa Lanceta ha hecho con otros autores y que se mostrarán en el transcurso de la exposición.

• Pablo Picasso y Gabriele Chanel

• ¿Cuándo? Del 11 de octubre de 2022 al 15 de enero de 2023

• ¿Dónde? Thyssen Bornemisza en Madrid

Más allá de la moda, Gabrielle Chanel mantuvo amistad con artistas multidisciplinares, uno de ellos fue Pablo Picasso, a quien conoció entorno a la primavera de 1917, seguramente a través de Jean Cocteau o de Misia Sert. La diseñadora entabló con ambos una larga y duradera amistad que la introduciría en el círculo del pintor español. A partir de ese momento, Chanel y Picasso establecerían una relación creativa en la que surgieron, entre otras influencias, dos colaboraciones, ambas con Jean Cocteau: en ‘Antígona’ (1922) y en el ballet ruso de Serguéi Diághilev ‘Le Train Bleu’ (1924).

El museo Thyssen Bornemisza en Madrid nos propone explorar esta relación creativa del siglo XX, reuniendo arte y moda en un mismo proyecto expositivo. ‘Picasso y Chanel’, comisariada por Paula Luengo, conservadora del Área de Exposiciones, explora la relación entre estos dos grandes genios del siglo XX con diseños y obras de arte organizadas en cuatro secciones que siguen un orden cronológico: entre 1915 y 1925. También se aprecia como la obra del pintor fue una fuente de inspiración para algunos de los diseños de Chanel. La propia diseñadora solía afirmar de sus amistades con el mundo artístico e intelectual de la época: “son los artistas los que me han enseñado el rigor”.

El escaparate es una carta de presentación visual de quiénes somos, qué hacemos y cómo lo hacemos. Una entrada estética que atrae al visitante, pero también justifica nuestro trabajo: la creación de tejidos de calidad que permitan haceros soñar. Durante este año incierto os hemos intentado sorprender con escaparates artísticos que juegan con conceptos que nos representan como el lujo, la elegancia, la fantasía, la evasión o la cotidianidad a través de nuestros maniquís que se han vestido con los tejidos más espectaculares de la temporada junto con otros elementos que esperamos que os hayan sorprendido. Un moulage nupcial, un picnic en clave chic o una interpretación femenina de los Reyes Magos. Son algunas de las escenas que habéis podido observar a través de la ventana de nuestro espacio Gratacós.

Ahora sí, antes de dar la bienvenida al nuevo año, aprovechamos este post para despedir 2021 con la certeza de que ha sido un año de transición que nos ha permitido mantenernos estables gracias a la cohesión entre equipos y vuestro apoyo y confianza en esta marca de tejidos familiar. Albergamos nuevas perspectivas para 2022 y queremos seguir adelante con nuevos artículos que destacaran por su calidad, creatividad y capacidad para sorprendente. Emocionaros, en definitiva. ¡Feliz Año Nuevo!

Marzo 2021. Nuevo rumbo

Un año después del inicio de la pandemia nos despertamos soñando con planificar las vacaciones que se acercaban con una relajación de las restricciones. Semana Santa, los puentes de mayo y la no tan lejana desconexión estival. El inicio de la primavera también marcó un escaparate de inspiración minimalista protagonizado por dos maniquís vestidas para la ocasión para rendir homenaje a esas celebraciones nupciales que volvían a la palestra. Sastrería, detalles en plumas y dos tonos antagónicos que captan el incipiente cambio de estación: el verde bosque y el rosa empolvado.

Abril 2021. Campanas de boda

Como manda la tradición, abril es el mes nupcial por excelencia y desde Gratacós reservamos siempre este escaparate para visibilizar el trabajo de una de las ganadoras del concurso de moulage del postgrado de diseño de vestidos de novia de IED Barcelona. Se trata de una oportunidad que ofrecemos para dar a conocer el trabajo de los nuevos talentos del diseño nupcial. Este año, Eva Escudero elaboró este impresionante vestido de novia de diseño asimétrico y gran falda vaporosa siguiendo los pasos de esta singular técnica de corte y confección.

Mayo 2021. Espíritu campestre

En el mes de las flores, la firma Joplin Atelier de las hermanas Laura y Aida Molano convirtió nuestro espacio de entrada en un picnic urbano de aires provenzales. Los vestidos de tul con pequeños lunares elaborados con nuestros tejidos, los detalles en lazadas y los tonos pastel protagonizaron un escaparate en clave chic con multitud de detalles para llevar a cabo esta merienda al aire libre. Una representación artística que retrata el espíritu de evasión que nos conecta con la naturaleza.

Julio 2021. Tiempo de evasión

El mes estival por excelencia es un homenaje a las verbenas, a la diversión y el desenfado manteniendo esa actitud hedonista para tomarse la vida un poco más a la ligera, disfrutando de todos los placeres terrenales. Julio es de carácter fresco, juvenil y atrevido como demuestra el atuendo de nuestra maniquí en tejido de cuadros vichy rosa. ¡Qué empiece la fiesta!

Septiembre 2021. Volver a empezar

Septiembre es el mes oficial de los inicios. La nueva temporada, el cambio de estación, la vuelta a las rutinas… ilustramos el mes más ajetreado del calendario haciendo un homenaje a la comodidad a través de una gabardina tipo albornoz elaborada en tweed verde pistacho, todo hilo tintado muy atrevido, de tacto lanero y peso grueso. Una alfombra de hojas secas marca el comienzo del otoño que en Barcelona es ligero y suave. 

Octubre 2021. El mes rosa

Se le llama el mes rosa porque es reconocido mundialmente con este color femenino para crear conciencia a hombres y mujeres sobre el cáncer de mama y promover la autoexploración, las revisiones y chequeos para poder detectarlo a tiempo. Nuestro homenaje al mes más delicado, sutil y romántico lo hizo Rosa Cano, alumna de la ESDI, Escuela Superior de Diseño con estos modelos de tejidos contrapuestos que juegan con toda la gama de pasteles y nudes. ¡Uno de los escaparates más espectaculares del año!

Noviembre 2021. ¡Qué empiece la fiesta!

La proximidad de las fiestas navideñas convierte noviembre en un mes de preparativos. Compras que se adelantan, luces que se encienden y la búsqueda de los outfits más sorprendentes para llenar de magia las fiestas. La diseñadora Claudia del Institut Català de la Moda (ICM) presenta tres modelos de la colección ‘Ritmos’. Vestidos voluminosos con metros y metros de sugerente organza para celebraciones llenas de fantasía.  

Diciembre 2021. Las tres reinas

Acabamos el año contando de nuevo con la colaboración de Joplin Atelier y su propuesta en clave femenina. Nuestras “Tres Reinas Magas” son un homenaje a la fortaleza de la mujer, capaz de lidiar todos los ámbitos de su vida con empeño y maestría. Ellas son la piedra filosofal de muchas familias y en especial durante el ajetreo de las fiestas navideñas. Las maniquís comparten turbante y corona a conjunto con sus vestidos cortos de cuello cerrado y mangas abullonadas elaboradas con raso de acetato y lamé. Bajo sus pies resguardan todos los regalos, el símbolo del acto de compartir (y recibir).

Diciembre es el mes de los ritos y las tradiciones marcadas especialmente por la Navidad y la cercanía con nuestros seres queridos. Para los diseñadores, hay una que se espera con cierto entusiasmo: la de conocer finalmente el color que marcará el año siguiente y que dicta por estas fechas, Pantone. La autoridad mundial del color ha vuelto a comunicar la tonalidad que marcará el año 2022 en ámbitos tan multidisciplinares como el diseño, el arte, la publicidad o la moda. Se llama Very Peri y es una tonalidad novedosa basada en el color lila que, según aseguran, “mantiene una atrevida presencia y estimula el ingenio y la creatividad personal”. ¿Tiene mejor carta de presentación?

Como ya sabéis, la elección anual de un color no se hace al azar ni es fruto del capricho porque conlleva un profundo estudio y análisis de tendencias por parte de los trendhunters del Pantone Color Institute. Con un estudio profundo del impacto que tendrán diversas exposiciones, obras de arte, películas que se estrenarán el próximo año, los destinos más populares, las nuevas tecnologías y en conjunto, el estado de ánimo global, tienen una discusión meticulosa y dimensionan la impresión que cada aspecto tendrá. Antes de cerrar el año, los expertos han revelado lo que nos depara el 2022.

“La creación de un color nuevo por primera vez en la historia de nuestro programa de colores es el reflejo de un proceso de innovación y transformación a nivel mundial” asegura Laurie Pressman, vicepresidenta del Instituto Pantone del Color.

“El Pantone Color of the Year es el reflejo de lo que está ocurriendo en nuestra cultura mundial y expresa la respuesta a lo que las personas buscan en este color”, asegura Laurie Pressman, vicepresidenta del Pantone Color Institute”. Y añade: “La creación de un color nuevo por primera vez en la historia de nuestro programa de colores educativo Pantone Color of the Year es el reflejo de un proceso de innovación y transformación a nivel mundial. A medida que la sociedad reconoce los colores como una forma de comunicación fundamental y como una manera de expresar, captar, conectar e influir en ideas y emociones, esta nueva y compleja tonalidad azul fusionada con un rojo violáceo resalta el abanico de posibilidades que se nos presenta”.

En este caso, al englobar las cualidades de los azules y, al mismo tiempo, contar con un matiz rojo violáceo, PANTONE 17-3938 Very Peri muestra una actitud alegre y animada, así como una presencia dinámica que estimula la valentía de crear y una expresión imaginativa.

Descifrando la enigmática tonalidad de 2022

Very Peri representa la perfecta fusión entre azul y rojo. Un puente entre dos tonalidades primarias que se interrelacionan dando fruto a esta enigmática tonalidad. Según Pantone, Very Peri es el fruto de una confianza despreocupada y una curiosidad atrevida que anima a nuestro espíritu creativo, inquisitivo e integrante. La autoridad del color considera que esta tonalidad ayuda a abrazar este paisaje alterado de posibilidades y abre una nueva visión para que cada uno pueda reescribir su propia vida. Reavivando la gratitud por algunas de las cualidades que representa el azul complementadas con una nueva perspectiva que resuena hoy, PANTONE 17-3938 Very Peri coloca el futuro por delante bajo una nueva luz.

Very Peri muestra una actitud alegre y animada, así como una presencia dinámica que estimula la valentía de crear y una expresión imaginativa.

En tiempos de transformación, Very Peri es un símbolo del espíritu de nuestra era global actual y de la transición que se vive hoy en día. A medida que se sale del período de aislamiento, marcado por la pandemia mundial, las nociones y estándares están cambiando y las vidas físicas y digitales de las personas se han fusionado de nuevas formas creando híbridos. Esta tonalidad también simboliza el auge por el diseño digital, que ayuda a estirar los límites de la realidad, abriendo la puerta a un mundo virtual dinámico donde se puede explorar y crear nuevas posibilidades de color. Con las tendencias en los juegos, la creciente popularidad del metaverso y la creciente comunidad artística en el espacio digital, PANTONE 17-3938 Very Peri ilustra la fusión de la vida moderna en correspondencia con las tendencias de color en el mundo digital y como juntos se manifiestan en el mundo físico y viceversa.

Este color ilustra la fusión de la vida moderna en correspondencia con las tendencias de color en el mundo digital y como juntos se manifiestan en el mundo físico y viceversa.

¿Cómo aplicamos Very Peri en el mundo de la moda?

Lo decíamos al principio. Very Peri es el color que busca transmitir valentía, fomentar la reinvención y estimular la creatividad mostrando una confianza despreocupada y una infinita curiosidad. Es un tono fresco, versátil y genderless que se adapta a una gran variedad de tejidos, texturas y relieves, proporciona un toque de color y para nada, pasa desapercibido. En las pasarelas, esta tonalidad ha protagonizado looks monocromáticos en los desfiles de las nuevas colecciones veraniegas de Isabel Marant, Balenciaga, Thom Browne o Ermanno Scervino.  Otras firmas como Lanvin o Marine Serre han optado por combinar este tono violáceo con estampados arty y tonalidades neutras.

Desde Gratacós disponemos de varios tejidos de temporada donde la tonalidad Very Peri es la protagonista. La encontrarás en artículos lisos y a través de estampados o en su versión más sofisticada con relieves, iridiscencias y pedrerías. Aprovecha para redescubrir la colección que tenemos expuesta en nuestra tienda online.

La carrera de Dominnico hace cinco años que despegó, pero ahora, su breve trayectoria ha recibido un nuevo empujón que le ayudará a seguir hacia adelante y más, en tiempos difíciles. No es fácil desmarcarse como marca, crear una imagen identificativa, hacerse un hueco entre el prêt-à-porter de las firmas de lujo y las propuestas disruptivas de los nuevos talentos, y hablarles a los jóvenes de la Generación Z de tú a tú a través de piezas de ropa que apelen sus inquietudes y reflejan valores como la diversidad, la sostenibilidad y la vanguardia. Domingo Rodríguez Lázaro (Alicante, 1994), el diseñador que capitanea Dominnico, ha conseguido dejar huella en la heterogénea industria de la moda española, creando un lenguaje propio con códigos estéticos muy visuales que ensalzan la belleza de las mujeres desde el atrevimiento, siempre manteniendo esta óptica hacia los valores tradicionales como el respeto por la artesanía y el oficio a través de patrones meticulosos, la investigación de tejidos y una visión futurista de la moda.

El mayor premio de la moda española

La última distinción que posiciona la obra de Dominnico ha sido llevarse bajo el brazo el Vogue Who’s On Next (WON), el mayor premio de la moda española. Este galardón lo convoca Vogue España desde hace ya diez ediciones en colaboración del grupo Inditex y está dotado con 100.000 euros, una remuneración clave para el sector por su impulso a los jóvenes talentos. El premio también conlleva la posibilidad de desfilar en Mercedes-Benz Fashion Week Madrid (MBFWM), la entrada a la Asociación de Creadores de Moda de España (ACME) y el apoyo y la mentoría de Vogue.

El jurado, que entregó el premio el pasado 25 de octubre, definió el trabajo de Dominnico como “de prêt-à-porter con acabados de alta costura”. El diseñador, lleno de emoción, agradeció el premio a sus padres y a sus íntimos, y le dio la enhorabuena a sus dos compañeras finalistas que también optaban al galardón, Sonia Carrasco y Reveligion. Ésta era la segunda vez que el diseñador alicantino se presentaba al premio. La primera llamada de Vogue, en marzo de 2020, lo pilló al principio del confinamiento, mientras perfilaba las líneas de su propuesta para la primavera en su estudio de Barcelona. La segunda, el pasado mayo, lo sorprendió justo en medio de una reunión, preparando con su equipo el lanzamiento de la tercera entrega de la colección otoño/invierno 2021-22 a través de su tienda online.

Ahora, Dominnico entra a formar parte de los otros nombres de una generación que ha renovado la moda española y que también ha ganado el premio WON en otras ediciones por su talento y visión dentro del sector como Palomo Spain, Juan Vidal, Moisés Nieto, Leanadro Cano, Carlota Barrera, Mans Concept Menswear y Maria Ke Fisherman.

Un repaso a su carrera meteórica

Domingo Rodríguez Lázaro se formó en la escuela LCI de diseño y artes visuales, donde se especializó en tratamiento de pieles y pelo natural. El joven diseñador lanzó Dominnico en 2016 con un objetivo marcado: crear una marca personal que se entendiera como un mensaje para la nueva generación. Una firma de contenido, pero exquisita en el detalle, virtud que el alicantino atribuye como herencia de su madre que es una artesana bordadora experta en trenzado mallorquín.

En paralelo a los desfiles de Madrid y Tiblisi, lanzaderas de jóvenes talentos, Dominnico ganó popularidad dos años más tarde cuando Lady Gaga compareció en público luciendo algunos de sus característicos conjuntos metalizados. Enseguida se le unieron Rita Ora, Aitana y la mismísima Rosalía, a la que visitó para la gira en Estados Unidos de ‘El mal querer’ y sus recordadas actuaciones en el Primavera Sound y el Mad Cool de 2019. La cantante lució inolvidables trajes creados con algunos de nuestros tejidos más espectaculares. ¿Los recordáis? A todo ello, hay una frase que queremos rescatar del diseñador: “No soy de comprarme unas Balenciaga de 900 euros, soy de gastarme 2.000 euros en tejidos para poder hacer una colección que luego me dé de comer”, aseguraba Dominnico en Vogue. Una cita que marca una actitud de futuro: un creador comprometido con una visión y una actitud siempre por delante.

Hay algo más que cabe destacar. El diseñador crea prendas pensadas para llevar de noche, dirigidas para el espectáculo con piezas distinguidas que se inspiran en formas, volúmenes y tejidos de estética futurista. Tafetán y organza tecnológicos, Jacquard y PVC con impresión holográfica, tules y lúrex… son mezclas que hablan tanto de su dedicación a la investigación textil como de su patronaje acurado. A pesar de vestir a mujeres con carácter del mundo del espectáculo, Dominnico siempre ha considerado que su marca, en realidad, no distingue género.
Desde Gratacós nos alegramos de este nuevo reconocimiento que recibe uno de nuestros diseñadores más queridos. ¡Enhorabuena Dominnico y a por muchas distinciones más!

Desde Gratacós seguimos de cerca las pasarelas españolas porque nos gusta apreciar la creatividad de los diseñadores en forma de impactantes prendas de temporada y como, en ocasiones se cuela alguno de nuestros tejidos entre los looks de sus magníficas colecciones. Después de la Mercedes-Benz Fashion Week Madrid de septiembre, la última cita con la moda la sostuvo el 080 Barcelona Fashion el mes pasado, en una nueva exhibición de moda y poderío. 

La pasarela catalana volvió a apostar por el formato digital presentando por tercera vez consecutiva, cortometrajes de moda previamente grabados y editados de 22 diseñadores que participaron en la última edición. Esta vez, el set de rodaje de las piezas audiovisuales tuvo lugar en un espacio que rompió con el legado modernista de las últimas ediciones: el complejo residencial y arquitectónico de Xavier Corberó situado en Esplugues de Llobregat. Una maravillosa obra escultórica de hormigón y cristal de carácter racionalista con edificios oníricos que recuerdan la pintura metafísica de Giorgio de Chirico o el arte matemático de Escher. 

A continuación, os explicamos al detalle algunas de las colecciones que nos sorprendieron más con diseñadores que mantienen discursos creativos vinculados con la singularidad, la artesanía, la sostenibilidad o la proximidad.

Avellaneda

Avellaneda convirtió el espacio XC del complejo arquitectónico Xavier Corberó en una fiesta glamourosa de manual exhibiendo belleza, juventud y buen gusto en el vestir. En la nueva colección, el diseñador barcelonés Juan Avellaneda se inspiró en la ciudad y en los individuos que habitan en ella y comparten secretos, pasiones, romances efímeros, promesas eternas e instantes de diversión. Esta jungla urbana consistía en una propuesta sofisticada de looks de cóctel con guiños al estilo safari: una revisión del animal print de cebra, chaquetas con lentejuelas y pantalones baggy de tonalidades tierra. Estas piezas novedosas convivían con sus buques insignia de la firma: esmóquines, vestidos con sensuales aberturas, sedas, volantes y lentejuelas reinan en prendas de patrones atrevidos en una propuesta singular que mezcla exotismo con su habitual elegancia. Las bases neutras, el binomio blanco y negro, el rojo y el fucsia dieron color a esta colección festiva que juega con los códigos clásicos del buen vestir. 

Eiko Ai

Eiko Ai aporta un nuevo valor en la moda femenina uniendo conceptos como la sofisticación y la sensualidad en la ropa que crea de estilo casual de todo llevar. Siempre con ese punto de magia que invite a las clientas a soñar a través de los diseños. En esta ocasión, la firma liderada por Glò Lladó ha presentado en el 080, una colección que representa un viaje fantástico hacia la montaña para hacernos descubrir las ninfas del bosque. Estas criaturas de poder evocador, que inspiran mitos y leyendas, se han vestido con combinaciones de dos piezas con sujetadores -un rasgo distintivo de Eiko Ai-, chaquetas tipo bomber de tamaño oversize, gabardinas con tejidos brillantes y vestidos vaporosos de cortes sorprendentes que insinúan sin mostrar en exceso. Todo ello adornado con tejidos de lentejuelas, terciopelos, satenes, encajes y materiales iridiscentes que crean sensuales transparencias en el cuerpo de las modelos. Las siluetas tienen un punto minimalista inspirado en la década de los 90 y los looks lenceros se funden con los festivos en esta emocionante propuesta teñida de verdes profundos, plateados y lavandas que atrae a primera vista.

Moisés Nieto

El diseñador de Úbeda (Jaén) debutó en la pasarela catalana haciendo gala de sus credenciales: diseño contemporáneo combinado con la pasión por la artesanía y el oficio que caracteriza su estilo elegante desde la contención. En la nueva colección para la próxima temporada, Moisés Nieto hace un viaje al pasado para conectar de nuevo con su infancia en Andalucía. De los veranos de los años 90, el diseñador escoge elementos rescatados del recuerdo que le sirven para dar forma a una propuesta que habla de la cotidianidad: el crochet de los paños, los visillos de las cortinas, los encajes o las plantas del patio son una representación de los recuerdos que nos llevan a los eternos y calurosos veranos del sur. La firma sostenible da forma a su particular visión en amplios vestidos midi y faldas de seda plisadas. Prendas ligeras confeccionadas con tejidos de algodón ecológico o seda y mezcladas con técnicas artesanales como el punto, el crochet y el macramé. Vale la pena destacar las texturas exhibidas que juegan con diferentes pesos y estructuras para crear volumen en las prendas femeninas que suman detalles inesperados. Como sucede en colecciones anteriores, el diseñador se acerca a la artesanía y pone en valor la sostenibilidad, dos aspectos que se han convertido en los sellos más visibles de la firma española. 

Y_Como

Por último, destacar el nuevo trabajo de Cristina y Yolanda Pérez de Yolancris en la nueva marca, Y_Como, que vuelve a sorprender con una nueva colección basada en la investigación y el proceso creativo. La propuesta de verano presentada en el 080 Barcelona Fashion se inspira en el cuadro ‘El jardín de las delicias’ de El Bosco. Concretamente en el panel que hace referencia al Paradiso con una interpretación libre, pero llena de referencias visuales que remiten a la obra centrada en la creación. En la primera escena del fashion film, ambientada en el jardín arquitectónico de Xavier Corberó, van apareciendo las modelos que encarnan los personajes del cuadro: hay el búho que representa el mal que contempla que se caiga en la tentación, las figuras de Adán y Eva, y un seguido de animales exóticos que son representados por modelos de estética barroca que muestran espectaculares túnicas doradas con bordados florales. También conviven otros sensuales vestidos negros, prendas con multitud de retales florales y el denim, el tejido estrella de la creativa firma prêt-à-porter​ con vestidos voluminosos que le dan un punto de rebeldía a esta sensual propuesta de Y_Como. 

¿Es el negro un color? Aún hay debate en el que representa el tono más oscuro, el resultado de la ausencia o absorción completa de la luz visible.  El negro es un color sin matiz, una base neutra como el blanco -su opuesto- y el gris. Carece de tonalidad y luminosidad porque absorbe la luz sin reflejar ninguno de los rayos que lo componen. Históricamente se ha utilizado el color negro para representar la oscuridad, el luto, la solemnidad y la autoridad, pero también se ha vinculado con la elegancia, el inconsciente y el individualismo. Especialmente en el último siglo, el más revolucionario de todos. El negro simboliza el caos. Ahora, vuelve a la palestra como color primario y absorbe al resto de contrincantes, pero antes indaguemos un poco en el imaginario de un color sin color. 

De orígenes prehistóricos: Arte, inframundo y muerte.

El negro fue uno de los primeros colores utilizados en el arte. Lo emplearon los artistas paleolíticos en las pinturas rupestres con dibujos de toros y otros animales elaborados con carbón vegetal y más adelante, se fabricaron pigmentos de tonalidades más intensas con óxido de manganeso o huesos de animales. En la Antigüedad, los egipcios le dieron al negro asociaciones positivas: era el color que representaba la fertilidad (el suelo inundando por el Nilo era negro). También representaba el dios Anubis, guardián del inframundo, quien tomó la forma de un chacal negro y ofrecía protección contra el mal a los muertos. Para la Grecia Clásica, el negro también era el color del “otro mundo”, separado del terreno de los vivos por el río Acheron, cuyas aguas eran negras. Los griegos a menudo utilizaban este color en alfarería con figuras negras contrapuestas a otras figuras rojas. Curiosamente, en la jerarquía social de la antigua Roma, el negro fue usado por los artesanos. No era una tonalidad profunda y rica porque los tintes vegetales que utilizaban para hacer negro no eran sólidos ni duraderos, por lo que a menudo se desvanecían a grises o marrones. El negro también fue el color romano de la muerte y el luto. En el siglo II a.C., los magistrados romanos comenzaron a usar una toga oscura para ceremonias fúnebres. En la poesía romana, la muerte se llamaba la hora negra. 

De la oscuridad del medievo al Renacimiento

En la Edad Media, el negro se asoció con el mal y la oscuridad. Era el color de la magia, de la brujería y las artes oscuras. De hecho, el diablo en las pinturas medievales se representaba con forma humana, pero con alas, piel y cabellos negros. De negro, también se vistió Europa durante los episodios de peste bubónica como señal de duelo. En la moda de la época, el negro no tenía el prestigio del rojo, el color de la nobleza y fue usado por los monjes benedictinos como un signo de humildad y penitencia. A pesar de ello, el negro también podía simbolizar el poder como el secreto en el mundo medieval. El emblema del Sacro Imperio Romano de Alemania era un águila negra. También el caballero negro en la poesía de la Edad Media era una figura enigmática, sin identidad. 

En el Renacimiento, las connotaciones del color negro comenzaron a cambiar. Llegaron al mercado tintes negros de alta calidad que permitían elaborar prendas de un negro profundo y rico. Fue en esa época cuando los magistrados y los funcionarios del gobierno se ataviaron con sus túnicas negras, como signo de la importancia y de la seriedad de sus posiciones. Como solo la nobleza podría llevar colores vivos como el rojo o el azul real, la floreciente clase media como banqueros y comerciantes empezaron a adaptar el negro en sus túnicas y vestidos para distinguirse socialmente.

El color de la corte española durante el Siglo de Oro

El negro fue el color de moda en la España del Siglo de Oro. Se convirtió en el color emblema de los Habsburgo españoles, de Carlos V y de su hijo, Felipe II que lo veían como un símbolo del poder, la dignidad, la humildad y la templanza. Una potencia mundial como fue España después del descubrimiento de América, dictaba la moda y trasladó el gusto en el vestir de la corte española al resto de Europa. El negro era austero y sobrio, pero también rico en matices y hacía apreciar mejor la complejidad de los tejidos utilizados. Como más brillante y sólido era, más estatus social tenía la persona que lo lucía. 

En la pintura barroca también hubo un resurgir del color negro en el tratamiento de la luz y la sombra en las obras de Caravaggio y Rembrandt o en las pinturas de Velázquez, y más tarde Goya. ¿Quién no recuerda sus famosas pinturas negras? Más tarde, cuando los Países Bajos se convirtieron en una nueva potencia mundial, determinaron una nueva moda: se aflojó la vestimenta y las rígidas golas, pero los colores no volvieron porque entre los holandeses había triunfado la Reforma, y el color de los protestantes también era el negro.

El negro en la era contemporánea

En el siglo XVIII, durante la Era de la Ilustración europea, el negro perdió fuelle como color de moda. París se convirtió en la capital de la moda, y los pasteles azules, verdes, amarillos y blancos se convirtieron en los colores de la nobleza y las clases altas. Después de la Revolución Francesa, el negro volvió a instaurarse como el color dominante. De negro también se recuerda la Revolución Industrial, en gran parte alimentada por el carbón y más tarde por el petróleo. Charles Dickens y otros escritores de la época describieron las calles oscuras y los cielos ahumados de Londres, y se ilustraron vívidamente en los grabados del artista francés Gustave Doré. El negro también fue el color de la literatura romántica. El tono de la melancolía, del romanticismo y de la nostalgia del pasado. Castillos tormentosos, noches lluviosas, reuniones secretas por la medianoche… el negro tenía un componente fantástico y lo adoptaron los poetas de la época.

El negro de los artistas impresionistas 

El impresionismo no reconoció el negro como color. Esta corriente pictórica iniciada en Francia hacia 1870, fue muy popular y, aún hoy, el espectador considera los cuadros impresionistas como la culminación de la belleza pictórica. Édouard Manet usó el color negro por su fuerza y efecto dramático. El retrato de la pintora Berthe Morisot de Manet fue un estudio en negro que capturó perfectamente su espíritu de independencia.  El negro le dio a la pintura poder e inmediatez. Henri Matisse citó al impresionista francés Pissarro diciéndoles: “Manet es más fuerte que todos nosotros: hizo la luz con el negro”. Otro célebre pintor: Pierre-Auguste Renoir usó negros luminosos, especialmente en sus retratos. Cuando alguien le dijo que el negro no era un color, Renoir respondió: “¿Qué te hace pensar eso? El negro es el rey de los colores”. Vincent van Gogh usó líneas negras para dar forma a muchos de los objetos en sus pinturas. En el siglo XX, el color negro también vivió un nuevo esplendor. El pintor ruso Kazimir Malevich, creó el ‘Cuadrado negro’ en 1915 y es considerada la primera pintura puramente abstracta. Para Henri Matisse, el negro era un color apreciado. “Cuando no sabía que color dejar, pongo negro”, dijo en 1945.

Un símbolo del individualismo

La vestimenta negra concentra en el rostro, considerado el centro de la individualidad, la impresión que una persona produce. No en vano, en la década de 1950, el negro se utilizo como un símbolo de la individualidad y la rebelión intelectual y social, el color de los que no aceptaron las normas y los valores establecidos. El filósofo Jean-Paul Sartre iba siempre de negro. La cantante Juliette Greco, que encarnó el existencialismo en actitudes más populares, era famosa por sus ojos con sombra negra, sus pantalones de pana negros y su jersey negro de cuello alto que le llegaba hasta el mentón. El negro se hizo popular también como color diferenciador entre todos los grupos que no se sentían como parte integrante de la masa y que no participaban de los valores de la adaptación. Los rebeldes sin causa usaban invariablemente cazadoras de cuero negro. Luego apareció el reinado del rock’n’roll, la moda punk y la subcultura gótica con un tipo de moda fúnebre inspirada en la era victoriana. 

El color favorito de la moda del siglo XX

El negro es el color de la elegancia porque supone renunciar a la pompa y al deseo de llamar la atención. Quien viste de negro, renuncia incluso al color. Por eso, ir de negro simboliza ir acertado sin riesgo. Esto se manifiesta especialmente con la moda masculina más conservadora: los trajes elegantes, el frac y el esmoquin, son siempre negros. El negro también fue considerado el color que vestían los artistas para que el personaje no eclipse la obra: quien viste de negro no necesita hacerse el interesante con otros colores, le basta la personalidad.

Uno de los grandes nombres de la moda que revolucionó la moda femenina del siglo XX fue Coco Chanel. La diseñadora francesa simplificó el vestuario de las mujeres con su gran obra maestra: el little black dress. El vestido corto que hasta hoy ha sido ideal para todas las ocasiones formales. “Una mujer necesita tres cosas: un vestido negro, un jersey negro y, en el brazo, el hombre que ama”, decía. El negro también fue el color preferido de Cristóbal Balenciaga, que quiso rescatar el esplendor que tuvo siglos atrás y llevarlo de nuevo a la moda. También tuvo poder en Christian Dior que afirmaba que el color negro “podía llevarse en cualquier momento, a cualquier edad y para cualquier ocasión”. Por su parte, el diseñador Gianni Versace consideraba que el negro: “Es la quintaesencia de la simplicidad y la elegancia”, y el diseñador francés Yves Saint Laurent dijo: “el negro es el enlace que une arte y moda”. De toda la historia entre cine y moda, uno de los vestidos negros más famosos del siglo pasado fue diseñado por Hubert de Givenchy y usado por Audrey Hepburn en la película ‘Desayuno en Tiffany’s’ de 1961. 

Los diseñadores también visten de negro

Lo hemos visto. El negro ha cautivado a la industria de la moda con su elegancia discreta y su armonía cromática en la que tejidos y texturas también desempeñan un papel fundamental. De hecho, muchos de los asistentes de la industria que se sentaban en el front row les denominaban black crows (cuervos negros) por la indumentaria que acostumbraban a lucir siempre. Más allá de una tendencia del momento al reclamar su trono en el invierno de 2021 con looks monocromáticos, vestir de negro de la cabeza a los pies ha sido siempre una opción acertada que no tiene porque ser aburrida o monótona. Las pasarelas han vuelto a hablar por sí solas con propuestas que le dan un twist a este “uniforme” imperecedero.  Alberta Ferretti, Fendi, Isabel Marant, Versace, Chanel, Gucci o Dolce&Gabbana revisan los looks de temporada que se tiñen de riguroso negro.

Más allá de la sofisticación, el misterio, la elegancia o el individualismo, este color a su vez también ha sido adaptado por famosos diseñadores contemporáneos que lo han convertido en su color preferido para exhibirse de cara a la galería. Eso sí, cada uno es fiel a su estilo. Es imposible no imaginarse a Carolina Herrera sin su falda negra por la rodilla; a Tom Ford sin sus perfectos trajes negros o a Karl Lagerfeld sin sus icónicas gafas negras. En sus versiones más casual destacan, por ejemplo, Alexander Wang con camiseta y vaqueros negros o Yohji Yamamoto que hizo del color negro todo un emblema del diseño japonés. “El negro es modesto y arrogante al mismo tiempo. El negro es algo perezoso y fácil, pero también misterioso”. Del color sin color por excelencia también inmortalizó una frase al periódico The New York Times: “Yo no me meto contigo, así que tú no me molestes”. Y aplica su mantra hasta las últimas consecuencias tanto en sus diseños como a la hora de vestirse a sí mismo. Coherencia, ante todo.

Los tejidos de la nueva colección SS22 ya se han estrenado en las pasarelas. La primera en exhibir algunos de nuestros artículos ha sido la Mercedes-Benz Fashion Week Madrid que ha tenido lugar en la capital española durante el mes de septiembre. Diseñadores como Duyos, Malne, Isabel Sanchís, Roberto Torretta o Teresa Helbig, han expuesto en la nueva edición, sus diseños jugando con algunos de los tejidos más especiales de la próxima temporada. Te recopilamos los looks más destacados, así como el espíritu de cada colección. Una vez más, también agradecemos el apoyo de los diseñadores por confiar en nosotros. 

Duyos

Juan Duyos ha vuelto a la Mercedes-Benz Fashion Week Madrid por la puerta grande: entre aplausos, celebraciones y también un premio bajo el brazo. La colección galardonada es un homenaje a Madeira y representa todo un canto a la vida a través del color, los tejidos y la artesanía. La isla portuguesa ha servido al diseñador madrileño como inspiración para presentar una propuesta diurna pensada para llevar y disfrutarla durante varias ocasiones vinculadas con el ocio y el relax. ‘Un jardín flotante’ -así se llama la colección- imprime fuerza, energía y tradición a través de los paisajes deslumbrantes, la belleza salvaje del Atlántico, las tradiciones y la sorprendente gastronomía que empapan los looks y la puesta en escena, para la primavera-verano 2022.

La colección irradia la fuerza y el color de la isla. Desde las primeras salidas que son vibrantes y apetecibles y donde aparecen trajes hechos con un tejido típico de Madeira, de rayas de colores y adornos de flecos, motivos que se repiten en varios looks de la colección. En cuanto a tejidos, se muestran algodones cómodos con alegres bordados florales. El contrapunto lujoso lo añaden las sedas, el lúrex y las lentejuelas que dan brillo a la propuesta veraniega. También llaman la atención las siluetas grandes y generosas, las superposiciones de prendas, el juego de volúmenes y la mezcla de estampados y texturas para recuperar el espíritu lúdico, pero funcional de la moda de Duyos. El color también acapara la atención en sus tonalidades más radiantes: rojo intenso, azul vivo, naranja y, sobre todo, varias tonalidades de verdes. Una paleta cromática explosiva que exalta la juventud e impulsa el ánimo. Se avecinan buenos tiempos. En moda, también.

Isabel Sanchís

Isabel Sanchís ensalza los oficios de la industria con una propuesta femenina que vincula la clara simbiosis entre la moda y la artesanía. ¿Cómo? A través del detalle con proveedores capaces de crear tejidos especiales que inspiran, bordadores, artesanos del metal y plisadores. Todos ellos, junto con el equipo de la diseñadora valenciana, han contribuido a crear una colección sublime, que inspira alegría y positividad y que celebra la creatividad y el trabajo artesanal.

En la colección primavera-verano 2022 aparecen drapeados delicados y plisados en contraposición a diseños más estructurados y volumétricos, también están presentes vestidos mini y de alta costura en los cuales siempre aparece el sello indiscutible de la elegancia, una cualidad que está presente en todos los diseños de Isabel Sanchis. La paleta de colores es ecléctica y va desde los tonos neutros hasta los más atrevidos: desde un rosa flúor pasando por los tonos pistacho, naranjas, verdes lima y detalles metálicos. Una colección con investigación analítica, piezas prácticas y responsabilidad social.

Malne

Paloma Álvarez y Juanjo Mánez son el tándem que cimienta Malne, una firma de diseño de prêt-à-porter de lujo y costura con sede a Madrid. En su última propuesta, presentada en la pasarela española, los diseñadores han reivindicado el espíritu del artista al servicio de la moda. Más allá de las temporadas, esta próxima primavera, Malne vuelve a sus orígenes con una propuesta artesanal de series limitadas de prendas y abanderando más que nunca el estilo de una firma propia.

Para Malne, la moda significa ilusión y arte, empoderamiento femenino, abundancia de talento y creatividad y también, exceso. Precisamente así se llama la nueva propuesta para la próxima temporada. En el desfile, no nos ha pasado desapercibido uno de nuestros tejidos más especiales que recrea a través de flores escultóricas, ese espíritu artesanal que quiere poner en valor la firma.

Roberto Torretta

Las flores 3D también estuvieron presentes en el desfile primavera-verano 2022 de Roberto Torretta en sofisticados tejidos de color negro, ricos en apariencia y tacto. El diseñador argentino, afincado desde 1972 en España, ha lanzado una colección con propósitos renovados. El enfoque de la nueva propuesta es amigable con un nuevo tipo de moda más respetuosa, contemporánea, conectada de manera profunda con la naturaleza, las ciudades y las nuevas tecnologías.

La mujer de Roberto Torretta aspira al confort y a la versatilidad a través de siluetas dinámicas y relajadas en algodón sargado blanco perfecto o en lino verde. El optimismo también se desata en vestidos espontáneos, de patrones alegres y estampados florales o en lisos suaves de color amarillo o azul. Para la noche, han abundado los tejidos crepados, metalizados, diseños que recrean suaves 3D y sastrería de lujo.

Teresa Helbig

Este 2021, Teresa Helbig ha cumplido 25 años en la profesión con una identidad reconocible, una visión de autor y una fe inquebrantable en colecciones formadas por prendas-joya destinadas a habitar durante muchos años en el armario de sus dueñas. 

Con motivo de su celebración y para celebrar su trayectoria, la diseñadora catalana ha presentado ‘Once Upon in Los Angeles’. Una colección que rinde homenaje al origen de los recuerdos de Teresa Helbig, cuando jugaba en el atelier de su madre con telas y retales y soñaba en el poderío de las grandes artistas del cine clásico. Una propuesta timeless que se caracteriza por los universos de ensueño y la artesanía que pasa de la gran pantalla a la pasarela en forma de súper mujeres poderosas, independientes y reivindicativas. Una mujer Helbig nunca pasa desapercibida.