Collage de inspiración cowboycore. Fotos: Joplin Atelier, Free Form Style y Vanessa Mooney’s.

Cada año nos deleitamos con una nueva microtendencia que sacude la moda de temporada de forma caprichosa. El estilismo de una artista influyente, la última colección de una firma de lujo, un disco revolucionario, una película taquillera o las tendencias que más corazones y likes acumulan en TikTok o Instagram. Las redes sociales, que ya de por sí crean sus propios flechazos, influyen en la creación de estas tendencias pasajeras que llegan a los consumidores como un vendaval y se instauran en las editoriales y bazares de moda, reforzándose también en los escaparates de las tiendas de fast fashion. Otro fenómeno que confirma una microtendencia es que tan pronto emergen, tan rápido desaparecen.

Si el año pasado el foco de la moda iluminaba las microtendencias Barbiecore y Mermaidcore, inspiradas en la muñeca de Mattel y el magnetismo de las sirenas, esta temporada primaveral experimenta un cambio de registro, centrándose en la estética de los vaqueros del Salvaje Oeste. Y sí, Beyoncé y su nuevo álbum country tienen mucho que decir al respecto. En efecto, el estilo cowboycore sale de las grandes llanuras estadounidenses para capturar la imaginación de diseñadores, celebridades y el público en general con una interpretación contemporánea del western que renueva códigos de estilo para acercarse a la nueva generación, pero mantiene sus señas de identidad.

¿Por qué vuelve la cowboymanía? La actual resurgencia del cowboycore puede atribuirse a una mezcla de nostalgia y un deseo de autenticidad. En un mundo cada vez más digital y globalizado, las personas buscan conectar con estilos que evocan una sensación de historia y tradición. Además, la tendencia hacia lo sostenible y lo artesanal ha hecho que las prendas clásicas del oeste, muchas de las cuales están hechas de materiales duraderos, sean aún más atractivas.

Orígenes de la tendencia

El cowboycore encuentra sus raíces en la moda western, una estética recurrente en la cultura popular desde hace décadas. Las clásicas películas del oeste, las nuevas adaptaciones, las series de televisión de los años 60 y la música country, con artistas que captan la esencia de la América profunda, han ayudado a mantener esta moda que se percibe como un símbolo de libertad y rebeldía. Las prendas clave de esta tendencia incluyen todo tipo de ropa vaquera, chaquetas de cuero y ante con flecos, vestidos largos con volantes y camisas con motivos de flores o estampado de cuadros. En cuanto a accesorios, son indispensables las botas country, sombreros de ala ancha y cinturones con grandes hebillas metalizadas. Todo esto en una fusión de estilos y otras tendencias, como el glam y el streetwear, creando looks únicos y eclécticos. Así se ha percibido en las calles de Milán y París entre estilistas e influencers que han lucido su propia interpretación de la estética cowboy -o cowgirl-, coincidiendo con las principales semanas de la moda.

El cowboycore ha sido protagonista en varias colecciones de moda para 2024 y 2025, demostrando su relevancia y adaptabilidad. Algunas casas de moda destacadas que han adoptado esta tendencia son, por ejemplo, Dior en su colección Pre-Fall 2024, con chaquetas de cuero con flecos y botas de vaquero decoradas. También Balmain, con Olivier Rousteing incorporando elementos de la microtendencia en su colección Primavera/Verano 2024, fusionando la estética western con detalles glam y futuristas. Calvin Klein reinterpretó la estética en cuestión con líneas limpias y una paleta de colores neutros, destacando la durabilidad y el estilo clásico. A principios de año, Pharrell Williams se inspiró en el viejo Oeste y colaboró con artistas de Dakota y Lakota en su colección masculina para Louis Vuitton, llenando la pasarela de corbatas de bolo con piedras turquesa, botas cowboy de puntera afilada (estampadas, por cierto, con cactus) y vaqueros desgastados que parecían llevar encima varios rodeos. Por último, en las propuestas de Ralph Lauren o Roberto Cavalli también se pueden encontrar guiños a la estética de la América profunda.

Foto: Joplin Atelier

La moda cowboy entre artistas influyentes

Las celebridades juegan un papel crucial en su popularización. Una de las figuras más influyentes en hacer gala de esta tendencia es Beyoncé, quien, más allá de su nuevo álbum de música country, ha incorporado el estilo del Lejano Oeste en su vestuario de escenario y en sus videos musicales. Su gira ‘Renaissance’ ha sido testimonio de numerosos looks inspirados en la tendencia, con un toque moderno y glamoroso, consolidando su estatus como la reina de esta moda.

Artistas como Lil Nas X y Miley Cyrus también han abrazado la estética western, combinando elementos del oeste con toques modernos. El rapero estadounidense ha hecho de este estilo una parte central de su imagen, vistiendo botas de vaquero y sombreros en sus actuaciones y videos musicales. Kacey Musgraves, una estrella del country, también ha popularizado el cowboycore, mezclando elementos tradicionales del oeste con detalles brillantes y futuristas en sus atuendos de escenario. Su estilo ha influido tanto en la moda country como en la moda mainstream.

La relación entre la moda y la música es profunda y simbiótica, y el cowboycore es un claro ejemplo de esto. La música country ha sido una fuente constante de inspiración para la moda western, y viceversa. Artistas como Orville Peck, con su enigmático estilo y máscara de vaquero, han llevado el estilo a nuevas audiencias, fusionando la estética western con un toque más teatral, pero sofisticado a la vez.

El género pop también ha adoptado elementos con artistas como Billie Eilish y Post Malone incorporando botas de vaquero y chaquetas de mezclilla en sus estilos personales, mostrando la versatilidad y el atractivo universal de esta tendencia.

Más allá de la música

El impacto de la microtendencia se extiende más allá de la moda y la música, infiltrándose en otros ámbitos culturales como el cine, la televisión y las artes visuales. Películas y series de televisión recientes, como “Yellowstone” y “The Power of the Dog”, han presentado personajes con estilos que reflejan la moda western, contribuyendo a su resurgimiento.

En el arte contemporáneo, la estética cowboycore se manifiesta en obras que exploran temas de identidad, nostalgia y rebelión. Artistas visuales como Richard Prince han incorporado elementos del oeste en sus obras, creando un diálogo entre la cultura popular y el arte de alta gama.

Estos son solo algunos ejemplos de cómo esta microtendencia ha demostrado su capacidad para evolucionar y adaptarse a nuevos lenguajes contemporáneos, creando una fusión única de estilos. Desde las pasarelas hasta las calles, y desde la música hasta el arte, el cowboycore continúa influyendo y siendo influenciado por diversos ámbitos culturales. Su atractivo duradero y su capacidad para reinventarse aseguran que seguirá siendo una fuerza relevante en la moda y en otros contextos.

En Gratacós hemos encontrado en la actual colección algunos tejidos que nos remiten sutilmente a esta estética. Aquí te dejamos nuestras inspiraciones:

Exposición ‘Vistiendo un Jardín’. Todas las fotos publicadas son cedidadas por: Museo del Traje CIPE

Hace tiempo que no os recomendábamos una exposición, y acabamos de encontrar una muestra sorprendente que conecta frontalmente con algunas de nuestras inspiraciones más recurrentes y, concretamente, con la temática floral del Lookbook de este 2024. El Museo del Traje de Madrid acaba de estrenar la exposición ‘Vistiendo un Jardín’, una muestra comisariada por Gema Batanero que se centra en conectar la naturaleza con la moda a través de los motivos florales como eje vertebrador.

Un binomio histórico

Desde la Antigüedad, la naturaleza, y en especial los motivos florales, han sido una fuente de inspiración constante para el ser humano. Al igual que el autorretrato, las flores han centrado la atención y se han convertido en los primeros temas que la humanidad ha plasmado en el arte y en todas sus manifestaciones culturales. Esta conexión ha perdurado a lo largo de los siglos, especialmente en el ámbito de la moda y el diseño de interiores, donde decorar con flores significaba una manera de mantener la belleza efímera y la unión con el entorno natural: los jardines, el campo, los bosques… De hecho, cada época ha tenido su peculiar manera de vincular la moda y los textiles con el lenguaje de las flores y hacerlo de manera extraordinaria.

Partiendo de esta premisa histórica, la exposición “Vistiendo un Jardín” en el Museo del Traje explora cómo los motivos florales en la moda evolucionaron entre el Barroco y la Ilustración. Esta muestra revela cómo estas representaciones florales reflejan los cambios profundos en la relación del ser humano con la naturaleza y el surgimiento de nuevas ideas artísticas, científicas y filosóficas. Además, la exposición pone de manifiesto cómo los intercambios comerciales y los avances tecnológicos influyeron en la rápida transformación de estos diseños florales, convirtiéndolos en un testimonio clave del gusto estético del siglo XVIII y principios del XIX. A través del leitmotiv de las flores, la muestra también reivindica el estudio de los procesos creativos y técnicos como una parte fundamental en la comprensión del fenómeno de la moda, planteando su transversalidad y continuo diálogo con distintos campos culturales.

Detalle de un vestido del siglo XVIII de la exposición ‘Vistiendo un Jardín’. Todas las fotos publicadas son cedidadas por: Museo del Traje CIPE

Los motivos florales en más de un centenar de piezas

La exposición incluye en torno a 120 piezas, cuyo núcleo lo constituyen colecciones de indumentaria y textiles históricos del siglo XVIII y parte del siglo XIX del Museo del Traje. Estas piezas están acompañadas de fondos documentales y bibliográficos, pintura, cerámica y artes decorativas de instituciones como el Museo Nacional del Prado, el Museo Arqueológico Nacional, el Museo Nacional de Artes Decorativas y el Real Jardín Botánico.

La primera parada del recorrido se titula “El bosque de las furias” y sitúa al visitante en el siglo XVIII con una explosión de creatividad textil: los tejidos insólitos, también llamados furias, por el apasionado y vibrante carácter de sus motivos decorativos. La exposición continúa con “Un bodegón naturalista”, que muestra cómo, durante los años treinta del siglo XVIII, las fantasiosas vegetaciones bizarras dan paso a representaciones mucho más naturalistas. A partir de los años cuarenta, “La línea de la belleza” señala la evolución hacia el estilo rococó, caracterizado por su ligereza y refinamiento.

A continuación, en “Las flores de la Ilustración” se aborda el desarrollo de las ideas ilustradas y la vuelta a los ideales del mundo clásico, marcando un profundo cambio estético respecto al gusto rococó. En “Jardines de Oriente” se trata cómo las indianas, un fenómeno textil procedente de India y Oriente Medio, se abrían paso en Europa. La nota de celebración bucólica la aporta “Una fiesta campestre”, que aborda el género de la fiesta galante en el rococó y alude al disfrute social del campo. Finalmente, el recorrido culmina en “El retorno de la primavera”, un espacio que explora cómo la relación con la naturaleza es una constante en la vida de los seres humanos, y cómo los motivos florales, aunque experimentaron un auge sin precedentes en los siglos XVIII y XIX, se repiten cíclicamente a lo largo de la historia de la moda.

Completa la exposición un catálogo creado entre la Subdirección General de Publicaciones y Palacios y Museos, que desarrolla con mayor amplitud los ámbitos tratados en la muestra. La exposición ‘Vistiendo un Jardín’ se podrá visitar de forma gratuita hasta el 29 de septiembre en el Museo del Traje de Madrid. Una buena oportunidad para deleitarse en este inspirador binomio: naturaleza y moda.

Gratacós se viste de blanco para inaugurar una nueva temporada nupcial en 2025. Durante semanas, hemos estado promocionando las novedades en tejidos para novias a través de diversas actividades: un cambio de escaparate, los nuevos talleres que impulsamos en nuestro espacio en Barcelona, y también hemos echado un vistazo a la nueva edición de la Barcelona Bridal Fashion Week, el epicentro de la moda nupcial internacional en la ciudad condal.

Joel Miñana

La temporada de moda nupcial siempre empieza con el estreno de un nuevo escaparate dedicado a las novias. Esta nueva ventana hacia el público sirve para exhibir el moulage ganador del concurso que Gratacós promueve junto con la escuela IED Barcelona: el premio de la Bridal Scholarship for Talent 2024. En esta ocasión, la ganadora del concurso ha sido Jone González, estudiante de posgrado en diseño de vestidos de novia y ceremonia.

La propuesta de Jone González lleva por título ‘Musa’ y forma parte de una colección más amplia inspirada en esculturas de coral. El diseño en primera instancia se elabora con tela de algodón básica (natural y orgánica), creada con la técnica de moulage utilizada en alta costura, donde se moldea directamente el tejido sobre el maniquí para crear la forma deseada. En esta ocasión, el vestido nupcial que se exhibe en el escaparate está elaborado con nuestros tejidos: doble crepe Ebro y raso Venus. Su diseño destaca por un escote palabra de honor y silueta peplum marcada por un cuerpo ajustado con motivos florales y volantes que le dan fluidez en la cintura. La falda se ajusta al cuerpo a modo de sirena y realza las curvas femeninas. Para complementar la propuesta de Jone González, que se convierte en el foco del escaparate, se incluye un exuberante jardín floral elaborado por la escuela de diseño floral y paisajismo de Barcelona.

Taller de ilustración de moda nupcial. Joel Miñana

Para continuar con la celebración del mes de la moda nupcial por excelencia, en Gratacós también tuvimos el placer de invitar al ilustrador Joel Miñana para impartir un nuevo taller de dibujo en nuestro espacio en Barcelona. Durante esta sesión creativa, Miñana alentó a los participantes a explorar el arte de diseñar vestidos de novia utilizando algunos de nuestros tejidos de la nueva colección, además de otros materiales, para experimentar con los colores y las texturas de las composiciones. Como era de esperar, el taller fue un éxito de asistencia.

Por último, los tejidos nupciales de Gratacós también estuvieron presentes en la última edición de la Barcelona Bridal Fashion Week, que reúne anualmente las últimas tendencias del sector a través de desfiles de las firmas y diseñadores más destacados a nivel mundial, seguido de un espacio de negocios que congrega a 400 marcas y compradores de 80 países, según un comunicado de Fira de Barcelona. En total, en el mayor evento de moda nupcial se presentaron las colecciones de 37 diseñadores españoles y extranjeros que apostaron por mezclar la tradición con un toque de transgresión vanguardista para satisfacer las demandas de las novias actuales.

Como es habitual, Gratacós siguió de cerca las nuevas colecciones nupciales de diseñadores que suelen confiar en sus colecciones bridal, ofreciendo artículos que van desde tejidos lisos como crepes, satenes, organzas y mikados hasta elaborados jacquards florales, bordados con relieve, exquisitas gasas y flores 3D. Puedes descubrir el universo de posibilidades en tejidos nupciales aquí.

En esta ocasión, no nos perdimos los desfiles de Mariano Moreno, Isabel Sanchís, Jesús Peiró, Sophie Voilà, Alicia Rueda, Olga Macià y Yolancris, quienes presentaron excelentes propuestas nupciales que se adaptan a la multiplicidad de estilos y gustos de las novias (y algún novio) de la generación Z.

Olga Macià. Barcelona Bridal Fashion Week 2024

Algunas tendencias que se afianzan en 2024

Como creadores de tejidos, en Gratacós nos esforzamos por anticiparnos a las tendencias futuras, pero también seguimos aquellas que finalmente se consolidan para poder satisfacer la demanda del mercado. Desde los diseñadores influenciados por las pasarelas hasta los fenómenos que emergen en las redes sociales y captan la atención del sector. Sumergiéndonos en los looks que se repiten colección tras colección o que acumulan más “me gusta” en Instagram o TikTok, aquí te ofrecemos un breve resumen de por qué triunfan los vestidos con toques románticos, pero también los diseños de líneas minimalistas y algunas notas ornamentales de inspiración teatral.

En líneas generales, los contrastes son los protagonistas en todos los detalles: desde la combinación de tejidos que ofrecen una diversidad de texturas hasta los motivos de aspecto artesanal. En cuanto al diseño, conviven dos tendencias completamente opuestas: desde la novia minimalista que apuesta por el slipdress o la inspiración lencera en seda hasta los diseños de cortes limpios y patrones depurados, pasando por la novia que sueña con llevar un vestido de inspiración medieval con mangas de ángel, escotes en pico y talles muy altos o cortes en la cadera. Otro fenómeno en tendencia son los diseños mediante layering para bodas más allá del verano. Vestirse mediante capas e ir descubriendo poco a poco diferentes partes de un look no es nuevo, pero sí es una tendencia en alza al desestacionalizarse las ceremonias. Triunfan los vestidos de novia desmontables y transformables que se adaptan a cada ocasión.

Las siluetas de los diseños nupciales también evolucionan. Las novias en 2024 buscan añadir una nota diferencial a su vestido o conseguir un efecto sorpresa mediante asimetrías y cut outs que van desde el cuerpo hasta la falda y rompen con la silueta tradicional. Este fenómeno encaja además en todos los estilos, desde los más clásicos hasta los más vanguardistas.

Mariano Moreno. Barcelona Bridal Fashion Week 2024

¿Vestidos largos o vestidos cortos? Para la ceremonia religiosa, el vestido nupcial es largo, pero cada vez más triunfan los diseños minis que se convierten en la opción perfecta para una pedida, una preboda, una postboda o para enlaces civiles. Si hay una tendencia que se afianza en los últimos años, es la de mostrar las piernas entre las novias más jóvenes.

Por último, en cuanto a detalles, las flores lideran las preferencias de las nuevas novias y están presentes en los vestidos de múltiples maneras: en tejidos, aplicaciones, ornamentos, cuerpos bordados, y estas no tienen por qué ser blancas, sino que predominan los motivos florales de colores. También llegan los lazos en los vestidos de novias, inspirados por la tendencia coquette que aboga por una visión ultra femenina de la silueta.

Foto: María Novo

Los desfiles nos inspiran al ver cómo algunos de nuestros artículos se transforman en espectaculares creaciones y cobran vida de forma etérea en el propio espectáculo de la pasarela. En esta edición, nos trasladamos al Recinto Modernista de Sant Pau para seguir de cerca la nueva edición del 080 Barcelona Fashion y las propuestas de las 24 marcas y diseñadores que participaron. Aquí os dejamos algunas que nos parecieron interesantes:

Free Form Style

Gratacós apoya plenamente a las marcas que consideran que la moda no tiene límites ni restricciones y desafían los convencionalismos con propuestas que hacen gala de la inclusión y la diversidad real desde múltiples perspectivas. En este sentido, colaboramos por segunda vez con Free Form Style, la marca española pionera en diseñar moda adaptada a diferentes discapacidades. Sus fundadoras, Marina Vergés y Carolina Asensio, crearon en 2019 una marca de ropa inclusiva que repensaba las prendas básicas para que se adaptaran a todo tipo de personas. La firma catalana diseña con un enfoque en cuerpos no normativos, para que todas las personas se sientan representadas y sean bienvenidas en cada una de las colecciones que presentan. Se busca un enfoque de comodidad sin renunciar a la elegancia, promoviendo la autoestima y empoderamiento.

En esta ocasión, Gratacós proporcionó una parte de sus tejidos más especiales a la firma para elaborar su segunda propuesta presentada en la plataforma 080 Barcelona Fashion. La nueva colección se inspiró en los uniformes de trabajo de mediados del siglo XIX en Estados Unidos, adaptando la esencia y el estilo de la moda vaquera a los cortes y ajustes de la ropa para personas que se desplazan en silla de ruedas. Con un patronaje contemporáneo y alternativo a la ropa habitual, Free Form Style ha conseguido diseñar prendas que fomentan la libertad de movimiento sin alejarse de ese estilo estético que identifica las piezas icónicas de la cultura tejana. Destacamos también de la colección las blusas en tejidos fantasiosos y los vestidos vaporosos elaborados con nuestros artículos más brillantes.

Escorpion

Escorpion atraviesa un momento de cambio para seguir seduciendo a las nuevas generaciones, manteniendo la esencia primigenia de la marca especializada en punto desde 1929. La nueva colección explora ese momento de transición a través de ‘Re-connection’, una propuesta sensorial que quiere envolver al espectador y conectarlo de nuevo con su universo knitwear. El punto estuvo muy presente en la propuesta para el próximo otoño en un viaje multicultural que une formas, colores e inspiraciones. No pasaron desapercibidos los Jacquards y estampados de flores pixeladas acordes con el universo digital, las fusiones como las hilaturas amables con tejidos nobles de lana, seda y viscosa, y algunas prendas claves que seducen a la nueva generación de jóvenes como las bombers oversize, los vestidos de punto combinados con culottes, los shorts y los cropped tops en pata de gallo. Siluetas contemporáneas que renuevan el espíritu clásico.

Menchén Tomás

Siempre seguimos muy de cerca las creaciones de Menchén Tomás porque añade ese punto de sofisticación que a veces, se echa de menos en la pasarela catalana. En esta ocasión, Olga Menchén recreó el ambiente de una fiesta en la piscina con amigos, tomando como referencia las evocadoras fotografías de Slim Aarons, el fotógrafo estadounidense de la ‘jet set’ que retrató en la década de los 60 y 70, sus vidas íntimas. Imágenes donde los protagonistas no son los invitados sino la propia piscina: sus detalles, tonalidades, colores, el agua, el sol y las vistas al mar. Ese momento de fantasía real y aspiracional es la que Menchén Tomás ha trasladado a la colección ‘Poolside’ a través de tejidos bordados, sedas, gasas y algodón recreando un ambiente festivo pero relajado a través de vestidos de ensueño para invitadas de cualquier celebración que se vuelven atemporales. Elegancia sin ruido.

Larhha

En el apartado de firmas independientes y nuevos talentos no perdimos de vista las propuestas de Larhha. Una marca cordobesa, liderada por Miguel Marín, que nació en 2020 con el propósito de unir la moda urbana con el diseño más elevado. Una visión que surge de la unión de las dos grandes pasiones del fundador y director creativo de la firma: la arquitectura y la alta costura. La marca responde a las vanguardias del mundo de hoy, dando vida a colecciones atemporales que nacen de la investigación, de la mezcla de polos opuestos, y del encuentro entre pasado, presente y futuro. Una visión holística del diseño que permite actualizar los volúmenes y siluetas clásicas de décadas pasadas a través del uso de nuevos materiales y acabados técnicos de la era contemporánea. En ‘Chapelle’, la firma cordobesa viajó a la Santa Capilla de París para hacer gala nuevamente de su saber hacer en moda creando puentes de diálogo entre ambas disciplinas.

Compte Spain

También destacamos la nueva colección de Compte Spain, donde vimos algún guiño a nuestros tejidos. El diseñador valenciano Santi Mozas muestra un respeto absoluto por la artesanía, creando piezas exclusivas elaboradas de manera tradicional, ética y sostenible. Esta joven marca también se distingue por su creatividad al presentar colecciones que acercan historias populares al ámbito creativo de la moda. La nueva propuesta, titulada ‘Happy Ending’, se inspiró en los finales de cuentos del imaginario popular y los transformó en una expresión artística propia.

La nueva colección SS24 ya florece en todo su esplendor. Os la adelantamos a finales de febrero coincidiendo con el fin de las rebajas de invierno, pero ahora os proporcionamos todos los detalles de esta apasionante propuesta que fue muy bien recibida cuando se presentó en Première Vision Paris.

Bajo un concepto inspirador, Hanami, la nueva colección se centra en la tradición japonesa de apreciar la belleza de las flores. Esta práctica contemplativa coincide con el inicio de la primavera y nos invita a valorar el arte de la floración. Hanami, que significa literalmente “mirar a las flores”, lleva consigo una imagen muy representativa en Japón: la de los cerezos en flor, conocidos como sakura, que cubren con un manto rosa sus parques y montañas cada primavera durante un período muy limitado que coincide con el inicio de esta estación.

Esta tradición tan particular se remonta a siglos atrás, cuando la floración de los cerezos marcaba el inicio de la primavera y, por lo tanto, señalaba el momento ideal para plantar el arroz, un alimento crucial para los japoneses. Durante este período, los cerezos eran considerados seres sagrados y se creía que las almas de los dioses de la montaña anidaban en ellos. Según las creencias locales, cuando las flores rosadas del sakura estaban en plena floración, las deidades bajaban a las aldeas y se convertían en arrozales para ayudar en la producción del arroz. En la actualidad, cada nueva temporada de floración, miles de japoneses se reúnen bajo los cerezos, ya sea en parques, jardines o montañas, y disfrutan de un picnic rodeados de sakura, mientras una lluvia de flores delicadas tiñe todo de color rosa.

A grandes rasgos…

Volviendo a la propuesta, la nueva colección Hanami mantiene esa doble dualidad: nos invita a la pausa y a la reflexión, pero también es un momento para dejarnos llevar por la fantasía y el poder evocador de la naturaleza, activando todos nuestros sentidos.

Esta temporada, las flores son las claras protagonistas de la colección, pero vamos mucho más allá. Los motivos vegetales, los relieves orgánicos, los volúmenes naturales y los estampados inspirados en la naturaleza silvestre de los campos o la flora multicolor de los jardines urbanos, todos cuidados al detalle. Desde el trabajo preciosista de los arquitectos botánicos hasta la sensibilidad de los floristas de autor, todo ello conforma una colección poética, estimulante y audaz que apela a las emociones a través de la creatividad. En Gratacós, no entendemos la moda sin el arte y la cultura, y hacemos de la artesanía uno de nuestros pilares fundamentales.

Si analizamos en detalle esta colección Primavera-Verano 2024, el color se vuelve más vivo y brillante, jugando con diferentes armonías que reflejan la luz y los contrastes presentes en la naturaleza. Los tejidos se seleccionan cuidadosamente en términos de materias, composición y combinaciones que recrean las formas orgánicas. Volvemos a dar una nueva dimensión a la calidad, porque es un valor necesario, claro y real que nos distingue.

“No entendemos la moda sin el arte y la cultura, y hacemos de la artesanía uno de nuestros pilares fundamentales”

Colores

La propuesta de Gratacós se sumerge en un mundo de color, donde diversas armonías se entrelazan para crear combinaciones frescas y dinámicas. La paleta de colores en contraste transformará los tejidos, ofreciendo una riqueza de matices que dinamizará los resultados finales. Los colores seleccionados para protagonizar la nueva temporada darán vida a colecciones poéticas, atemporales y versátiles, transmitiendo sentimientos a través de una intrigante interacción de fuerza, feminidad y belleza, plasmada en los diferentes textiles.

Estos colores transportan a un paisaje mágico, evocando un edén digital donde tonos preciosos trabajan con una frescura golosa de luz fría. En tiempos de incertidumbre, ¿quién no anhela utilizar el poder del rosa resaltador, el amarillo, el azul o el verde en un vestido puro frou-frou para experimentar un instante de felicidad?

Tejidos

Esta temporada, el placer de crear y diseñar será nuestro impulso para desarrollar nuevos tejidos altamente elaborados y con un aspecto sofisticado. Nuestros tejidos se caracterizarán por una renovada importancia en la calidad de los productos, buscando una autenticidad necesaria y real. Hemos optado por líneas suaves, utilizando tejidos ligeros y transparentes adornados con lentejuelas para evocar el brillo y la claridad del agua. Esta sensación de vitalidad veraniega se refleja en estallidos gráficos de color que se extienden por toda la colección.

La transparencia desempeñará un papel importante, transmitiendo una fragilidad que es solo aparente. Por ello, hemos creado tejidos ligeros en diversas versiones y transparencias, con efectos sofisticados para una línea de productos con fantasías dulcificadas.

Aspectos

Los tejidos de esta temporada exploran magníficamente la textura, con volúmenes delicados en apariencia, pero sólidos en su construcción. El departamento creativo ha trabajado para dotar a los artículos de una dimensión tridimensional, aprovechando las torsiones de las hilaturas y las fantasías de los hilos con una apariencia más orgánica. Se destaca la importancia de los relieves y los acabados gofrados, con acolchados ultraligeros ideales para el verano.

El Jacquard adquiere un papel protagónico esta temporada, presentando geometrías repetitivas y diseños con ritmos secuenciales sin interrupción. A menudo pasamos por alto la complejidad técnica que encierran los motivos pequeños, por lo que es crucial revalorizarlos. Además, hemos trabajado en la creación de laminados con reflejos preciosos y sofisticados, amplificados por la luz para obtener un brillo llamativo y elegante. Tanto en jacquares como en bordados, el resultado será deslumbrante, con superficies brillantes gracias a hilos lame, iridiscentes y lentejuelas.

La técnica del bordado, como método universal de embellecimiento, vuelve a estar en boga. Florecen en creaciones inesperadas y hermosas, con engastes libres y colores vibrantes y frescos.

Diseños

En términos generales, la geometría seguirá siendo un tema prominente esta temporada, especialmente al explorar geometrías artesanales planas y suaves, impregnadas con toques especiales para crear ingredientes esenciales para este próximo verano. La gráfica en general será suave, fresca y exquisita, con un cuidadoso trabajo en los diseños.

Los florales desempeñarán un papel importante, como un dulce perfume que impregna toda la colección, a través del uso abundante y variado de estampados florales. También se destacarán los motivos botánicos centrados en las hojas, los adornos vegetales y las junglas ambiguas.

Por último, en esta nueva temporada, es fundamental mencionar la influencia del arte en los diseños de la colección, así como las influencias del metaverso, que presentan naturalezas que hibridan entre lo real y lo digital.

Desde Gratacós te invitamos a descubrir Hanami, nuestro edén particular.

Lazos, volantes, tonos pastel y vestidos baby doll se fusionan para elevar un estilo hiperfemenino de alma barroca que busca la artificiosidad. El maximalismo se despliega en todo su esplendor. Nos referimos a la estética coquette, cuyo reinado parece no vislumbrar su fin, al menos en esta temporada primavera-verano que acabamos de iniciar. Si bien esta tendencia no es realmente nueva, en los últimos meses ha alcanzado un nivel de viralidad notable en las redes sociales, específicamente en TikTok a principios de 2024. Con la etiqueta #coquette, esta plataforma de vídeos instantáneos, que cautiva especialmente a la Generación Z, acumulaba más de 18 mil millones de visualizaciones. Esta cifra supera con creces a su principal competidora, Instagram, que registraba cerca de 1,5 millones de publicaciones relacionadas.

Este fenómeno evidencia cómo una estética que parecía relegada al olvido, a excepción de ciertas tribus urbanas japonesas, resurge con fuerza y vuelve a situarse en el centro de atención de la moda actual. Ya sabemos que a la nueva generación de jóvenes les fascina el elemento nostálgico, en un fenómeno que los expertos han calificado como un revisionismo estético de tendencias del pasado.

¿Cómo se identifica el estilo coquette?

Entre todas las descripciones ofrecidas para definir este estilo que fusiona a la perfección feminidad, inocencia, dulzura y suavidad, destaca la proporcionada por la estilista Marisa Ledford en la revista People, quien lo describe como “un estilo hiperfemenino que hace referencia a la época victoriana de la Regencia, donde los vestidos de muñeca, los volantes, los lazos y los colores pastel son los elementos distintivos”.

Esta corriente experimentó un repunte en 2010, coincidiendo con dos fenómenos culturales que generaron gran interés durante meses y que, a su vez, alimentaron la industria de la moda: el estreno de la película ‘María Antonieta‘ de Sofia Coppola y el ascenso de Lana del Rey como uno de sus principales iconos de estilo. De hecho, la cantante y compositora volvió a estar en boca de todos recientemente gracias a la campaña que protagonizó para la firma Skims con motivo de la celebración de San Valentín. Esta campaña incluía todas las referencias que identifican a la corriente coqueta: lazos en abundancia, transparencias, gatos y tejidos delicados como el satén y el encaje.

Recientemente, otro fenómeno cinematográfico ha dado un nuevo impulso al estilo hiperfemenino y, de paso, hiperbólico: la película de ciencia ficción ganadora del Oscar, ‘Poor Things‘, que ha obtenido, entre otras distinciones, el premio al mejor vestuario. Esta película caracteriza a su protagonista, Bella Baxter, como una mujer victoriana con un guardarropa que revoluciona lo clásico al mantener una mirada contemporánea que se refleja en cada uno de los excéntricos y estimulantes looks en cuanto a forma, volumen, relieve y color. Creaciones como vestidos de volantes y mangas abullonadas, bombachos victorianos, largas batas de seda o fastuosos camisones dejan al espectador boquiabierto y recuerdan al estilo en cuestión: lo coquette engancha.

Por otro lado, el hecho de que esta tendencia siga más viva que nunca también queda corroborado por marcas de moda que hacen del estilo coquette su seña de identidad habitual. Por ejemplo, en su colección de primavera-verano 2024, Rodarte se inspiró en un jardín de flores y en las siluetas de la década de los 30. Asimismo, Simone Rocha presentó para la misma temporada lazos voluminosos, encaje, tul y flores como los grandes protagonistas de su colección, tanto en su propuesta femenina como masculina. No es necesario revisar las tendencias de las grandes marcas, ya que también los pequeños diseñadores apuestan por este estilo que realza la feminidad aniñada. Por ejemplo, las creaciones de Quique Vidal a través de Becomely, su alter ego en moda, o las fantasías de Anel Yaos. En la colección presentada el año pasado en la pasarela 080 Barcelona Fashion, había claras alusiones a esta estética en una propuesta que exploraba los sentimientos más personales a través de gasas, transparencias y tonos pastel.

Origen histórico de la estética 

La palabra “coquette” proviene del francés y significa coqueta. Como estilo, toma elementos de la indumentaria del siglo XVIII, con una fuerte inspiración en el rococó tardío de la reina María Antonieta, de la cual incorpora elementos decorativos de la ropa como los moños y el encaje. De igual manera, se basa en el “infame” vestido chemise à la reine, una prenda generalmente confeccionada en algodón y utilizada como ropa interior, pero que María Antonieta transformó en muselina semitransparente, con volados en el pecho y las mangas, con el cual la reina decidió pasar sus días en el campo.

Quizás el elemento más icónico del estilo coquette, o al menos el más fácil de distinguir, es el lazo o moño, que se utiliza tanto en el cabello como en la ropa. Este uso se remonta a la moda del período romántico, a finales del mismo siglo XVIII y principios del XIX, cuando después de las revoluciones y el surgimiento de las Repúblicas, la feminidad volvió a ser relevante. Esto se reflejó en la vestimenta y en los adornos de la ropa como un elemento asociado con la clase social, ya que en su mayoría ya no había monarquías.

Una tendencia enraizada en la calle

A pesar de que estos orígenes se remontan varios siglos atrás, su llegada a la moda actual se enmarca en el revisionismo de la Generación Z, que ahora recurre a diversas estéticas de los años 90 y 2000. Otro factor que contribuye al triunfo de este estilo es cómo ha conquistado los looks urbanos. Así, lejos de saturarse, son las propias influencers y prescriptoras de moda quienes protagonizan las imágenes de street style más comentadas y, ciertamente, no parecen estar cansadas de esta tendencia. Durante la pasada temporada de desfiles, no era difícil encontrar referencias a esta corriente: lazos adornando todo tipo de prendas, ya sean más o menos extravagantes, más o menos románticas, presentes en el cabello e incluso adheridos al rostro, así como alusiones al universo infantil, como la combinación habitual de zapatos con calcetines de calados y lazos, y la paleta de colores pastel. Sin olvidar las alfombras rojas por las que desfilan las estrellas de Hollywood. De hecho, el estilo coquette también ha protagonizado algunos looks en la celebración de los Oscar 2024. Lo atestiguan los estilistas que vistieron a actrices como Ariana Grande, quien deslumbró en la red carpet con un modelo rosa abullonado con escote de palabra de honor y cola de Giambattista Valli Couture. También Chloë Sevigny y Sofia Vergara, quienes lucieron lazos coquetos en las after-parties de los Oscar.

En Gratacós, también hemos querido rendir nuestro propio homenaje al estilo coquette con una selección de nuestros tejidos de la nueva temporada, para que te inspires y puedas crear tus propios diseños dentro de esta estética tan femenina, fantasiosa y aniñada.

Un espectacular vestido de lentejuelas de la firma Acuamona.

Aunque apreciamos todos los tejidos por igual debido a su singularidad, reconocemos que existen ciertos artículos que resisten mejor la prueba del tiempo y se convierten en una inversión inteligente para cualquier época del año. Aprovechando las últimas semanas de descuentos de nuestra colección de invierno, Gratacós te presenta cinco artículos que no pierden su relevancia, a pesar de las efímeras tendencias. Además, ahora los puedes encontrar a precios más atractivos en nuestra sección outlet.

Tweed

Este tejido destaca por su extraordinaria riqueza en todos los aspectos imaginables: posee un legado histórico que se remonta a las Highland escocesas; es un comodín en constante evolución; resulta fácilmente reconocible a simple vista y se inspira en la elegancia clásica, al tiempo que exhibe un carácter camaleónico que le permite adaptarse a versiones más contemporáneas. ¿Qué más se puede pedir?

Se trata de un tejido con apariencia irregular, de tacto rugoso, textura calada y elástica, con patrones bien definidos como el houndstooth, windowpane y herringbone. Este artículo se presta al cosido y al planchado, ofreciendo una versatilidad que puede trascender los límites del género, o más bien, que no los tiene.

De origen modesto, el tweed proviene de Escocia y era un tejido común en la vestimenta de abrigo de las clases populares, utilizado en el campo para enfrentar las adversas condiciones climáticas. En el siglo XIX, la aristocracia inglesa encontró en este tejido su mejor aliado para llevar a cabo actividades campestres y deportes al aire libre. Quien supo conferirle un halo de glamour al tweed fue, sin duda, Coco Chanel, que a finales de los años 20 del siglo XX lo incorporó al guardarropa femenino en prendas que se han convertido en símbolos, como sus chaquetas cortas o faldas lápiz. Este tejido proporcionaba a la mujer de la época un extra de comodidad sin perder un ápice de elegancia.

Descubre todos nuestros tweeds de temporada.

Mikado

El mikado es una joya textil que se distingue por su exclusividad y sofisticación, encerrando consigo una historia milenaria. Originario de Japón, este tejido ha logrado cautivar a diseñadores gracias a su singularidad y a su capacidad para transformar prendas aparentemente simples en auténticas obras de alta costura.

Empezamos por su nombre. Significa ‘emperador’ en japonés, un título que refleja su regio esplendor. El mikado se produce mediante un proceso especial de fabricación y acabado, confiriéndole así un aspecto lujoso y una estructura firme. Inicialmente destinado a la confección de kimonos imperiales y otras prendas ceremoniales, el mikado simboliza la nobleza y la elegancia. Dada esta rica carga simbólica, no sorprende que en la actualidad sea uno de los tejidos más utilizados y demandados en el ámbito nupcial.

El mikado se distingue por su estructura pesada y su superficie ligeramente brillante, proporcionándole un aspecto opulento y un tacto distintivo. Compuesto a menudo de seda, este tejido destaca por su suavidad y la capacidad para crear pliegues elegantes. Además, su habilidad para mantener su forma lo convierte en el tejido ideal para la confección de vestidos de alta costura que requieren volumen y estructura

Encuentra nuestras propuestas de mikado. Desde diseños lisos hasta los motivos florales o de inspiración geométrica.

Lentejuelas

A este tejido no le hacen falta presentaciones. Las lentejuelas son las auténticas protagonistas del vestuario femenino, desplegando su resplandor a lo largo de décadas. Ya sea de día o de noche, en cualquier ocasión, las lentejuelas aportan luminosidad y se vinculan con el lujo y el glamour.

Su legado histórico se remonta a la antigüedad, cuando estas diminutas piezas brillantes se utilizaban en prendas de vestir en el Antiguo Egipto, añadiendo destellos a las vestimentas de esa época. Sin embargo, su renacimiento ocurrió en la década de 1920, durante la era del jazz y los vibrantes años veinte, convirtiéndose en símbolos de opulencia y sofisticación. Su apogeo llegó en la década de 1930, cuando las estrellas de Hollywood comenzaron a lucir vestidos decorados con este tejido en las alfombras rojas. Desde entonces, las lentejuelas han sido sinónimo de glamour y cierta extravagancia. Diseñadores de renombre mundial, desde Coco Chanel hasta Versace, han incorporado este brillante tejido en sus creaciones, consolidando su estatus como un elemento atemporal en la moda de lujo.

Lo que define a las lentejuelas es su capacidad para transformar cualquier prenda en una obra maestra de brillante elegancia. Estas pequeñas piezas, generalmente de metal, plástico o material reflectante, se cosen en patrones para crear un efecto visual deslumbrante. Su brillo, a menudo asociado con la luz de las noches de gala, ha sido un componente esencial en la moda nocturna y en la alta costura.

Hoy en día, las lentejuelas han trascendido las ocasiones festivas, conquistando la moda urbana con propuestas contemporáneas que se adaptan a cualquier estilo.

Encuentra las lentejuelas que se adaptan a tu estilo.

Jacquard Floral

El Jacquard floral es una obra maestra textil que fusiona la destreza técnica con elementos inspirados en la naturaleza. Originario de Francia, este tejido se distingue por su elaborado patrón en relieve. La clave reside en su técnica, que lleva el nombre de Joseph Marie Jacquard, que ha dejado una huella distintiva en la historia de la confección de telas, convirtiéndose en un símbolo de lujo y sofisticación.

En el siglo XIX, su inventor introdujo una innovadora máquina de tejer que revolucionó la industria textil al permitir la creación de patrones intrincados y detallados. Esta tecnología pionera llevó la fabricación de telas a nuevos niveles, posibilitando la reproducción precisa de motivos ornamentales y diseños complejos.

Lo que hace único al tejido Jacquard es su capacidad para generar patrones en relieve con una variedad de colores y texturas. Este proceso se logra mediante la cuidadosa combinación de hilos de diferentes colores y tipos, creando una obra de arte tridimensional en cada hilo. La textura resultante es rica y lujosa, aportando una profundidad visual única a la tela. El Jacquard también ha ganado su lugar en el mundo de la moda gracias a su versatilidad en el diseño. Desde trajes de alta costura hasta prendas más informales, el Jacquard se ha extendido en una amplia gama de prendas que incorporan desde patrones geométricos hasta los motivos florales más exquisitos.

Añade un toque de romanticismo y feminidad a tus creaciones con estos Jaquards florales.

Pata de Gallo

El tejido pata de gallo es uno de esos clásicos atemporales que resiste las tendencias efímeras para convertirse en un símbolo de elegancia y estilo. Su historia se remonta al siglo XIX en Escocia, donde los tejedores locales lo crearon con esmero. Inicialmente conocido como houndstooth (dientes de perro), el patrón pata de gallo se distingue por bloques de forma abstracta que evocan las huellas de un gallo. Con el tiempo, este patrón trascendió las fronteras escocesas, convirtiéndose en un elemento icónico en la moda global.

Lo que confiere a los artículos con patrón pata de gallo su atractivo distintivo es su habilidad para combinar simplicidad y sofisticación. Compuesto generalmente por bloques repetitivos en blanco y negro, el patrón crea un efecto visual audaz y equilibrado. La versatilidad de este tejido se manifiesta en una amplia gama de prendas, desde trajes y abrigos hasta faldas y accesorios, adaptándose tanto a ambientes formales como a conjuntos casuales. Desde las pasarelas hasta las calles, la pata de gallo continúa siendo una elección elegante que evoca un aire de sofisticación clásica.

En Gratacós te recomendamos este tejido pata de gallo.

Peach Fuzz, el color elegido por Pantone para representar 2024. Foto: Cortesía de Pantone.

Pantone ha instaurado una tradición que los entusiastas del color esperan con fervor como antesala a las fiestas navideñas. Se trata de la elección de la tonalidad que marcará el rumbo de las tendencias en 2024 y que influirá en el arte, el diseño, la moda, la decoración o la publicidad, entre otras disciplinas creativas dirigidas por profesionales que se nutren de las últimas novedades del mercado, también cromáticas.

Un color sincero, tierno y empático

Siguiendo su vocación de bautizar los colores con nombre sutilmente sensuales, Pantone ha elegido el ganador para el año que viene. El color en cuestión se llama Peach Fuzz 13-1023 y es una tonalidad melocotón que evoca sinceridad y ternura, y transmite, según la autoridad mundial en cuestiones de colorimetría, un deseo de cuidar de nosotros y de los demás. Una tonalidad suave y aterciopelada cuyo espíritu envolvente enriquece la mente, el cuerpo y el alma. Así lo explica Laurie Pressman, vicepresidenta del Pantone Color Institute, en un comunicado sobre el color que lo teñirá todo en 2024. “Buscábamos una tonalidad que expresara nuestro deseo innato de cercanía y conexión, así que escogimos este radiante color que rebosa calidez y elegancia moderna. Es un color que despide empatía, nos arropa en un abrazo que casi podemos sentir y aúna con toda naturalidad lo juvenil con lo imperecedero”. Este tono cálido y reconfortante estimula el deseo de unión con los demás o de tener momentos de quietud, y la sensación de protección que esto genera.

El tono de la calma y de la paz interior

Según Pantone, Peach Fuzz 13-1023 es una atractiva tonalidad amelocotonada, cuidadosamente equilibrada entre el rosa y el naranja, que inspira pertenencia, relajación y la oportunidad de cuidar, evoca calma y ofrece un espacio en el que se puede vivir, sentir, sanar y prosperar. Por lo tanto, el color de 2024 es reconfortante y fomenta la paz interior y el bienestar. Peach Fuzz 13-1023 tiene tanto de idea como de sensación y estimula todos los sentidos, ya que hace percibir su tactilidad y envuelve a las personas en su calidez.

Un tono moderno que se refugia en la nostalgia

Peach Fuzz 13-1023 es un color dulce y ligero que evoca una nueva modernidad. Se centra en la experiencia humana de enriquecer y cuidar de la mente, el cuerpo y el alma, pero también es un tono melocotón sutilmente sofisticado, moderno y profundo, con una luminosidad suave pero efectiva que llena de belleza el mundo digital.  Un tono amelocotonado, poético y romántico que transmite limpieza y una sensación vintage, Peach Fuzz 13-1023 refleja el pasado, pero reimaginado para ambientes modernos. Esta última característica la hace especialmente interesante para el mundo del diseño y la decoración.

El significado del color en un contexto inestable

El Peach Fuzz 13-1023 es el color que substituye el Viva Magenta, que fue elegido como color de 2023. Lo defendían así: “Un tono arraigado en la naturaleza que vibra con energía y vigor. Que desciende de la familia roja y expresa una nueva señal de fuerza”. Así, ahora pasamos de la fuerza a la calidez.

“Cuando nuestra vida se ve afectada por la inestabilidad, crece aún más nuestra necesidad de cuidar y de tener empatía y compasión, así como de imaginar un futuro que traiga más paz”, explica de nuevo Laurie Pressman sobre el significado del color que veremos en los próximos meses a lo largo y ancho de todo Instagram y de tableros de Pinterest, así como, probablemente en las próximas tendencias tanto de moda como de decoración. “En un mundo en el que se suele enfatizar la productividad y los logros externos, es crucial reconocer la importancia de cuidar de nuestro interior y buscar momentos de calma, creatividad y conexión con otras personas en medio del ajetreo de la vida moderna”, añade la vicepresidente del Pantone Color Institute. Valorar los vínculos, el cariño y el hogar: “El color que hemos seleccionado tenía que expresar nuestro deseo de estar cerca de nuestros seres queridos y la felicidad que sentimos cuando conectamos con nuestro propio ser y disfrutamos de un momento de quietud a solas. Tenía que ser un color que transmitiera una calidez envolvente y un mensaje de compasión y empatía”, argumenta Laurie Pressman.

25 años marcando tendencias en color

En 2024 se cumplirán 25 años desde que Pantone Color Institute empezó a poner el color en el mapa sensorial y creativo del año siguiente. Fue en 1999 cuando el programa educativo Pantone Color of The Year involucró a la comunidad del diseño de todo el mundo en una conversación en torno al color. “Queríamos poner énfasis en la relación entre la cultura y el color para destacar ante nuestro público cómo lo que está ocurriendo en nuestra cultura global se expresa y refleja a través del lenguaje cromático”, explica de nuevo Pressman. En esta primera sesión salió un claro vencedor: el azul cerúleo (Pantone 15-4020), una tonalidad que volvió al estrado gracias a la película ‘El diablo viste de Prada’ y el célebre discurso de Meryl Streep sobre cómo funciona la industria de la moda. “Con los años, el programa Pantone Color of the Year se ha convertido en un referente cultural en todo el mundo y ha estimulado la imaginación de muchos diseñadores, marcas y consumidores”, explica Pressman.

Para llegar a la selección de cada año, el equipo de Pantone Color Institute recorre el mundo en busca de nuevas influencias cromáticas. Pueden encontrarse en la industria del entretenimiento (cine, series de televisión e incluso música), obras de arte y nuevos artistas. Por supuesto, en la moda y el diseño, pero también en lugares o conceptos más aspiracionales, como puedan ser destinos de viaje que empiezan a ser tendencia, estilos de vida, nuevas tecnologías y materiales, texturas o efectos (sí, como los filtros de Instagram) que generen interés o acaparen la atención de alguna forma.

Lo que comenzó siendo un catálogo con 500 colores que sirviese como guía para las artes gráficas ha crecido de tal manera que su influencia en las próximas tendencias se equipara a lo que la mayor celebridad del momento luzca en la portada de la revista Vogue. La guía Pantone cuenta ya con más de 2.000 referencias que se van actualizando cada 18 meses, con nuevos tonos más precisos que se van añadiendo a la lista.

Otra manera de contar la evolución como sociedad

El color desempeña un papel fundamental en la experiencia de las personas. Tiene una relación cercana con las emociones y la expresión de los sentimientos y en sus matices se aprecian también en cómo evoluciona la historia año tras año con sus ciclos de auge y descenso. El impacto del color también se nota en el mundo de la moda, en los colores de los cosméticos, en los artículos para el hogar, en el diseño automovilístico e industrial, y en los productos, embalajes, diseño multimedia e interiores de los comercios. “Nos complace enormemente haber estimulado a diseñadores y entusiastas del color de todo el mundo a contar sus historias a través del lenguaje cromático y a mostrar su creatividad en sus comunidades. Esperamos poder seguir haciéndolo durante muchos más años”, concluye Pressman.

Desde Gratacós también hemos querido hacer nuestro particular homenaje al Peach Fuzz 13-1023 con una selección de tejidos de colección en tonos melocotón para que vayas pensando un posible diseño para este 2024. Los encontrarás aquí: ¡Da rienda suelta a la imaginación!

Todas las fotos son del Museo del Traje CIPE.

¿Cuántos vaqueros tienes en tu armario? O, mejor dicho, ¿cuántas prendas elaboradas con denim? Seguramente, la cifra mental ocuparía dos dígitos si nos ponemos a contar el número de pantalones, faldas, vestidos, camisas y chaquetas que cuelgan de las perchas y están confeccionadas con el mundialmente conocido denim, sin lugar a dudas, el rey de las telas.

Los jeans, el denim y la ropa vaquera son algunos de los elementos más universales en la moda contemporánea. Estas prendas trascienden las barreras de clases sociales en todo el mundo y, aunque inicialmente surgieron como prendas utilitarias para las clases trabajadoras, con el tiempo se han convertido en artículos comunes que unifican todos los armarios.

Desde la pionera Levi’s, fundada en 1853, hasta las actuales marcas de pret-à-porter y las casas de lujo. Si tuviéramos que definir el siglo XX hasta la actualidad en una pieza, esta sería seguramente un par de vaqueros: ya sea un modelo con grandes rotos, elementos de patchwork y bajos desalineados, o el estiloso modelo que llevaba Kaia Gerber en Valentino para el desfile de Alta Costura Otoño-Invierno 2023-2024. En palabras de Pier Paolo Piccioli: “La fuerza no está en los estilismos, sino en las prendas”.

Conscientes del poder universal y concebidos como un símbolo de nuestra cultura contemporánea, el Museo del Traje ha querido rendir homenaje a los eternos vaqueros con la exposición ‘Jeans, de la calle al Ritz’.

Comisariada por Josep Casamartina i Parassols e Ismael Nuñez Muñoz de la Fundació Antoni de Montpalau y coordinada por María del Mar Belver, la muestra rinde homenaje al vaquero. ¿Cómo? A través de un recorrido por la historia del tejido denim, desde sus orígenes como material en el siglo XVIII, pasando por el nacimiento del jean a mediados del siglo XIX y su enorme expansión a lo largo del siglo XX y comienzos del XXI, hasta sus infinitas variaciones formales y textiles, pero también simbólicas y sociales.

La propuesta incluye más de 200 piezas de indumentaria acompañadas de documentación gráfica y complementos procedentes de la Fundació Antoni de Montpalau, completados con préstamos de las colecciones privadas del coleccionista Josep M. Rovira, del archivo histórico de la marca Lois y del coleccionista Paco Sifre, así como de las empresas Jeanología y Evlox. Entre ellas destacan las firmas clásicas dedicadas a la confección de vaqueros como Levi Strauss, Lee, Lois o Pepe Jeans, pero también marcas como Cavalli, Armani, Kenzo, Paco Rabanne, Gloria Vanderbilt, Calvin Klein, Thierry Mugler, Jean Paul Gaultier, Dolce & Gabbana, Moschino, Versace, Gori de Palma o Christian Lacroix.

De Europa hasta los Estados Unidos. Los orígenes del denim

Los orígenes de este tejido se remontan a los siglos XVII y XVIII, hasta que a mediados del siglo XIX nace la prenda que toma el nombre del propio tejido. El denim es una sarga de algodón realizada con hilos torsionados muy resistentes y duraderos. Los inicios de la industria se sitúan entre Nimes —de aquí le viene el nombre— y Génova, donde estaban concentradas la mayoría de las fábricas que producían el tejido. El jean como tal no se “inventó” hasta 1860, cuando Levi Strauss comenzó a utilizar el tejido de sarga para confeccionar ropa de trabajo. Sin desvincularse de los Estados Unidos, la exposición sigue el transcurso de la historia y despoja al vaquero de su asociación exclusiva con la clase obrera, explicando cómo llegó a ser un símbolo de la masculinidad y, posteriormente, una prenda de empoderamiento femenino a través de su destacada difusión en el mundo del cine, la música o los movimientos urbanos.

La exposición también presenta un apartado sobre la producción de denim en Europa, con un tejido industrial de marcas dedicadas a la ropa vaquera que pronto alcanzarían una gran difusión internacional. De hecho, España fue uno de los productores más destacados, con empresas en Cataluña, Valencia, País Vasco y Castilla la Mancha.

Una metamorfosis constante

A partir de la década de 1970, el mundo de la moda adoptó el denim e lo integró sin complejos. La industria avanzó en la búsqueda de nuevos horizontes y dio lugar a innumerables variaciones en los tipos de prendas vaqueras. Es curioso que, aunque el jean nació para perdurar, a finales del siglo XX surgió el gusto por el desgastado y roto. De la misma manera, se utilizó para recrear versiones modernas de piezas históricas totalmente alejadas de la ropa utilitaria. Pinzas, drapeados, abullonados, tableados, estampados extravagantes y todo tipo de bordados inundaron el jean en el mundo del lujo. De hecho, la exposición también explica cómo las grandes marcas de lujo adoptaron el denim e introdujeron los jeans en el mundo del glamour, generando un universo denim caleidoscópico.

Precisamente, la muestra culmina con un “brunch en el Ritz”, donde se busca recalcar cómo el denim ha pasado a formar una parte destacada de la élite social. Con un guiño a la célebre cita de Yves Saint Laurent, que proclamaba “¡Abajo el Ritz!, ¡viva la calle!”, la exposición muestra cómo los jeans acabarían tomando el Ritz con derecho propio gracias a su enorme versatilidad y su papel de reyes absolutos de la calle.

La visión sostenible

Jeans, de la calle al Ritz’ también destaca un asunto incómodo. Más allá de ser el tejido más popular y duradero del mundo, el denim también posee un reverso oscuro: es el tejido que más demanda recursos hídricos. Para producir un solo pantalón vaquero se necesitan 3.000 litros de agua. En uno de los desafíos planteados para el nuevo siglo, la exposición también aborda, aunque de manera cautelosa, las implicaciones ecológicas del proceso de fabricación y la búsqueda de alternativas sostenibles para su producción.

‘Jeans, de la calle al Ritz’ estará abierta al público hasta el 17 de marzo de 2024.

Este noviembre, Gratacós rinde homenaje a la ilustración de moda y lo hace en primer lugar, renovando el escaparate de nuestro espacio en Barcelona que, con las décadas, se ha convertido en un punto de peregrinación para amantes de la moda y el arte.

El vibrante fucsia o pink shocking, el tono que inmortalizó Elsa Schiaparelli en París en los años 30, llama la atención a simple vista, seduciendo con su agresividad dulce pero impactante. La maniquí, que marca la estética del escaparate, va vestida de pies a cabeza con un intenso rosa fucsia en un interesante juego de texturas y relieves. Un exuberante tocado floral complementa un luminoso vestido de lentejuelas y una capa de Jacquard en relieve con motivos geométricos. Una obra visual del diseñador Juan Pedro López, colaborador habitual de nuestro escaparate. Le acompañan varias ilustraciones de la artista británica Lucy Davis, quien, junto con la periodista cultural Laia Beltran Querol, ha editado recientemente el libro ‘Sketching Fashion‘ de la Editorial Gustavo Gili.

‘Sketching Fashion’, una historia práctica de la ilustración de moda

Precisamente esta obra en color shocking pink resume de manera amena los hitos que han marcado la historia de la ilustración de moda, la primera disciplina artística en documentar la moda y, más tarde, en dictar tendencias.

El libro empieza desde los inicios históricos, cuando los grabados renacentistas se convirtieron en el primer medio de reproducción gráfica de la indumentaria, y sigue una línea cronológica que se desarrolla en varios capítulos que han dejado huella en la ilustración gráfica, como la aparición de las láminas de moda en las incipientes revistas literarias de finales del siglo XVII, las cuales informaban a los lectores europeos acomodados sobre las nuevas tendencias en el vestir. El libro también se enfoca en la gran transformación que vivió la ilustración de moda en el siglo XIX, cuando dio el salto a los periódicos y las emergentes revistas de moda, y luego el posterior auge que experimentó esta disciplina artística con el surgimiento de los maestros contemporáneos a principios del siglo XX, quienes elevaron la ilustración de moda a la categoría de arte. Por último, ‘Sketching Fashion’ también aborda los altibajos que ha enfrentado la ilustración en la era de la fotografía de moda y los desafíos actuales que enfrenta la disciplina en pleno siglo XXI, ante las amenazas de la digitalización y la inteligencia artificial.

Más allá de ser un libro histórico goloso de leer, ‘Sketching Fashion’ también deja al descubierto la trayectoria de 21 artistas contemporáneos que marcan la pauta de lo que es hoy en día la ilustración y destacan por su pluralismo y riqueza de estilos. Nombres destacados como David Downton, conocido como el “Leo Messi de la ilustración”, Cecilia Carlstedt, Malika Favre, autora del cartel de La Mercè 2021 en Barcelona, Bil Donovan, Jordi Labanda o Prince Lauder, entre otros talentos, que ofrecen a los lectores una mirada íntima sobre su arte y los hacen partícipes de sus creaciones. Lo más interesante es que cada autor también aporta reflexiones sobre el futuro de la ilustración.

Presentación del libro en el Museo del Diseño en Barcelona

‘Sketching Fashion’ es también un libro que guarda curiosidades, agradecimientos y experiencias compartidas, pero ante todo, busca ser un testimonio de la pasión por el arte y la ilustración de moda que une a Laia Beltran y Lucy Victoria Davis. Las autoras, quienes también están involucradas en el activismo cultural a través de la enseñanza, se conocieron en 2017 durante un desfile del 080 Barcelona Fashion, mientras Davis realizaba dibujos en vivo de algunos atuendos en la pasarela. La conexión entre ambas fue instantánea y a partir de ese primer encuentro profesional, se forjó una amistad que culminó con la publicación de este libro, el cual ahora también está disponible en Gratacós.

Esta anécdota y muchas otras se revelarán el próximo 14 de noviembre en el DHUB (Disseny HUB de Barcelona) con la presentación oficial de ‘Sketching Fashion’, la cual contará con los testimonios de dos de los protagonistas del libro, Jordi Labanda y Vicenç Moustache.

Talleres en directo en el aula formativa de Gratacós

Coincidiendo con el mes de la ilustración, Gratacós también acercará el talento de varios profesionales que impartirán en directo desde el aula formativa sus técnicas y conocimientos para aquellas personas interesadas en aprender sobre el dibujo de moda.

El primer taller lleva por título ‘We are fashion collage’ y será impartido por la periodista cultural Laia Beltran y la ilustradora Lucy Victoria Davis el próximo 21 de noviembre. Esta profesional del dibujo, de origen británico, estudió Bellas Artes, Historia del Arte y Diseño en la Universidad de Middlesex, donde inició una carrera en diseño gráfico y comunicación. Estos estudios la llevaron a dirigir un estudio de diseño en Londres y, finalmente, a trabajar como consultora de diseño y comunicación en Barcelona, donde reside actualmente.

El amor de Lucy por la moda y su pasión por el dibujo siempre han acompañado su carrera profesional, enfocándose en los últimos años en la ilustración de moda y, en particular, en el dibujo en vivo de moda en pasarelas como el 080 Barcelona Fashion o la Barcelona Bridal Fashion Week.

La talentosa ilustradora también ha destacado en publicaciones como Wedding Media International, TimeOut, Diari Ara y El País, y más recientemente en el sector nupcial, Novias España, NP Magazine y Casar-se a Catalunya.

El segundo taller lo dirigirá Joel Miñana y se titula ‘Taller de ilustración de moda’. Este joven creativo de la ilustración en vivo y apasionado del color se entusiasma por captar con rapidez todo lo que sucede a su alrededor: desde las tendencias en la semana de la Alta Costura de París, una fiesta en Madrid o una conferencia en Barcelona. Algunas de sus ilustraciones han aparecido en medios de comunicación, tanto impresos como audiovisuales, así como en los materiales de comunicación de grandes compañías como Chanel, Dior o Hermès.

Además de su faceta como docente, donde imparte clases y talleres, como el que realiza semanalmente en El Palace de Barcelona, Joel Miñana también es un experto en dibujar en vivo en eventos, desfiles y fiestas. Captura momentos más allá de las fotografías y los videos utilizando papel y tinta, otorgando valor a la artesanía, el tiempo y el savoir-faire. La ilustración en vivo le permite narrar escenas, retratar a los asistentes y dar espacio a anécdotas únicas.

¡Vuelven las cajas sorpresa!

Por último, una actualización adicional: en noviembre también regresarán las cajas sorpresa. Esta vez, duplicaremos la oferta al ofrecer dos tipos de cajas diferentes, una en color y otra en blanco, en dos tamaños distintos: una caja grande con 8 tipos de tejidos o una caja pequeña con 4 tipos de tejidos. El espíritu sigue siendo el mismo: un conjunto de tejidos especialmente seleccionados para encantar a quienes los adquieran e incluyen bordados, estampados, Jacquards, lentejuelas, y más. Estos tejidos provienen de colecciones anteriores, han sido seleccionados minuciosamente y combinados entre sí para garantizar una uniformidad cromática. Estas cajas estarán disponibles para su compra online y en nuestro espacio en Barcelona, e incluirán una fantástica ilustración realizada por nuestra compañera Irene, quien también es ilustradora de moda en su perfil de Instagram: @mintyrenillustration.

El mes de la Ilustración concluirá con un cóctel que reunirá a clientes y amantes de la moda y la ilustración el próximo 29 de noviembre en el espacio Gratacós en Barcelona. Pronto proporcionaremos más detalles sobre este último evento que pondrá el broche de oro a este pequeño homenaje a la moda dibujada.