No corren buenos tiempos para la supervivencia de aquellos espacios propios que destilan autenticidad y singularidad, y que añaden ese carácter propio que tanto se echa en falta en la mayoría de las ciudades. El comercio minorista y las tiendas multimarca que llevan el gusto y estilo de su propietario van poco a poco desapareciendo en esas mismas urbes homogeneizadas con sus calles comerciales idénticas repletas de cadenas multimarca y otros comercios de oferta insípida que apelan a la monotonía y al tedio. La cultura del clon parece que aún no conoce sus límites.

No es una visión pesimista es una realidad que percibimos también en otros ámbitos, pero quizás ante tanta uniformización cuando hay alguien o algo que desmarca de la norma, llama aún más la atención. Y uno de estos espacios mágicos es Dover Street Market.

La revolución de la venta minorista

Dover Street Market acaba de cumplir 15 años y su legado está presente en las principales capitales internacionales de la moda. Sus creadores, la diseñadora japonesa Rei Kawakubo, artífice de Comme des Garçons y su marido Adrian Joffe quisieron concebir su propio experimento: una tienda “anti departamento”, donde todo fluyera en un mismo concepto, que reuniera en un mismo espacio a diseñadores consagrados y vanguardistas como a nuevos talentos. Una concept store inspiracional de moda y belleza dedicada a crear experiencias sensoriales a los clientes con una renovación constante del producto. Lo importante es generar sorpresa a través de la novedad y lo inesperado.

Dover Street Market abrió sus puertas por primera vez en 2004 y en su día revolucionó el panorama de la venta minorista con su exitosa fórmula. Kawakubo y Joffe lo tenían claro: no se dirigían a un cliente en particular ni tampoco querían separar la tienda en departamentos fijos. Justo lo contrario: querían crear un concepto único donde todo fluyera, acorde con el espíritu de cada marca para captar la atención del público esteta que ama lo clásico y lo vanguardista, los jóvenes diseñadores y las marcas de lujo. Un lugar capaz de atraer e inspirar, “que estimulara los sentidos, elevara el espíritu y que consiguiera que uno se sintiera positivo”, afirmó Joffe para Vogue.

Rei Kawakubo lo calificó como el principio del “caos hermoso” para mencionar el deseo de romper con las convenciones de toda la vida del comercio al por menor para favorecer la creación de un espacio colaborativo gigante en el que los amigos y familiares de Comme des Garçons se pudiesen congregar, interactuar los unos con los otros y presentar sus marcas de maneras nuevas y dinámicas.

Este innovador comercio que se suma a otros que han marcado tendencia en esta última década se ha extendido en todo el mundo, desde Nueva York hasta Los Ángeles, Pekin, Tokio y Singapur. El espacio más reciente, abrió en octubre en una tienda dedicada a perfumes y cosméticos en París: el nuevo invento se llama Dover Street Parfums Market.

Le llaman el nuevo negro por su versatilidad y funcionalidad, apelando la elegancia desde la discreción. El azul marino nunca fue un tono arriesgado, ni pretendió serlo porque precisamente seduce a través de la armonía, el equilibrio y la atemporalidad, convirtiéndose en una apuesta segura dentro del armario, que va más allá de los ciclos y las modas que dicta el sector. Y ya se sabe que lo clásico nunca muere. Por eso, este tono en cuestión roza la inmortalidad. 

A continuación te explicamos algunas curiosidades del enigmático azul marino:

El origen del azul marino

El azul marino debe su nombre al azul oscuro que se usaba en los uniformes de varias marinas de guerra. La primera en adoptar este tono fue la Marina Real Británica en 1748 y, posteriormente, se extendió en la mayoría de armadas del mundo. De hecho, ofrecía una ventaja y es que al ser casi negro se evitaba la pérdida de color. Así, durante el siglo XVIII se utilizó como base para teñir los uniformes.

Durante el siglo XIX, el uso del azul marino se extendió a otras profesiones y rápidamente conquistó la calle. Entonces el color negro seguía manteniendo el dominio en las indumentarias consideradas serias. Sin embargo, los tintoreros usaron los pigmentos azul de Prusia y añil para lanzar la moda de telas y vestidos de color azul marino, lo que se convirtió en un fenómeno social. El azul marino mantenía la sobriedad del negro, pero resultaba ser menos duro y sobre todo más barato. De hecho por lo general, el color de la indumentaria no fue una cuestión de gusto, sino más bien de dinero. Después de la Primera Guerra Mundial, esta tonalidad oscura desplazó al negro en muchas profesiones como marinos, militares, gendarmes, policías bomberos o funcionarios.

Dior lo adopta como un símbolo feminista

“Entre todos los colores, el azul marino es el único que puede competir con el negro presentando las mismas virtudes”. Esta frase de Christian Dior ha guiado también la última etapa de la maison francesa capitaneada por Maria Grazia Chiuri, la primera mujer que ha liderado la dirección creativa desde 2017. De azul marino fue la segunda colección de Chiuri para Dior recogiendo la herencia del modisto francés de forma transgresora en una propuesta cargada de piezas nunca vistas en la pasarela como el pantalón vaquero o el beret de cuero negro como accesorio estrella.

Así, los vestidos de noche, con transparencias y brillos, se alternaron con otros looks de pantalón y monos de trabajo, como si fueran uniformes de fábrica combinados con bolsos de mano estampados. El azul marino representa para Chiuri la igualdad y la uniformidad. No se distinguen clases ni géneros. “El look de trabajadora es una forma de decir que tenemos que trabajar para tener las mismas oportunidades”, argumentó en su momento. Desde entonces, este color se ha convertido en un recurso habitual en las colecciones de Dior que adoptan, en menor o mayor proporción, de azul marino.

El azul más clásico también será el color del 2020

De azul también se teñirá 2020. El instituto Pantone, referencia mundial en temas cromáticos, ha elegido el Classic Blue 19-4052 como el color que influenciará el año que viene en sectores tan creativos como el diseño, la moda o la publicidad. Según la institución, es un “tono azul temporal y duradero, elegante en su simplicidad”. Sugiere el cielo al atardecer y sus cualidades tranquilizadoras, como la promesa de protección”, ha asegurado Laurie Pressman, vicepresidenta del Instituto del Color Pantone.

Según la institución, Classic Blue surge en momentos convulsos y de cambio y esta tonalidad evoca el deseo de consolidar cimientos fiables y estables sobre los que edificar. En este sentido, invita al refugio: “Vivimos en una época que exige confianza y fe, y este tipo de azul ofrece un sentimiento sólido y fiable que anima a ampliar nuestro modo de pensar y reta a profundizar en las cosas”, ha explicado por su parte Leatrice Eiseman, directora ejecutiva de Pantone.

El color Pantone del año lo eligen los directivos de la firma y unos 40 expertos de todo el mundo que tienen en cuenta factores como la coyuntura económica, las películas y canciones del momento o cuestiones sociales, entre otras variables. El Classic Blue releva así el Living Coral, el color del 2019.

Barcelona se va perfilando, paso a paso, como ciudad sostenible en todas sus facetas, entre ellas, la moda. En esta materia, la capital condal se convertirá este fin de semana (29 y 30 de noviembre) en el epicentro del debate sobre moda sostenible y ética en el sur de Europa con la celebración de la primera edición del Re-Barcelona Sustainable Fashion Global Event: un punto de encuentro internacional donde la sostenibilidad en el sector de la moda será la protagonista y donde se debatirá sobre la creciente necesidad de reimaginar la industria de la moda y repensar nuestros hábitos de consumo. Este singular evento, coorganizado por la Asociación Moda Sostenible Barcelona (MSBCN) y Seed&Click, e impulsado por el Ayuntamiento de Barcelona nace con la vocación de convertirse en el altavoz y foro de discusión de las mejores prácticas e iniciativas en creación, producción, venta y uso de moda sostenible entre los países del arco del Mediterráneo.

Ponencias en clave sostenible

Re-Barcelona reunirá en el Disseny Hub Barcelona a más de 30 profesionales internacionales de la moda sostenible. El primer día está dirigido a profesionales de la industria de la moda y la segunda jornada estará abierta a la ciudadanía para sensibilizar y transformar a los consumidores hacia hábitos de consumo más responsables a través de la moda con exposiciones, talleres, proyecciones y masterclasses.

Así, el viernes 29 tendrá lugar el Summit Sustainable Fashion and Beyond que abordará, para el mundo profesional, las realidades y los desafíos del sector de la moda para conseguir una industria más sostenible. Durante esta jornada, participarán destacados nombres del ámbito internacional como Rossana Orlandi, una de las personalidades más influyentes del mundo del diseño; Marie-Claire Daveu, directora de sostenibilidad de Kering; Sara K Arnold, fundadora de Higher Studio; Aldo Sollazzo, CEO de Noumena; Manel Subirats, director general de Greendyes Research Lab de Nextil; Mar Isla, Directora de la Cátedra de economía circular, de TecnoCampus; Kavita Parmar, fundadora de IOU Project; y Marilyn Martinez, analista sénior de Make Fashion Circular en Ellen MacArthur Foundation; entre otros.

Además, el encuentro contará con cuatro mesas redondas: la primera, para debatir sobre la capacidad de reciclaje de los tejidos y reflexionar sobre materiales innovadores y sostenibles para el futuro; la segunda, para discutir sobre los nuevos modelos de negocio; la tercera, sobre el mindset del consumidor; y la última, sobre la sostenibilidad en su globalidad, incorporada en el retail del futuro. Participarán destacados portavoces del sector como Manuel Martos, Group Managing Director de Nextil; François-Ghislain Morillion, fundador y CEO de Veja; Elena Foguet, Business Director Spain de Value Retail; Mariona Sanz, directora de Girbau LAB en Girbau; Carolina Álvarez-Osorio, directora de marketing y comunicación de Ecoalf; Carlos Lahoz, Global Brand Innovation Strategist para Textile Printing Business, de HP Inc.; Franco Ghiringhelli, director general, de Ezio Ghiringhelli Spa; Pau Solanilla, presidente, de Reputation Republik; Tamsin Lejeune, CEO de Common Objective; entre otros. Iria Pérez, redactora jefe de Modaes.es será moderadora, así como David Allo, director de sostenibilidad en Texfor; entre otros. La cumbre profesional es de pago y las entradas están a la venta en la página web oficial del evento.

Un espacio abierto al público

Por otra parte, el Re-Barcelona ofrecerá un espacio abierto al público que, durante los dos días del evento, será escenario de presentaciones, mesas redondas, actividades, talleres y proyecciones de fashion films. El Open Space, titulado ‘Conscious Space Beyond’, incluirá una zona de exposición con estands de emprendedores, empresas y entidades relacionados con la moda sostenible.

Entre los expositores se encuentran las entidades residentes en Disseny Hub Barcelona: BCD Barcelona Centre de Disseny, que promoverá el “Hula Hoop: la experiencia en diseño circular” para tomar conciencia ambiental a través de talleres; y MODA-FAD, que celebrará el “MODA-FAD Sustainable Challenge”, un maratón de diseño donde 30 estudiantes crearán nuevas piezas a partir de residuos textiles. 

Los asistentes también podrán disfrutar de la muestra ‘Victor Papanek: la política del diseño del Museu del Disseny’, la primera gran retrospectiva centrada en uno de los precursores del activismo social y la sostenibilidad en el diseño. También se expondrá ‘Reimagine Textile’, un programa de emprendedores en el que participa TecnoCampus que presentará start-ups con proyectos innovadores; y el Reshape que mostrará los ganadores de su concurso anual sobre productos inteligentes y tecnología wearable gracias al apoyo del Consulado General de Italia en Barcelona.

Finalmente, en el Open Space, Girbau se ofrecerá una masterclass sobre “wet cleaning” o sistema de lavado con agua, la alternativa verde al percloroetileno para tintoterías. En este mismo espacio tendrán lugar presentaciones de varios proyectos, y como parte de los Re-Talks, se realizarán mesas redondas. Por último, también se proyectarán fashion films, en colaboración con el British Council y el Consulado General de Italia en Barcelona.

 

Un homenaje al diseño, a la creatividad y al talento emergente. Eso es exactamente lo que se ha celebrado esta semana en el Museo Guggenheim Bilbao con el 25 aniversario de IED (Escuela Superior de Diseño) en España. Entre otras actividades, la reputada escuela de moda y diseño quiso recordar la efeméride con un impresionante desfile de moda en la que participaron diseñadores nacionales e internacionales que se han formado en las aulas de IED Madrid y IED Barcelona, desde que la institución aterrizó en Madrid en el año 1994. Gratacós también participó en esta exhibición de jóvenes creadores colaborando a través de tejidos que cobraron forma de exuberantes prendas en la pasarela. De hecho, forma parte de nuestro compromiso como empresa apoyar a las escuelas que ayudan a instruir a los futuros diseñadores.

Un desfile de jóvenes promesas de la moda española

Bajo el nombre “25 diseñando el futuro”, la escuela IED agrupó en un mismo desfile a 25 colecciones distintas firmadas por exalumnos del IED Madrid y IED Barcelona que fueron los encargados de plasmar el pasado, el presente y el futuro de la escuela. Un evento que se enmarcó en el programa TopArte del Museo Guggenheim Bilbao, con ocasión de la celebración de la Bilbao Bizkaia Design Week. Nombres reconocidos que participan asiduamente en las principales pasarelas españolas como Moisés Nieto, Carlota Barrera o Cristina Tamborero desfilaron conjuntamente con otros sellos de autor emergente en una muestra ecléctica de prendas y visiones que destacan la individualidad de los diseñadores procedentes de diferentes partes del territorio nacional y también de países como Italia, Brasil, Rumanía, Israel, México o Reino Unido, entre otros. “La moda es el medio más potente de expresión de la identidad de los seres humanos. Es el conector y colector de los sueños, las pulsiones, las preocupaciones, las inspiraciones de las personas… y por ello, queremos mostrar un mosaico representativo del talento IED de los últimos 25 años”, explicaba Alessandro Manetti, CEO del IED en España para justificar este potente desfile.

 

“El IED ha dejado como herencia una importante generación de diseñadores que promueven la cultura
y la sensibilidad del diseño por todo el mundo” – Alessandro Manetti

 

Los looks elegidos de cada diseñador participante tenían la intención de definir el futuro de la moda y reflejar los desafíos que el sector presenta en la actualidad con propuestas realizadas bajo una mirada sostenible, diseños conceptuales y de vanguardia, delicadas piezas confeccionadas a mano y de producción local o vestidos de fiesta para grandes celebraciones que siguen las técnicas de la alta costura. “El IED ha dejado como herencia una importante generación de diseñadores que promueven la cultura y la sensibilidad del diseño por todo el mundo”, añadía Manetti. Además, para la ocasión un exalumno del IED Madrid, una del IED Barcelona y otro del IED Milán crearon dos looks cada uno para el evento en homenaje al 60 aniversario de la construcción del Museo Guggenheim de Nueva York, diseñado por el arquitecto Frank Lloyd Wright. Las formas curvas en espiral, la delicadeza de las piezas de arte expuestas en él o la opulencia de la arquitectura del edificio han inspirado los diseños, algunos de los cuales se han fabricado con nuestros tejidos que ofrecimos para la celebración.

Un evento lleno de caras conocidas 

Este desfile conmemorativo de los 25 años de IED contó también el apoyo y asistencia de importantes celebridades vinculadas con el mundo de la moda como la actriz Rosy de Palma; la crítica internacional estadounidense Diane Pernet; la experta en moda belga Francine Pairon, o el diseñador Custo Dalmau, que acompañaban a Pilar Pasamontes, directora científica de Moda del IED y a Julia Weems y Mosiés Nieto, directores del área de moda del IED Barcelona y Madrid respectivamente. Entre el casting de modelos, se encontraba Palito Dominguín, hermana de Bimba Bosé e hija de Lucía Dominguín, y la modelo Bet Callieri quien se ocuparon de cerrar el desfile.

Fue un placer colaborar en este evento único de celebración del IED y desde Gratacós estamos ansiosos de ver todo lo que está por venir.

¡A por 25 años más!

Algo se cuece en Georgia que está captando el foco de atención de la industria de la moda. En la última década, el país caucásico se encuentra en plena ebullición creativa y afecta a varias disciplinas como el arte, el diseño y, por supuesto, también la moda. En su capital, Tbilisi se está erigiendo un auténtico caldo de cultivo de diseñadores emergentes que aportan a través de su creatividad, un sello distintivo a la industria, ávida de por sí de novedades y dispuesta a cazar siempre nuevos talentos. Entre los creativos más relevantes a nivel internacional no hay que obviar por ejemplo Demna Gvasalia que ha revolucionado el panorama con sus diseños irónicos e impracticables para Vetements y su éxito le ha llevado hasta la dirección creativa de Balenciaga. También destaca David Koma capitaneando la firma Thierry Mugler y su propia marca homónima con sede en Londres. Tanto Gvasalia como Koma representan las cabezas más visibles de una nueva ornada de creativos que sacuden la región caucásica.

Evidentemente, Tbilisi aún no puede competir con París, Londres, Milán o Nueva York, pero poco a poco, la Mercedes-Benz Fashion Week Tbilisi va cogiendo peso y relevancia dentro del panorama internacional. De entre todos los diseñadores independientes que han presentado las últimas colecciones en la pasarela seguimos de cerca los diseños de Anouki Areshidze con su marca propia Anouki; las creaciones de Gvantsa Janashia quien habitualmente confía en nuestros tejidos para elaborar los looks de las últimas colecciones; la firma Dalood capitaneada por su fundadora Maka Kvitsiani; la marca Gegesha; las creaciones lujosas de Ani Datukishvili, y el estilo minimal de Keti Chkhikvadze. Diseñadores de nombre (casi) impronunciable que habitualmente confían en nuestros tejidos para elaborar sus locuras creativas.

Una pasarela que también genera fascinación entre los fashionistas que asisten a los desfiles ataviados con unos street style de estilo fresco y moderno, que llenan decenas de galerías fotográficas. De hecho, las revistas de moda cada vez son más conscientes de esta efervescencia que se aprecia y se contagia entre las personas a pie de calle que dictan las tendencias. Por eso  es cada vez más habitual ver a los fotógrafos de los medios internacionales captando hasta el último detalle de los outfits de las it-girls e it-boys georgianos.

Dominnico brilla en la Mercedes-Benz Fashion Week Tbilisi

Quien no podemos obviar es a Dominnico y su puesta en escena en su incursión en la pasarela georgiana a principios de noviembre, lo que ha supuesto la primera experiencia internacional del diseñador alicantino en el mundo de la moda. Cabe recordar que Domingo Rodríguez ganó el premio Mercedes-Benz Fashion Talent durante la pasada edición de julio de la pasarela madrileña. Un galardón que encumbra a los jóvenes talentos y que promete una tentadora recompensa: desfilar en la Mercedes-Benz Fashion Week Tbilisi.

Así, Dominnico ha tenido otra oportunidad para presentar su colección ganadora ‘Harajuku Kids’, expuesta durante el mes de septiembre en nuestro espacio creativo de Barcelona. La colección SS20 se inspira en el movimiento que surge en Internet y el colorido que proponen artistas como Andy Dixon o Antoni Tudisco con maniquíes que se asemejan a las muñecas Bratz. Destacan sus característicos diseños de plástico tornasolado, los tejidos brilli-brilli, el espléndido trabajo de peletería y sus vestidos voluminosos que cautivaron también al público georgiano. 

Seguiremos de cerca el trabajo de Domingo Rodríguez y desde Gratacós, le agradecemos su apoyo y confianza. ¡Gracias Dominnico!

Londres, Berlín, Budapest, Barcelona… en las principales ciudades europeas existen iniciativas comerciales que revolucionan -y revalorizan a su vez- espacios industriales en situación de abandono y que, junto a otras ayudas económicas y sociales, se convierten en zonas residenciales llenas de vida que cuentan con una amplia oferta cultural y ocio, manteniendo siempre esa estética fabril que las caracteriza. Zonas marginales que pasan a ser los barrios cool del momento.

En Igualada y desde una magnitud más modesta, la iniciativa Rec.0 cumple 10 años agitando a base de creatividad, el barrio industrial del Rec, una zona genuina donde habitan más de un centenar de viejas curtidurías -la mayoría en desuso- que ponen de manifiesto el legado textil y el peso en la industria de la piel que esta pequeña ciudad barcelonesa tuvo desde el siglo XVIII hasta día de hoy. Precisamente, este año la organización del Rec.0 ha decidido apostar por enseñar las entrañas del patrimonio industrial del barrio a través de varias actividades como el descubrimiento de nuevas curtidurías convertidas en equipamientos culturales, workshops sobre el proceso de creación artesanal del cuero y de la piel y visitas guiadas a varios espacios del barrio que siguen en funcionamiento, entre otras. Un conjunto de actividades que no sólo quieren mostrar qué había en este singular barrio, sino poner en evidencia cómo se ha transformado el Rec en los últimos diez años.

Más allá de la voluntad por preservar y dar a conocer el patrimonio, el Rec.0 sigue siendo el mismo de siempre: un festival comercial bianual en formato efímero que durante cuatro días revoluciona esta zona la ciudad a través de pop up stores de marcas de moda internacionales y firmas locales que cohabitan precisamente en distintos espacios industriales que se recuperan y se adornan para la ocasión para que las marcas participantes puedan hacer sus ventas especiales a precios radicales. Y con esa misma fórmula, que se repite edición tras edición, se ha conseguido en la última década establecerse como una cita indispensable -y alternativa- en el terreno comercial y cultural de Cataluña.

El diseño de autor guía el Rec Experimental Stores

En esta edición, el recorrido urbano por el barrio del Rec incluye 60 espacios efímeros que sorprenden al consumidor y que albergan más de 80 marcas de diferente formato y producto que hacen sus ventas especiales de stocks en tiendas que solo existen durante el transcurso del festival de moda. Hay novedades destacadas como Brownie, Vans, Pretty Ballerinas, Mascaró, o Eastpack, entre otras, que conviven con buques insignias como Levi’s, Adidas, Munich, Mango, Sita Murt, Indi & Cold, Nice Things, Ash…

Lo que nos parece más interesante es que estas grandes firmas nacionales e internacionales conviven junto a marcas de diseñadores independientes como Miriam Ponsa, Txell Miras y Josep Abril que siempre comparten la misma pop up store y se han convertido en el tridente del diseño del Rec.0, hasta el punto de que el festival es el causante que ellos tres decidieron sumar esfuerzos para impulsar sus tiendas conjuntas en Barcelona.

Este año, en el espacio de diseñadores también se encuentran Gorni Kramer o Who. Precisamente, para dar más cancha a las firmas de pequeño formato, la organización del Rec ha abierto un nuevo patio donde cada día se instalará una marca joven que se abre camino en el mundo de la moda, dando una posibilidad comercial a los diseñadores emergentes. Estos intercambiarán sinergias con otras marcas de moda catalana como Brava Fabrics, Woodys Barcelona o Cuirum que convivirán con la moda nórdica de Sessún o Samsoe Samsoe. Por último, en esta zona dedicada al diseño más local también se encuentra la pop up store 080 con el ganador del concurso Rec.0 junto a la pasarela catalana. Este año el premiado fue IAIOS, una marca de jerséis elaborados con hilo reciclado.

Ocio y cultura en familia

Para amenizar las compras y las visitas al entorno patrimonial del barrio industrial, el Rec.0 ha organizado en paralelo una agenda cultural y gastronómica con actividades gratuitas para todos los públicos y gustos. En música destacan conciertos esporádicos de grupos y cantautores locales como Joan Colomo, Red Pèrill y Beth, entre otras actuaciones. También se impulsan debates y reflexiones sobre temas vinculados con el festival. Este año en el espacio Reecmeeting, Genís Roca dará una charla sobre transformación digital. Para los amantes del cine, el Zoom, el Festival Internacional de Contenidos Audiovisuales de Catalunya contará con un espacio de proyección de cortometrajes y novedades en la pequeña y la gran pantalla. Por último, también destaca la oferta gastronómica con espacios pensados para productores locales y cocina KM0 donde cocineros harán propuestas de comida de proximidad en diferentes pop-up bares que se han construido expresamente para el festival.

La nueva edición del Rec.0 empieza hoy y tendrá lugar hasta el 9 de noviembre en el barrio del Rec de Igualada.

Las exposiciones de moda apetecen en cualquier época del año. Representan una oportunidad para reflexionar sobre el sector desde múltiples puntos de vista y bajo temáticas tan distintas como las que os proponemos a continuación: el diálogo que establecen las prendas y sus tejidos en las sociedades migratorias, la importancia de la sostenibilidad, la historia del calzado o una visión de la fotografía de moda a través de uno de los grandes artistas contemporáneos.

A la víspera de un nuevo puente, el de Todos los Santos, os proponemos una nueva ruta cultural por algunas exposiciones europeas que aún no habíamos mencionado en este blog. Interesantes muestras de moda en capitales culturales como son Amberes, Florencia, Londres y París para que también encontréis como nosotros inspiración, conocimiento y nuevas ideas que os enriquezcan en vuestros respectivos trabajos. ¡Toma nota!

1. Amberes: ‘Textile as Resistance’

La exposición ‘Textile as Resistance’ del MoMu (Museo de Moda de Amberes) plantea interesantes cuestiones al público: ¿Qué mensajes e historias pueden transmitir los tejidos? ¿Qué dice una pieza de ropa de la persona que la lleva? ¿Pueden los tejidos entretejer el pasado con el presente? ¿Pueden ser actos de resistencia? La periodista Samira Bendadi y el fotógrafo Mashi Mohadjerin reflexionan sobre los valores que pueden aportar los tejidos (refugio, resistencia, esperanza, felicidad, tradición, belleza, espiritualidad y descolonización) e intentan dar respuesta a todas estas preguntas a través de esta muestra desafiante. Se trata de un proyecto fotográfico conjunto que empezó través de historias de inmigrantes en la capital belga de la moda y que pronto se extendió a otras partes del mundo. Así, en ‘Textile as Resistance’, esta pareja creativa te invita a descubrir ropa y textiles como excusa para conocer historias visuales y escritas que transcienden fronteras religiosas, culturales y nacionales. La migración marca el cambio social, estético y personal.

Momu. ‘Textile as Resistance’. Hasta el 16 de febrero de 2020.

2. Florencia: ‘Sustainable Thinking’

La sostenibilidad no es ni una moda ni una tendencia: es una necesidad real. Conscientes del giro hacia lo verde que también estamos impulsando desde Gratacós, nos interesa especialmente recomendar esta exposición que alberga el Museo Salvatore Ferragamo de Florencia. ‘Sustainable Thinking’ invita a la reflexión a través del arte y la moda.

El término “sostenibilidad” define la capacidad humana para satisfacer “las necesidades de la generación actual sin comprometer la capacidad de las generaciones futuras para satisfacer sus propias necesidades”. Es un desafío que no se limita a los métodos de producción, sino que también implica un mayor enfoque en el medio ambiente en general. Debe restablecerse el equilibrio, comenzando con una forma de pensar más consciente y compartida que sea capaz de generar nuevas estrategias de desarrollo y coexistencia. Por este motivo, ‘Sustainable Thinking’ expone la obra de numerosos artistas que reflexionan sobre la sostenibilidad. Algunos proyectos se centran en recuperar el vínculo con la naturaleza, el uso de materiales orgánicos, la necesidad de una reutilización creativa de los materiales, la conexión entre sostenibilidad y tecnología… Una oportunidad para que artistas, diseñadores de moda, fabricantes de textiles e hilados ofrezcan una pluralidad de miradas que inspiren nuevos proyectos sostenibles.

Museo Salvatore Ferragamo. ‘Sustainable Thinking’. Hasta el 8 de marzo de 2020.

3. Londres. Tim Walker

Coincidiendo con la exposición dedicada a la talentosa diseñadora Mary Quant, “la madre” de la icónica minifalda, el museo Victoria&Albert Museum estrena en paralelo una nueva muestra, esta vez dedicada a la fotografía. Como su nombre indica, ‘Tim Walker: Wonderful Things’ representa un viaje inmersivo en los mundos fantásticos creados por este fotógrafo contemporáneo de moda. Uno de los perfiles más interesantes de la actualidad. En concreto, la exposición muestra el proceso creativo de Tim Walker a través de sus imágenes, películas, sets fotográficos e instalaciones especiales. La muestra también incluye además una exclusiva sesión de fotos elaborada con algunas prendas icónicas del museo.

V&A. ‘Tim Walker: Wonderful Things’. Hasta el 8 de marzo de 2020.

4. París. “Marché et Démarche: Historie de la Chaussure”

El Museo de las Artes Decorativas de París vuelve a programar una nueva exposición de moda para captar la atención de los visitantes. En esta ocasión el foco de atención es el calzado y su historia. Del complemento en sí hasta una reflexión en el acto de caminar. La muestra parte de un zapato de 1792 atribuido a Maria Antonieta que medía tan solo 21 centímetros de largo para luego, poco a poco indagar en la historia que se esconde detrás de cada accesorio exhibido. Una muestra de 500 obras entre zapatos, pinturas, fotografías, obras de arte y películas para indagar más sobre esta prenda que viste nuestros pies.

Museo de las Artes Decorativas. “Marché et Démarche: Historie de la Chaussure”. Hasta el 23 de febrero de 2020.

Las transparencias se han asociado tradicionalmente a los meses templados o cálidos del año, donde la aparente desnudez que otorgan las prendas diseñadas con tejidos translúcidos se ve justificada por las altas temperaturas. Hasta el momento, era lo más común o aceptado por una mayoría y obedecía, a su vez, a las demandas del mercado y a las necesidades de los consumidores. Al final, todo quedaba en una simple norma: más tejidos transparentes y livianos en verano, más tejidos gruesos y opacos en invierno. Actualmente, las transparencias han perdido su habitual estacionalidad y los diseñadores de las grandes firmas se han encargado de que el público las desee en cualquier época del año al hacerlas resurgir paulatinamente entre sus colecciones. Encajes, tules, bordados transparentes… de todos los tejidos que muestran la piel de forma perspicaz, hay uno que copa todas las miradas en lo que va de año: la organza.

Breve evolución histórica

La organza es una tela de seda muy fina que es tratada para que mantenga una cierta rigidez que le da esa apariencia almidonada. Su nombre proviene de Urgenc, ciudad de Uzbekistán y llegó a Europa desde la India en el siglo XVIII. A pesar de estar presente en el continente y tras sus vínculos iniciales al servicio de la aristocracia, no fue en pleno siglo XX cuando este tejido se popularizó a todos los estratos sociales. El responsable fue Yves Saint Laurent quien elevó este tejido a los altares de las tendencias. Así, en 1966 Yves lo dejó al descubierto con su primer look con transparencias. Al principio, la organza desvelaba sutilmente algunas partes del cuerpo, pero el escándalo vino dos años más tarde cuando diseñó un atrevido vestido que mostraba completamente el pecho. En la década de los 80, la organza se alió con los volantes y los volúmenes propios de la época para hacer exageradas combinaciones, según la moda del momento que inmortalizaron iconos como Molly Ringwald, Liz Taylor o Ladi Di. En los años 90, el tejido tuvo una tercera juventud gracias a la colección primavera-verano 1997 de Prada que homenajeaba las transparencias y el triunfo del minimalismo. Curiosamente, la firma italiana fue de las primeras en rescatar este tejido el año pasado, probablemente influenciada por el nuevo furor que revive actualmente la organza.

El tejido revelación de la temporada

Este tejido fino, translúcido y rígido tiene la peculiaridad de añadir elegancia, delicadeza y cierto romanticismo y, por consiguiente, puede llegar a elevar cualquier look con una simple prenda. Hasta el momento, la organza también se había vinculado en el exclusivo ámbito de las celebraciones, y aunque allí se mantenga, la demanda de este tejido, para otro tipo de ocasiones, no ha dejado de crecer.

En las pasarelas actuales, la organza ha hecho acto de presencia en las colecciones de Ralph Lauren, Balmain, Dolce & Gabbana Simone Rocha y Fendi, por citar algunas firmas, pero también en las cadenas de moda rápida que han democratizado su uso hasta hacerlo accesible al gran público. Por ejemplo, Zara presentó en verano una colección de blusas, faldas y vestidos elaborados con organza que tuvieron un éxito fulminante, agotando existencias.

De las pasarelas a la calle

Si una moda la adoptan en paralelo las prescriptoras de moda internacionales, el éxito está más que asegurado y acabará llegando tarde o temprano al gran público. Así, de todas las piezas elaboradas con organza, la blusa con mangas abullonadas es la prenda favorita para apostar por este tejido, siendo el mejor aliado para reinventar unos pantalones tejanos. Esta pieza da un toque romántico a los looks sin necesitar otros complementos. A pesar del triunfo de los neutros (blanco, negro, beiges…), también se lleva el color que puede ir desde la paleta más vibrante hasta los pasteles, nuestros preferidos. Esta prenda funciona incluso con faldas de volumen o pantalones palazzo.

Desde Gratacós queremos mostrarte algunas organzas de nuestra actual colección y de las próximas temporadas. En nuestro espacio de Barcelona encontrarás un buen surtido de tejidos para que decidas si quieres utilizar la organza en una ocasión festiva, o decides sumarte a la tendencia y deslumbrar con una prenda elaborada con este tejido en tu día a día.

Madrid 1978. España salía de la dictadura y su capital experimentó una década prodigiosa que sacudió el panorama cultural y artístico. Esa revolución en tecnicolor que convirtió Madrid en la sede de la diversión y la creatividad se le llamó La Movida. ¿Te acuerdas de ella?

Ahora, una exposición organizada por la Fundación Foto Colectania en Barcelona recuerda esos años experimentales bajo un título transgresor: ‘La Movida. Crónica de una agitación’. Una muestra, recién inaugurada, que ofrece una aproximación a este momento histórico desde la perspectiva de la fotografía, abordando ámbitos y miradas radicalmente diferentes. La exposición, presentada en verano en el prestigioso festival Les Rencontres d’Arles, se centra en la labor de cuatro fotógrafos que inmortalizaron algunos iconos de La Movida: Alberto García-Alix, Ouka Leele, Pablo Pérez-Mínguez y Miguel Trillo. Estos profesionales vivieron en primera persona esta revolución cultural, convivieron, se cruzaron y se encontraron en diferentes ambientes, pero lo interesante de la exposición es como cada uno de ellos lo inmortalizó desde una óptica distinta, mostrando diversas caras de una misma realidad.

Así, la exposición presenta esta mirada poliédrica sobre el movimiento, en la que se pueden contemplar extraordinarias fotografías que dan un testimonio excepcional de la época. Auténticas joyas visuales como las fotografías de época de García Alix que son testimonio de cómo se transformaba la calle y los personajes que la habitaban; las instantáneas oníricas y coloreadas de Ouka Leele llenas de frescura e imaginación; la perspectiva gamberra de Pablo Pérez-Mínguez en cuyo estudio se dejaron fotografiar todos sus protagonistas bajo el lema del “Todo vale”, y las tribus urbanas de Miguel Trillo que retrató la libertad de la calle y la juventud del momento, agrupada en grupos según su manera de vestir y sus comportamientos. La muestra también incluye además una selección de materiales como vinilos, fanzines o carteles, así como una proyección de actuaciones musicales que complementan los universos personales de los fotógrafos.

La singularidad de La Movida

La Movida fue una época singular y espontánea de la cultura contemporánea española. Tuvo lugar en Madrid a finales de los setenta y se extendió durante la década de los 80, coincidiendo con la alcaldía de Enrique Tierno Galván. Tras varias décadas de dictadura y ostracismo, la transición española vio aparecer una nueva generación fascinada por la modernidad y la idea de lo nuevo, que cristalizaría en creadores procedentes de diferentes campos como la música, la moda, el cine, la pintura o la fotografía. Este apogeo cultural se distinguió en otras ciudades europeas por ser un fenómeno que conectaba directamente con la vida cotidiana del momento.

La exposición ‘La Movida. Crónica de una agitación’ se podrá visitar en la Fundación Foto Colectania de Barcelona hasta mediados de febrero. Una mirada al pasado hacia la ciudad más divertida y libre del momento.

La “comunidad del color” crece edición tras edición generando una gran expectativa entre los profesionales del diseño que se marcan en el calendario, las citas que marca dos veces al año The Color Community. Como ya sabéis, se trata de una iniciativa dirigida por un grupo de profesionales que, desde diferentes disciplinas creativas, comparten un estudio global del color y la materia. Aunque en cada informe que se presenta participan varios colaboradores, el núcleo base lo forman tres profesionales: el arquitecto Pere Ortega; la diseñadora especializada en Colour & Trim, Eva Muñoz; y Rosa Pujol, Textil & Colour Stylist de Gratacós.

Como es habitual, The Color Community se celebra en la Antigua Fábrica Damm de Barcelona, un poderoso colaborador que cede las instalaciones y dispone de refrigerios para llevar a cabo la presentación del informe y un posterior afterwork. En esta decimotercera edición, se presentó la carta de colores que marcarán la temporada Primavera-Verano 2021. Es un informe orientativo que como cada año sirve de inspiración para los profesionales del sector.

Juan Gratacós: “El tejido sin color sería aburrido”

En nuestro caso, esta cita es siempre imperdible. No solo por la participación de Rosa Pujol, encargada del departamento de diseño de la empresa, sino porque Gratacós se desvive por las gamas cromáticas. “Nos encanta el color y el tejido sin color sería aburrido”, comentó Juan Gratacós minutos antes de la presentación del nuevo informe.

Esta edición se inspira en el concepto de la adaptación con matices positivos. “Le sacamos la carga humilde o negativa a la palabra porque adaptarse no quiere decir conformarse, todo lo contrario”, detalló el arquitecto Pere Ortega en la presentación. Así, ‘Adapt’ se basa en la idea de ajustarse a un contexto determinado, utilizando un tipo de creatividad racional que permita buscar soluciones concisas y válidas. “Nos referimos a la creatividad inteligente que es fruto de una estrategia pensada y reflexionada que encaje con la situación actual. No tiene nada que ver con la genialidad del momento o un brillo puntual”, explicó. La adaptación como símbolo de la inteligencia, de la estrategia racional y la sabiduría popular.

Pere Ortega: “Entendemos la adaptación como un tipo de creatividad inteligente que es fruto de una estrategia pensada”.

La propuesta cromática ‘Adapt’ se estructura a través de cuatro gamas de color, texturas y materias bautizadas como, Afterwork, Baltic Sight, Natif y Modern. A continuación, os explicamos un breve resumen con sus inspiraciones.

1. AFTERWORK

La primera inspiración se centra en el momento de ocio después de trabajar. Un espacio para el descanso, la diversión y el hedonismo, siempre compartido. Afterwork es una propuesta versátil, que se adapta en estos contextos festivos a través de tonos pastel como el rosa candy o el azul bebé que contrastan con algunos flúores que le dan ese punto de luz necesario en cualquier fiesta: se tiñen de verde lima, amarillo y fucsia. En esta inspiración se introduce el concepto del tono transparente a través de superficies vítreas y texturas y estampados que imitan el reflejo del agua.

2. BALTIC SIGHT

La segunda gama es más introspectiva y toma como fuente de inspiración el mar Báltico que baña los países del norte de Europa. Es una propuesta fría y racional que apela al confort y a la intimidad en esa búsqueda de los refugios interiores. La gama de azules se inspira en las aguas profundas en tonos fríos y grisáceos, verdes apagados y los tonos neutros como el blanco, el negro y el beige. Como nota de color juega con algunos tonos rojizos. La propuesta también hace un guiño a los patrones estructurados, las siluetas arquitectónicas, los estampados lineales y los accesorios verticales. Se trabaja el concepto de silencio.

3. NATIF

La tercera inspiración es un homenaje a la autenticidad, a la tierra y a la naturaleza. Representa un giro hacia la artesanía y también quiere transmitir la multiculturalidad con diseños sin denominación de origen. Todo forma parte del todo. La paleta de colores de Natif es vibrante con tonos poderosos que van desde los naranjas saturados, los morados, los azules mágicos y los rojos tierra. Las tonalidades verde se vinculan con las hojas y los bosques. La singularidad cultural se consigue a través de los estampados florales y los que imitan el trazo manual, los motivos geométricos y los acabados rústicos.

4. MODERN

Por último, la cuarta inspiración representa un pasaje por las otras gamas. La ciudad y su vida interior es el motor de la creatividad y la gama de colores expresa como los individuos se adaptan a la ciudad, a la vez que se mimetizan en sus edificios, asfalto, huertos urbanos, zonas verdes… Forman parte de la urbe las 24 horas. Para expresarlo se utiliza una paleta cromática muy sensitiva con colores que aportan vitalidad. Los falsos crudos, los verdes apagados, el azul petróleo, el rosa pálido, el denim, el naranja excéntrico…conviven con siluetas minimalistas, materias tableadas y estampados lineales.