El rosa ya no es solo un color atribuido tradicionalmente a la feminidad, al encanto o a la cortesía. La tonalidad que proviene del nombre de una flor se ha despojado de sus atributos delicados para abanderar en la actualidad nuevos simbolismos que evocan al coraje, la fuerza o la valentía. Llega el poder del pink power en la industria de la moda. No estamos hablando de un rosa cualquiera. La tonalidad pink se refiere a un rosa chocante. El rosa fuerte y chillón que tiene algo de violeta y que los expertos del color llaman “magenta”.

Sabías que…

La modista italiana Elsa Schiaparelli, que llevó a la moda las ideas de los pintores surrealistas, lanzó en 1931 un nuevo color: shocking pink, una mezcla de magenta y una pizca de blanco (parecido al fucsia). Un color que la diseñadora usó en moda para provocar y desafiar las normas establecidas. En paralelo, también creó un perfume que llamó del mismo nombre y se vendía en una caja de aquel color, dentro de la cual había un frasco con la forma de un busto femenino. Este lanzamiento dejó literalmente en shock al público porque nadie había creído que el rosa pudiera ser tan agresivo. El rosa pink no tiene ninguna de las cualidades femeninas tradicionales.

La revolución rosa

El rosa está y sigue estando en boga. Más allá de la tonalidad vinculada a una generación, el rosa millennial, la industria de la moda ha aprovechado el tirón de la popularidad de este controvertido color para subir el tono en prendas, complementos y accesorios con su vistosidad y cierta rebeldía. El pink imprime carisma. No en vano, fue uno de los colores preferidos que se exhibieron en la alfombra roja de los Oscar 2019. Y ya sabe que en la red carpet más poderosa e influyente del mundo, no hay nada que se deje al azar.

De rosa pink fue la actriz Julia Roberts, que entregó el premio a mejor película a ‘Green Book’ enfundada con un vestido de Elie Saab. Un diseño con corte asimétrico, fruncido en la cintura y bajo con volantes de distinta longitud que ponía el broche final a la gala. De vibrante rosa fue el comentado estilismo de Linda Cardellini firmado por Schiaparelli confeccionado en tul con escote en V, largo asimétrico y una delicada cola que se extendía a lo largo del suelo. O el despampanante diseño de Valentino con cuello elevado que lució la actriz y modelo británica Gemma Chan.

 

El rosa también fue el color preferido por Sarah Paulson, la actriz de ‘American Horror Story’ que sucumbió a su poder con un vestido de abertura cut out de gran volumen de Brandon Maxwell. Por su parte, la actriz británica Helen Mirren lució un vestido vaporoso de Schiaparelli. Una propuesta con escote en forma de V y fruncido en la cintura que jugaba con diferentes intensidades de rosa. Angela Basset, una de las actrices de la película ‘Black Panther’ también optó por la versión más brillante y metalizada de este color en un modelo de Reem Acra de escote asimétrico.

Sin lugar a dudas, el rosa pink dará mucho que hablar este 2019.

La noticia dejó en shock a la industria de la moda, que en cierta manera se queda huérfana al perder a uno de sus emblemáticos (y controvertidos) diseñadores contemporáneos. La era de Karl Lagerfeld ha llegado a su fin y quizás aún cuesta de creer que pudiera tener límites para esta mente incansable que no abandonó el oficio hasta el final. El icónico modisto de origen alemán murió el pasado martes a los 85 años en París. Existían rumores que la salud de Karl estaba debilitada o que su retirada era inminente. De hecho, su ausencia en el desfile de la colección primavera-verano 2019 el pasado enero ya había desatado las primeras alarmas, ya que el kaiser de la moda no había faltado a ninguna de sus citas desde sus comienzos en Chanel, en 1983. Se consideró el diseñador más longevo al frente de una casa de costura. El único junto a Armani que siguió en activo más allá de los 80 y que más allá de la dirección creativa, fue un reconocido artista a nivel mundial. Vale la pena destacar que Karl Lagerfeld fue homenajeado por su trayectoria en los British Fashion Awards en 2016.

Las condolencias por la pérdida de Karl Lagerfeld no se han hecho de esperar y entre el alud de personalidades notorias del sector que han mostrado su dolor y alabado la genialidad del kaiser destacan las declaraciones de las tres firmas por las cual trabajó hasta el último suspiro: Fendi y Chanel. “Le debemos mucho: su buen gusto y el talento fueron los más excepcionales que he visto jamás”, defendía su amigo Bernard Arnault, presidente y consejero delegado del imperio de lujo LVMH. “Siempre recordaré su imaginación inmensa, su capacidad de concebir nuevas tendencias, su energía inagotable, la virtuosidad de sus dibujos, su cuidadosamente guardada independencia, su cultura enciclopédica y su humor y elocuencia únicos”. Por su parte, a través de un un comunicado, Chanel también ha mostrado su dolor por la pérdida alabando la figura de Karl como clave en el proceso de resurrección de la maison francesa. Así se expresaba Alain Wertheimer, CEO de Chanel: “Gracias a su genio creativo, generosidad e intuición excepcional, Karl Lagerfeld se adelantó a su tiempo, lo que contribuyó ampliamente al éxito de Chanel en todo el mundo”. Karl también lideraba la firma con su propio nombre. Pier Paolo Righi, CEO de Karl Lagerfeld así lo declaraba: “El mundo ha perdido a un icono. Karl Lagerfeld fue un genio creativo; influyente, curioso, fuerte y pasional. Deja atrás un legado extraordinario como uno de los grandes diseñadores de nuestro tiempo”.

El hombre que resucitó Chanel

De la extensa y prolífica trayectoria del polifacético Karl Lagerfeld, el kaiser ha pasado a la historia por ser el director artístico que logró resucitar una firma que se consideraba anticuada. Sí, hablamos de Chanel, un negocio en decadencia hace 36 años. “Hemos perdido una mente creativa extraordinaria a la que le di carta blanca a principios de los 80 para reinventar la marca”, recordaba en el mismo comunicado el presidente de Chanel, Alain Wertheimer. Así, Karl heredó la creatividad del imperio de Gabrielle en enero de 1983 y lo más difícil: logró modernizar los clásicos de la célebre maison sin perder su esencia: los conjuntos de tweed, los vestidos negros, los bolsos icónicos, las perlas, los zapatos bicolores, las camelias… Todo lo que pasaba bajo la óptica de Karl recibía un nuevo reenfoque de acuerdo con el público y las necesidades de cada época. Esto posicionó nuevamente a Chanel como un modelo de negocio global y transversal que marcó las bases de la industria del lujo actual.

Su trabajo no tenía fin y los ritmos eran taquicárdicos. Lagerfeld creaba 10 colecciones anuales para la casa francesa y otras dos para la italiana Fendi. Ahora la dirección artística recae en manos de Virginie Viard, su mano derecha. Viard trabajó mano a mano con el kaiser durante más de 30 años y Chanel le ha encargado “seguir el legado de Gabrielle y Karl” en el mismo comunicado.

Sin término medio

Karl Lagerfeld nunca dejó indiferente a nadie. Ni por ética ni por estética. No fue un hombre de términos medios. Su estilo era su arma y armadura exterior: siempre vestido de negro, camisa blanca impoluta, cabello con coleta corta, decenas de anillos, mitones y sus inconfundibles gafas de sol. “Soy una caricatura de mí mismo, y me gusta. Para mí, el carnaval de Venecia dura todo el año”, aseguraba. Tampoco pasaban desapercibidos sus juicios controvertidos, auténticos “zascas” para quien los recibía. Calificar a la cantante Adele como “un poco demasiado gorda” o frases polémicas como “Odio a los niños”, “La clase media no tiene suficiente clase”, “Compra tallas pequeñas y menos comida”, Los estampados florales son para mujeres gordas de mediana edad”, “Sé políticamente correcto, pero no molestes al resto con conversaciones sobre serlo…” fueron algunas de estas perlas de Lagerfeld.

Sobre sucesiones. Viard ya está claro que le sucederá en el trono de Chanel, aunque la pregunta ahora es si se convertirá en una diseñadora de transición ante la quiniela de nombres que siempre acechan a este constante ‘Juego de Tronos’ de la moda. Y sobre la herencia, Karl fue soltero y sin hijos, aunque seguramente su mediática gata Choupette, heredará algo de su fortuna. En consideración sí que la tenía: “Choupette es como una mujer reservada. Tiene personalidad. Almuerza y come conmigo en la mesa, con su propia comida. Y no toca mi comida. No quiere comer en el suelo. Duerme sobre una almohada y hasta sabe cómo usar un Ipad”. Ella conocía su lado más tierno y hogareño.

Foto portada y making of de la campaña 2019 con Penélope Cruz: Cortesía de Chanel

Una edición más, Gratacós se subió a las principales pasarelas de la moda española (Madrid y Barcelona) acompañando una decena de diseñadores que mostraron los tejidos de la nueva temporada con creaciones fieles a sus señas de identidad. Analizamos algunos de los looks y las colecciones de las firmas que una vez más, nos demostraron todo su cariño y su confianza. ¡Gracias!

El talento emergente apunta maneras

El Gran Teatro Bankia, antiguo circo de Príncipe Pio, se convirtió en el escenario perfecto para mostrar la tercera colección de Christian Simmon. Dentro de un aura teatral, ‘Renaissance’ entremezcló a la perfección moda y música que el mismo diseñador compone e interpreta en cada presentación. Simmon expuso un inicio donde quiso mostrar la vulnerabilidad con modelos sin adornos, despojadas de casi todo, para dar paso al color, los volúmenes y el brillo como protagonistas con creaciones contemporáneas, pero ponibles. Un desfile que marcó un punto y aparte en la carrera de este joven talento del diseño.

A su vez, Eduardo Navarrete aprovechó el OFF para presentar ‘Ukomavu’ que significa “madurez” en swahili. Una colección agender inspirada en África, concretamente en las tribus de los Masai y Mara que contó con una puesta en escena protagonizada por el ballet de Senegal como antesala de los 30 looks ideados por el ex concursante de Maestros de la Costura (2018). “Estoy muy feliz por la repercusión que ha tenido el desfile, pero reconozco que he tenido errores y me falta experiencia aún para no cometerlos”, evaluaba Navarrete de forma constructiva. Luna, la hija de Rossy de Palma, Agoney o La Terremoto de Alcorcón pisaron la pasarela para apoyar al diseñador alicantino en una propuesta que se mueve entre el streetwear con prendas como monos o chándales y un prêt-a-porter más sofisticado con tejidos Gratacós. “Para mí, es un honor poder desarrollar prendas con tejidos tan finos, bonitos y de tanta calidad como los vuestros”, aseguraba Navarrete. El trabajo no se le acaba al joven diseñador: “Ahora el reto es poder subministrar todos los pedidos que he recibido después del desfile y diseñar la próxima propuesta que ya tengo en mente”.

Eduardo Navarrete: “Para mí, es un honor poder crear prendas con tejidos tan finos, bonitos y de tanta calidad como los vuestros”

Las mujeres tuareg de Beatriz Peñalver

El sueño de libertad inspira ‘Nómada’, la última propuesta de Beatriz Peñalver. Una colección que nace en el desierto de Tenere, alimentada por la fortaleza de la mujer tuareg. En la pasarela se mostró una gran diversidad de texturas para dar cabida a la importancia de movimientos, con presencia de punto grueso y tejidos como la viscosa, la lana, los paños, el lamé o el Jacquard. Los colores tierra juntamente con los anaranjados, los azules y los metalizados acabaron de estructurar esta estética propuesta centrada en el norte de África.

Malne recupera la icónica Grace Jones

La figura andrógina y la personalidad excesiva e irreverente de Grace Jones fueron el punto de partida de Paloma Álvarez y Juanjo Mánez en una propuesta que aboga por la libertad, con una feminidad desafiante ambientada en la exuberancia, las fiestas nocturnas y los años ochenta. Partiendo de la estética de la diva, Malne mezcló ideas de la alta costura con sastrería, con destellos como las hombreras pagoda (seña de identidad de la marca) o las sudaderas con capucha. Conjuntos para una noche desenfrenada en Studio 54 convivieron con vestidos de cóctel en colores brillantes y con el color negro como claro protagonista de la colección. En cuanto a los materiales, destacaron el mikado de seda y el vinilo con el encaje chantillí, el tweed metalizado con el cashmere y el neopreno bordado con el algodón de las camisetas serigrafiadas con panteras.

The 2nd Skin: la suerte y el número 27

The 2nd Skin Co. reflexionaba alrededor del concepto del azar y con una cifra simbólica en ‘Lucky 27’. El 27 es el número de la suerte de Antonio Burillo y, junto a Juan Carlos Fernández, también simboliza la colección número 27. Para entender esta propuesta ecléctica y femenina hubo que fijarse en los volúmenes que utilizan para crear un atractivo juego de contrastes. Vestidos de corte recto, modelos ajustados con grandes lazos, volantes, colas quilométricas… y un claro protagonismo del color negro para una mujer sexy y atrevida.

Un giro a la estética victoriana

‘Ada’ es el nombre de la colección inspirada en la figura de Ada Lovelace, considerada la primera programadora de ordenadores de la historia de la informática. Siendo la única hija legítima del poeta Lord Byron, inspiró sus algoritmos matemáticos en las máquinas de tejer jacquard, motivo por el que este fue uno de los tejidos protagonistas de la colección de La Condesa, junto a tules, vinilos y neoprenos. Ada Augusta Byron fue además Condesa de Lovelace, un nexo de unión más entre la firma que dirige Marina Conde, que también es ingeniero, y nuestra inspiradora protagonista. Una colección que evocaba a la mujer empoderada con propuestas como la reinterpretación de los volúmenes victorianos clásicos, faldas y vestidos de tul mezclados con sastrería confeccionada en neopreno.

Brain & Beast, amor delirante

Brain & Beast debutó en la Mercedes-Benz Fashion Week Madrid por todo lo alto con una propuesta propia, diferenciada de la que presenta habitualmente en Barcelona, que sigue mantiene la esencia y el ADN característico del equipo creativo liderado por Ángel Vilda. “No queremos ser una marca de culto, queremos ser una marca de moda comercial que mantiene su personalidad marcada”, aclaraba Ángel ante las posibles dudas suscitadas. “Estoy cansado del arte y ensayo, ahora me apetece hacer lo mismo, pero con más proyección, el mainstream puede ser estupendo”, ironizaba.

Con esta vocación de abrir nuevas posibilidades para dar a conocer la marca a más públicos, Brain & Beast sorprendió a la pasarela madrileña con ‘Spellbound’ que pretendía ironizar sobre el Síndrome de Clérmabault: una enfermedad que se vincula con el hecho de estar cegado o embelesado por algo (persona, animal u objeto) hasta el punto de la perturbación. “Nos parecía muy interesante abordar este trastorno que tienen las personas que se obsesionan con sus ídolos, crean una relación afectiva, no distinguen la realidad y no saben dónde están los límites”, explicaba Ángel Vilda. En la pasarela, todos los guiños humorísticos de la irreverente firma barcelonesa: modelos poco usuales como el también diseñador Edu Navarrete, personajes inspirados en la cultura contemporánea (se vieron imágenes de Stephen Hawking, Freud y Einstein estampados en camisetas y sudaderas) y mensajes contundentes con ese doble rasero que tanto le divierte a Ángel. Prendas desestructuradas, siluetas oversized, colores estridentes, patchwork, superposiciones y esa mezcla de tejidos tan característica que nos fascina. “De Gratacós me quedo siempre con lo más raro o lo más tecnológico”, concluía.

Ángel Vilda: “De Gratacós me quedo siempre con los tejidos más raros o más tecnológicos”

El “triplete” de Mans Concept Menswear

Jaime Álvarez lo volvió a hacer: ganar un nuevo premio al Mejor Diseñador Emergente en la 080 Barcelona Fashion. ¡Y ya lleva tres reconocimientos seguidos! El alma mater de Mans Concept Menswear se alzó con el triunfo con “Road to Goa”, lo que es su colección más madura hasta el momento. Inspirada en un viaje a la India, esta propuesta se caracterizó por mantener la complejidad de los patrones, subiendo la apuesta con un mayor empleo del color y los tejidos sofisticados como bordados florales, Jacquards de fantasía y detalles brillantes que dieron feminidad a los hombres de Mans Concept Menswear. También destacaron los looks monocromáticos, los juegos de volúmenes y las superposiciones en esa revolución de la sastrería masculina que convierten a este joven diseñador sevillano en un prometedor talento de la moda española. Jaime dará mucho más que hablar…

Existen pocos artistas cuya obra está vinculada a un solo color. Un tono identificativo, existencial y cargado de significado. Tal es la fuerza de esta tonalidad, que actúa como un verdadero símbolo para comprender el propio creador, más allá de su trayectoria artística.

Uno de estos nombres, que pasan a la historia del arte por su huella cromática totalmente identificable, fue el experimental Yves Klein (Niza 1928-París 1962). Este polifacético artista y hombre de espectáculo, fue el inventor de un tono que nunca había existido antes. Como “padre”, lo bautizó -y registró- en 1960 con su propio nombre: International Blue Klein (IBK). Una tonalidad profunda de azul que mantenía el impacto visual de su apreciado azul ultramar, así como a los espesores y texturas que Klein solía aplicar sobre sus lienzos.

¿Cómo surgió esta devoción por el azul?

En varias biografías de Yves Klein, se explica de forma anecdótica que un día de verano en 1947, el artista francés estaba con dos amigos sentados en una playa de Niza en el sur de Francia. Para matar el tiempo, decidieron hacer un juego y repartir el mundo entre ellos. Uno eligió el reino animal, otro el reino de las plantas y el joven Klein examinó el infinito azul del cielo y escogió el reino mineral. Esa contemplación cambió el destino de su vida y al dirigirse a sus amigos anunció: “El cielo azul es mi primera obra de arte”.

Hechizado por el cosmos y el esoterismo, el azul pasó a simbolizar lo espiritual, lo místico y lo religioso, y poco a poco, esta tonalidad profunda fue ganando terreno a otros colores presentes en su obra como el dorado o el rosa. Fue en 1954 cuando inició sus eclécticas pinturas de campos monocromos, que al principio eran de diversas tonalidades pero que finalmente redujo al azul ultramar. Klein erigió alrededor del color azul una teoría artística que se articulaba en torno a dos principios: el color absoluto y el vacío, que limita creando lo que él llamaba las “zonas de sensibilidad pictórica inmaterial.

Más allá del periodo azul y las pinturas de fuego, en la trayectoria artística de Yves Klein también son conocidas sus Antropometrías, donde exploraba su lado más provocador y experimental con pinturas realizadas por mujeres desnudas que se embadurnaban en azul IKB y se convertían en una continuación del pincel del artista cuando dejaban la huella de sus cuerpos sobre lienzos extendidos en la pared o el suelo. En ocasiones, organizaba auténticos happenings con público en directo y músicos que amenizaban las sesiones experimentales de pintura. Lo que hoy llamaríamos performances.

Yves Klein tuvo una carrera artística muy corta, pero intensa que se concentró especialmente durante los últimos ocho años de su vida. Murió en 1962 de un ataque al corazón con tan solo 34 años. A pesar de su juventud, Klein definió el curso del arte occidental y su color, el intenso International Blue Klein (IBK) se ha vuelto inmortal, un icono del legado del que se considera “el último artista francés de gran impacto internacional”.

Un guiño en las pasarelas

Hace dos años, las Antropometrías de Yves Klein se subieron a la pasarela de París de la mano de Céline. La entonces directora creativa, Phoebe Philo quiso plasmar en dos vestidos de la colección primavera-verano 2017, los lienzos en blanco con las siluetas de los cuerpos de las mujeres que se embadurnaban de pintura azul Klein. Un guiño a este imaginativo creador de arte contemporáneo. Desde Gratacós, quedamos fascinados ante el vibrante azul del maestro Klein y le rendimos homenaje a través de algunos tejidos de la actual colección que captan la intensidad de este azul totalmente evocador.

El legado de Dior aterriza en Londres y no de forma discreta precisamente. En febrero, el Victoria and Albert Museum (V&A) acoge la mayor exposición jamás realizada en el Reino Unido dedicada a la maison Dior. Su magnitud no tiene precedentes. De hecho, es la más grande que el museo le haya dedicado a la moda desde la que se realizó en su día en honor al difunto Alexander McQueen: Savage Beauty en 2015.

Basada en la gran exposición ‘Christian Dior: Couturier du Rêve’, organizada por el Museo de las Artes Decorativas de París para conmemorar el 70 aniversario de la casa francesa, la nueva muestra se reinventa para el V&A. Evidentemente, la esencia es la misma: constituye un homenaje sin precedentes al maestro Christian Dior rastreando toda su trayectoria y el impacto de uno de los modistos más influyente del siglo XX. “En 1947, Christian Dior cambió el rostro de la moda con su nueva imagen al redefinir la silueta femenina y revitalizar la industria de la moda parisina de posguerra”, según ha explicado Oriole Cullen, curadora de moda y textiles en V&A.

La muestra también se centra en la historia posterior hasta nuestros días, pasando por los seis directores artísticos que lo sucedieron y que ya se han convertido en una entidad de culto por si mismas dentro y fuera de Dior: desde los atrevidos diseños de Yves Saint Laurent hasta el estilo racional de Marc Bohan, la extravagancia de Gianfranco Ferré, la exuberancia de John Galliano, el minimalismo de Raf Simons y la visión feminista de la moda de Maria Grazia Chiuri. En este sentido, la exposición muestra cómo cada artista de las agujas se mantuvo fiel a la visión de Dior y a su vez, aportó su propia voz y sensibilidad creativa a la masion francesa.

Dior y su fascinación por el Reino Unido

Lo verdaderamente novedoso es que esta exposición cuenta con una sección completamente nueva que explora, por primera vez, la fascinación del diseñador por la cultura británica. Dior admiraba la grandeza de las casas y los jardines de la Gran Bretaña, así como los transatlánticos de diseño británico como el Queen Mary. También tenía preferencia por los trajes de Savile Row. En 1947 realizó su primer desfile en la capital británica, en el Savoy Hotel, y en 1952 ya había establecido Christian Dior London. En esta nueva sección también se exhibirán las colaboraciones creativas de Dior con influyentes fabricantes británicos, así como sus clientes ingleses más notables, desde la autora Nancy Mitford hasta la bailarina de ballet Margot Fonteyn o la princesa Margarita, que lució un vestido de Christian Dior en la celebración de su 21 cumpleaños. Éste será una de las piezas principales expuestas en febrero, gracias a la cortesía del Museo de Londres que lo ha prestado para la ocasión. La muestra, asimismo, evocará los espectaculares desfiles de Dior realizados en las casas señoriales más lujosas del Reino Unido, incluido el Palacio de Blenheim en 1954

El evocador título de la exposición no deja lugar a dudas: ‘Christian Dior: Designer of Dreams’ abarca por supuesto, todas las “maravillas” expuestas en París: más de 500 prendas y objetos, con más de 200 prendas inauditas de alta costura que verán la luz junto con accesorios, fotografías de moda, fragmentos de películas, perfumes de época, maquillaje original, ilustraciones, revistas y hasta objetos personales de Christian Dior. También muestra los aspectos más destacados de las colecciones de Alta Costura de V&A, incluyendo el icónico Bar Suit, que se presentó el mismo año de lanzamiento de la marca e influenció las siluetas de cintura de avispa y las faldas abombada de la década de los 50. A su vez, la exhibición destacará la visión de la feminidad de Dior y el relevante papel que han jugado las flores en la maison: un emblema de la casa desde tiempos inmemoriales que ha inspirado siluetas, bordados y estampados.

‘Christian Dior: Designers of Dreams’ se inaugura el 2 de febrero y estará en vigencia hasta el 14 de julio. Es sin duda una ocasión para revivir la memoria del legendario modista de los sueños. Una oportunidad única para soñar despierto ante tanta belleza.

Fotos: Cortesía de Dior

Las lentejuelas no son sólo sinónimo de celebración. En todo caso, tampoco vamos a negar lo contrario porque es evidente que durante los períodos festivos -principalmente entre Navidad y Nochevieja- es cuando lucen en su máximo esplendor. Pero ¿por qué nos empeñamos a reservar este tejido brillante para las ocasiones especiales?

El cambio ya ha empezado. En las últimas temporadas, hemos observado como, poco a poco, las lentejuelas han conquistado el asfalto protagonizando los atuendos diarios de celebridades y personalidades destacadas del mundo de la moda. En varios tamaños desde el XS al XL, creando vistosos mosaicos gráficos o en bloques de color, en esta transición a la moda de calle, las lentejuelas se han asomado en todas sus versiones para dar ese aire radiante a los looks diarios.

¿Cómo combinar estas cuentas brillantes en el día a día? La clave, más que en el tejido, se encuentra en la propia prenda y en la manera como se combine. La prenda estrella de la temporada es la falda midi estrecha. Una pieza ideal para sumar brillo a un atuendo diario sin riesgo de equivocar-se. Esta prenda se puede combinar con prendas neutras como suéteres básicos, camisas blancas o abrigos en tonos apagados, que atenúen el efecto brillante de las lentejuelas. De esta forma se consigue un outfit elegante, atrevido y juvenil.

Más allá de la falda o los pantalones estrechos, se pueden utilizar otras prendas con lentejuelas que también son fácilmente combinables como un top con tirantes, una camiseta o un jersey fino. Un truco para integrarlo con tu vestuario es jugar a las superposiciones: se trata de un recurso efectivo para combinar varias prendas restando el efecto bling bling de las lentejuelas.

Por último, hay una prenda que mantiene todo su poder si se elabora con tejido de lentejuelas: son las chaquetas cortas y blazers. Una opción versátil y socorrida para los estilismos nocturnos. Para rebajar su intensidad, es recomendable llevar un look en blanco y negro debajo. Aún así, su efecto brillante hace que, con lentejuelas, nunca se pase desapercibida.

En Gratacós, te mostramos una selección de tejidos de lentejuelas muy variada y colorista para que inventes con ellos las prendas que protagonizarán los looks de la nueva temporada. ¡Imaginación al poder!

Madrid y Barcelona –salvo alguna excepción- estrenan el calendario de pasarelas internacionales de 2019, presentando el diseño y la creatividad de los creadores españoles, ya sean nombres consolidados o nuevos talentos. Como en cada edición, Gratacós estará presente en los desfiles como actor: a través de los tejidos que han escogido algunos diseñadores que protagonizarán los looks de las nuevas colecciones; y también como espectador: al respaldar de cerca a todos los clientes que confían en nosotros y comprobar in situ como lucen los tejidos transformados en imaginativas prendas de moda, según el sello de cada autor.

A continuación, os explicamos algunas novedades de cada pasarela, así como los diseñadores clave que han confiado en nuestros tejidos.

Mercedes-Benz Fashion Week Madrid

Madrid toma la delantera y esta vez, la pasarela dará comienzo el 24 de enero mostrando las propuestas de invierno 2019/2020 de 42 creadores. El gran evento del diseño español, organizado por IFEMA, celebra en esta ocasión su 69ª edición, proponiendo un recorrido por el diseño autóctono, mostrando sus distintos códigos estéticos y su diversidad creativa.

Los desfiles de los jóvenes creadores Samsung Ego levantarán el telón de esta edición en la jornada del 24 de enero. Ese mismo día se desarrollará también una acción de la firma Desigual en el mismo recinto de IFEMA, y las presentaciones de los creadores Moisés Nieto y Ernesto Naranjo, en otros puntos de la ciudad. A partir del 25 hasta el 28 de enero, los desfiles se desarrollarán principalmente en IFEMA, completando casi todas las jornadas con desfiles en otras localizaciones, con invitación directa de los diseñadores y marcas.

Entre las novedades del calendario, destacan las incorporaciones de nombres reconocidos como Roberto Diz, el diseñador Juan Carlos Mesa con su firma Maison Mesa y el diseño irónico de Brain & Beast que debuta por primera vez en la pasarela madrileña, sin abandonar Barcelona.

Así, Ángel Vilda y todo su equipo creativo mostraran en primicia en la capital española, los diseños de la nueva colección ‘SpellBound’ inspirada en el Síndrome de Clérambault. Una propuesta que se concibe como una reflexión sobre la obsesión con una abstracción que embelesa y ciega, encarnada en persona, objeto o dogma de fe. Temas recurrentes como el amor, el odio, los dogmas, el azar… inspirarán las prendas de la nueva colección sin abandonar las insignias de la firma catalana: el humor, la ironía y la cultura contemporánea a través de diseños agender que muestran una gran riqueza de tejidos, estructuras y siluetas en un festín visual para el espectador. En Brain & Beast, nada es lo que parece.

En el capítulo de jóvenes incorporaciones a la pasarela, destacamos a Beatriz Peñalver, Pilar del Campo, quien también inicia nueva aventura en Madrid, y Carlota Barrera.

La Mercedes-Benz Fashion Week Madrid dará los primeros pasos en su sección OFF (22 y 23 de enero) dos días antes del calendario oficial, mostrando en distintos espacios de la capital española, las propuestas de los jóvenes talentos. En este apartado, queremos destacar Christian Simmon y Eduardo Navarrete, diseñadores que han confiado en Gratacós.

Los diseños de Christian Simmon entremezclan la música y la moda para crear una esfera artística donde una cosa no puede vivir sin la otra. Después de dos años desfilando en EGO de Cibeles, Simmon se plantea un nuevo salto creativo con su colección ‘Renaissance’ que es toda una declaración de intenciones que evidenciará este nuevo despertar al terreno más profesional. El desfile se hará en el gran Teatro Bankia- Estación Príncipe Pío y promete grandes dosis de teatralidad y espectáculo.

Por otra parte, el diseñador alicantino Eduardo Navarrete, que se hizo popular tras su paso en el programa ‘Maestros de la Costura’, presentará su nueva colección el 23 de enero en Matadero (Sala de Columnas), bajo un título evocador: Ukomavu, que signficia ‘Madurez’ en Suahili. Estaremos atentos a este mensaje que nos lanza este joven creador.

080 Barcelona Fashion

Tras Madrid, Barcelona recogerá el relieve de moda con el impulso de una edición de la pasarela catalana con vocación más abierta, creativa e internacional. Para cumplir con esta última promesa, el 080 Barcelona Fashion incorporará diseñadores de todo el mundo que engrosarán el habitual calendario de firmas y marcas catalanas. Así, la pasarela contará con el diseñador turco Umit Benen, la firma sur-africana Chulaap, el creador peruano de origen asiático, Esaú Yori, y la firma colombiana Polite.

Entre los diseñadores autóctonos destacar las firmas Sita Murt que vuelve a apostar por la pasarela catalana, Lebor Gabala, Brain & Beast, Custo Barcelona, Ze García o Menchén Tomás, entre otros.

Más allá de Brain & Beast a quien volveremos a ver en el desfile, destacamos la nueva colección de Olga Menchén. La propuesta ‘Gia’ para el próximo invierno está inspirada en la vida de la supermodelo Gia Carangi, provocadora e irreverente. Sobre la pasarela, Menchén Tomás nos avanza por donde irán los tiros: Superposiciones de prendas, movimiento en los volúmenes, prendas desestructuradas y presencia de los tonos oscuros para referenciar su personalidad rebelde. Pronto os daremos más detalles…

La moda y la ilustración han mantenido desde siempre un vínculo muy próximo. De hecho, esta alianza no es ningún fenómeno nuevo. En el siglo pasado, el dibujo se utilizaba como vehículo de transmisión de las tendencias dando forma a las propuestas más creativas del sector. La ilustración crea un lenguaje visual que conecta con el arte y le aporta valores añadidos como la originalidad, la autenticidad, la identidad. Esta disciplina también es capaz de apelar a los consumidores, especialmente los jóvenes, que ven en la ilustración un canal de expresión genuino para mostrar un producto o una marca.

Actualmente, la ilustración experimenta una nueva etapa dorada con una hornada de artistas que plasman en anuncios, campañas, colecciones, lookbooks, revistas de moda, … sus planteamientos singulares al compás del negocio al que representan. Soportes cada vez más innovadores que consiguen crear ese anhelado efecto sorpresa. Estos neo ilustradores se dan a conocer a través de las redes sociales (especialmente en Instagram) como plataforma de difusión global de su trabajo. La conocida revolución digital del trabajo individual donde cada like hace que el trabajo del artista sea más universal.

Este auge también ha propiciado que, en los últimos años, la línea entre el arte y la ilustración de moda se ha desvanecido y a estos creadores se les ha dejado de poner el adjetivo de “comerciales”. Hoy, muchos coleccionistas de arte contemporáneo buscan desesperadamente obras originales de estos ilustradores, a la vez que surgen galerías de arte especializadas. Es el momento para reivindicar la ilustración de moda como una forma de arte en sí misma.

Conscientes de este nuevo auge y poder, el Museo ABC ha impulsado una exposición que abarca el fenómeno de cerca. Así, bajo el título ‘Fina estampa. Ilustración y moda’, la muestra recoge un total de veintidós artistas (nacionales e internacionales, emergentes y establecidos) que trabajan con la ilustración y la pasarela, con más de 150 obras originales expuestas. “Es el momento de reivindicar la ilustración de moda como una forma de arte en sí misma. Y qué mejor que coincidiendo con su Segunda Edad de Oro y reuniendo a aquellos creadores que han revolucionado el sector en las últimas décadas” ha dicho Jesús Cano, comisario de la muestra.

“Es el momento de reivindicar la ilustración de moda como una forma de arte en sí misma”

Una historia que empieza con la firma de maestros como Mats Gustafson, David Downton, Aurore de la Morinerie, François Berthoud, Jean-Philippe Delhomme, Unskilled Worker, Gill Button, Hiroshi Tanabe, Jason Brooks, Tanya Ling o Jordi Labanda, y que continúa con voces como Ricardo Fumanal, Richard Haines, Jowy Maasdamme o Richard Kilroy. Más de la mitad de los artistas seleccionados son mujeres que están marcando el paso. Entre ellas, encontramos nombres como Blair Breitenstein, Laura Gulshani, Inés Maestre, Hellen Bullock, Amelie Hegardt, Cecilia Carlstedt o Rosie McGuinness.

La exposición #FINAESTAMPA_ pretende sintetizar este preciso momento a través de trabajos, estéticas y técnicas que se emplean en la segunda década del siglo XXI. Una radiografía de una disciplina subjetiva y abstracta que crea emociones y proximidad donde el producto deja de ser algo físico para convertirse en un ente abstracto, apetecible e inspiracional. La muestra es también un homenaje a la historia personal de cada ilustrador que protagoniza la muestra.

#FINAESTAMPA_ se podrá ver del 15 de enero al 19 de mayo de 2019 en la sede del museo y forma parte del programa oficial de la segunda edición de Madrid Design Festival.

¿Quién soy?

Soy Nerea More, pero me conoceréis (o quisiera que me conocierais) como Ene de Narcisa. Tengo 24 años, soy diseñadora de moda y ejerzo actualmente como Community Manager. Podría decir que me encuentro recién salida del horno porque terminé mis estudios hace dos veranos.

¿Dónde estudié?

Estudié en Idep Barcelona la especialización de Diseño e Imagen de Moda, y cursé el Postgrado de Comunicación para marcas de moda gracias a la beca Idep Gun.

¿Quién es mi alter ego?

Ene de Narcisa nace en 2018 a través de un experimento digital que trata de crear contenido personal para Instagram haciendo hincapié en el narcisismo y el gran ego que surge en las redes sociales. Un proyecto que continúa evolucionando, junto a la necesidad de creación de diseño y la participación en proyectos de moda como Sastreria Moderna.

“Mi proyecto hace hincapié en el narcisismo y el gran ego que surge en las redes sociales”

¿Cómo me defino?

Mi estilo a la hora de diseñar oscila entre los conceptos “athleisure”, “urban couture” y “street couture”. Es decir, trato de diseñar prendas que buscan sinergias entre la ropa deportiva y la alta costura. En cada diseño intento mezclar la funcionalidad y la comodidad, con detalles y patrones que requieren el tiempo y la elaboración de las prendas hechas a medida.

¿En qué me he especializado?

Mi especialidad en el mundo del diseño es la ropa femenina. Quizás porque intento diseñar prendas que me gustaría vestir a mí y que nos hagan sentir empoderadas. No puedo elegir especialidad ya que cuando diseño intento mezclar diseño de plana, punto circular y crear piezas que parten del volumen sobre maniquí “moulage”.

¿Cómo me reconoceréis?

Estoy a punto de lanzar mi primera colección como Ene de Narcsia y os puedo adelantar que no faltaran los mensajes en los tejidos de algunas prendas. Estos me ayudan a dar solidez al concepto de la marca y refuerzan la historia que quiero contar. Además, de esta forma consigo aportar el punto deportivo que siempre necesito para que la propuesta sea redonda. Tampoco puede faltar la combinación de tejidos técnicos con otros materiales más sofisticados como la seda, la lana o incluso los Jacquards de brocados metálicos. Esta mezcla hace la diferencia y es donde yo me siento en casa.

“Intento diseñar prendas que me gustaría vestir a mí y que nos hagan sentir empoderadas”

Este es mi proyecto.

Mi primera colección fuera del ámbito académico ha sido para la pop up de Sastreria Moderna. En este evento efímero diseñé tres piezas (cazadora, falda y vestido) para una propuesta especial junto a otras diseñadoras. El título de esta micro colección capsula era ‘Sin subtítulos’ porque quería expresar que no siempre se necesita un concepto o una justificación para crear algo. En este sentido, reivindico el concepto de crear por crear, el de hacer las cosas por amor al arte y, en este evento, con la única condición de crear prendas con los maravillosos tejidos de Gratacós.

¿Dónde me podéis seguir la pista ahora?

De momento en Instagram @Enedenarcisa y ya os avanzo que es donde van a empezar a ocurrir cosas en breve. Físicamente, también me podéis encontrar en el departamento de comunicación de Idep Barcelona, donde trabajo como Community Manage.

Gratacós es para mí…

Gratacós es el lugar donde se cuece todo. Donde nacen las primeras ideas y el lugar de partida de cualquier diseñador que quiere crecer.

Me lo llevo de la tienda…

¡Todo! Y si tuviera que elegir un tejido una fantasía de lentejuelas multicolor.

Una vez más, despedimos el año con un nuevo color que marcará el siguiente. Según Pantone, el tono que influirá en 2019 será ‘Living Coral’, un particular rosa anaranjado que, como su nombre indica, hace referencia al coral vivo y pone de manifiesto la belleza, singularidad y la fragilidad de estos ecosistemas marinos. Una tonalidad, el Pantone 16-1546, que releva a la tonalidad violeta de 2018 (Ultra Violet) o el verde amarillento de 2017 (Greenery). Recordemos que desde el año 2000, la autoridad internacional del color establece cuál va a ser la tonalidad del año y esta elección afecta directamente a la industria de la moda, del diseño, la publicidad o la decoración.

Un color alegre que conecta la identidad digital con la vida real

¿Cuáles son los motivos para elegir ‘Living Coral’ como el color de 2019? Aunque lo pueda parecer, la decisión no es aleatoria, sino fruto de un análisis exhaustivo y una investigación en el campo de las tendencias globales que afectan a varios sectores y se dan dentro de un contexto social y económico actual. Influencias variadas que pueden provenir de las nuevas tecnologías, de la industria del entretenimiento, de las colecciones de arte, de la moda, de los destinos populares, del medioambiente, los estilos de vida…

La compañía, fundada en Nueva Jersey en 1962 comercializa muestras de color estandarizadas y en un comunicado ha explicado que ‘Living Coral’ es un tono que “brinda confort y estabilidad” y “llena de calidez y aliento” a una sociedad en constante cambio frente a “la embestida de la tecnología digital y las redes sociales que se incorporan cada vez más a la vida cotidiana”. Un tono alegre y vivaz que simboliza “la búsqueda de experiencias auténticas inmersivas, que permitan la conexión y la intimidad a su vez”, indican. En este contexto, este tono coralino simboliza la unión de conceptos opuestos que se interrelacionan entre sí: la conexión social con la interacción humana. La identidad digital con la real a través de “un tono alegre vivaz, con un matiz dorado, que llena de energía y aporta vida manteniendo un acabado suave”. La directora ejecutiva del instituto, Leatrice Eiseman, también ha destacado que este color “simboliza nuestra necesidad innata de optimismo y búsqueda de la alegría”.

Desde otro punto de vista, es evidente que, este color hipnotizante también evoca a los arrecifes de coral que dan refugio a multitud de especies marinas, “en un diverso caleidoscopio de color”, según Pantone. Desde la perspectiva medioambiental, ‘Living Color’ simboliza la fragilidad de estos ecosistemas y el efecto devastador de la sociedad actual sobre la naturaleza.

El vibrante coral en las nuevas colecciones de tejidos

En Gratacós también rendimos homenaje al vibrante ‘Living Coral’ a través de las nuevas colecciones de tejidos. Texturas sedosas, acabados brillantes que captan esa pincelada dorada, Jacquard florales llenos de brillo o suaves relieves en mate… Encuéntralos en nuestra web o pregunta por ellos en nuestro espacio en Barcelona. ¡Te esperamos!