Madrid y Barcelona –salvo alguna excepción- estrenan el calendario de pasarelas internacionales de 2019, presentando el diseño y la creatividad de los creadores españoles, ya sean nombres consolidados o nuevos talentos. Como en cada edición, Gratacós estará presente en los desfiles como actor: a través de los tejidos que han escogido algunos diseñadores que protagonizarán los looks de las nuevas colecciones; y también como espectador: al respaldar de cerca a todos los clientes que confían en nosotros y comprobar in situ como lucen los tejidos transformados en imaginativas prendas de moda, según el sello de cada autor.
A continuación, os explicamos algunas novedades de cada pasarela, así como los diseñadores clave que han confiado en nuestros tejidos.
Mercedes-Benz Fashion Week Madrid
Madrid toma la delantera y esta vez, la pasarela dará comienzo el 24 de enero mostrando las propuestas de invierno 2019/2020 de 42 creadores. El gran evento del diseño español, organizado por IFEMA, celebra en esta ocasión su 69ª edición, proponiendo un recorrido por el diseño autóctono, mostrando sus distintos códigos estéticos y su diversidad creativa.
Los desfiles de los jóvenes creadores Samsung Ego levantarán el telón de esta edición en la jornada del 24 de enero. Ese mismo día se desarrollará también una acción de la firma Desigual en el mismo recinto de IFEMA, y las presentaciones de los creadores Moisés Nieto y Ernesto Naranjo, en otros puntos de la ciudad. A partir del 25 hasta el 28 de enero, los desfiles se desarrollarán principalmente en IFEMA, completando casi todas las jornadas con desfiles en otras localizaciones, con invitación directa de los diseñadores y marcas.
Entre las novedades del calendario, destacan las incorporaciones de nombres reconocidos como Roberto Diz, el diseñador Juan Carlos Mesa con su firma Maison Mesa y el diseño irónico de Brain & Beast que debuta por primera vez en la pasarela madrileña, sin abandonar Barcelona.
Así, Ángel Vilda y todo su equipo creativo mostraran en primicia en la capital española, los diseños de la nueva colección ‘SpellBound’ inspirada en el Síndrome de Clérambault. Una propuesta que se concibe como una reflexión sobre la obsesión con una abstracción que embelesa y ciega, encarnada en persona, objeto o dogma de fe. Temas recurrentes como el amor, el odio, los dogmas, el azar… inspirarán las prendas de la nueva colección sin abandonar las insignias de la firma catalana: el humor, la ironía y la cultura contemporánea a través de diseños agender que muestran una gran riqueza de tejidos, estructuras y siluetas en un festín visual para el espectador. En Brain & Beast, nada es lo que parece.
En el capítulo de jóvenes incorporaciones a la pasarela, destacamos a Beatriz Peñalver, Pilar del Campo, quien también inicia nueva aventura en Madrid, y Carlota Barrera.
La Mercedes-Benz Fashion Week Madrid dará los primeros pasos en su sección OFF (22 y 23 de enero) dos días antes del calendario oficial, mostrando en distintos espacios de la capital española, las propuestas de los jóvenes talentos. En este apartado, queremos destacar Christian Simmon y Eduardo Navarrete, diseñadores que han confiado en Gratacós.
Los diseños de Christian Simmon entremezclan la música y la moda para crear una esfera artística donde una cosa no puede vivir sin la otra. Después de dos años desfilando en EGO de Cibeles, Simmon se plantea un nuevo salto creativo con su colección ‘Renaissance’ que es toda una declaración de intenciones que evidenciará este nuevo despertar al terreno más profesional. El desfile se hará en el gran Teatro Bankia- Estación Príncipe Pío y promete grandes dosis de teatralidad y espectáculo.
Por otra parte, el diseñador alicantino Eduardo Navarrete, que se hizo popular tras su paso en el programa ‘Maestros de la Costura’, presentará su nueva colección el 23 de enero en Matadero (Sala de Columnas), bajo un título evocador: Ukomavu, que signficia ‘Madurez’ en Suahili. Estaremos atentos a este mensaje que nos lanza este joven creador.
080 Barcelona Fashion
Tras Madrid, Barcelona recogerá el relieve de moda con el impulso de una edición de la pasarela catalana con vocación más abierta, creativa e internacional. Para cumplir con esta última promesa, el 080 Barcelona Fashion incorporará diseñadores de todo el mundo que engrosarán el habitual calendario de firmas y marcas catalanas. Así, la pasarela contará con el diseñador turco Umit Benen, la firma sur-africana Chulaap, el creador peruano de origen asiático, Esaú Yori, y la firma colombiana Polite.
Entre los diseñadores autóctonos destacar las firmas Sita Murt que vuelve a apostar por la pasarela catalana, Lebor Gabala, Brain & Beast, Custo Barcelona, Ze García o Menchén Tomás, entre otros.
Más allá de Brain & Beast a quien volveremos a ver en el desfile, destacamos la nueva colección de Olga Menchén. La propuesta ‘Gia’ para el próximo invierno está inspirada en la vida de la supermodelo Gia Carangi, provocadora e irreverente. Sobre la pasarela, Menchén Tomás nos avanza por donde irán los tiros: Superposiciones de prendas, movimiento en los volúmenes, prendas desestructuradas y presencia de los tonos oscuros para referenciar su personalidad rebelde. Pronto os daremos más detalles…
La moda y la ilustración han mantenido desde siempre un vínculo muy próximo. De hecho, esta alianza no es ningún fenómeno nuevo. En el siglo pasado, el dibujo se utilizaba como vehículo de transmisión de las tendencias dando forma a las propuestas más creativas del sector. La ilustración crea un lenguaje visual que conecta con el arte y le aporta valores añadidos como la originalidad, la autenticidad, la identidad. Esta disciplina también es capaz de apelar a los consumidores, especialmente los jóvenes, que ven en la ilustración un canal de expresión genuino para mostrar un producto o una marca.
Actualmente, la ilustración experimenta una nueva etapa dorada con una hornada de artistas que plasman en anuncios, campañas, colecciones, lookbooks, revistas de moda, … sus planteamientos singulares al compás del negocio al que representan. Soportes cada vez más innovadores que consiguen crear ese anhelado efecto sorpresa. Estos neo ilustradores se dan a conocer a través de las redes sociales (especialmente en Instagram) como plataforma de difusión global de su trabajo. La conocida revolución digital del trabajo individual donde cada like hace que el trabajo del artista sea más universal.
Este auge también ha propiciado que, en los últimos años, la línea entre el arte y la ilustración de moda se ha desvanecido y a estos creadores se les ha dejado de poner el adjetivo de “comerciales”. Hoy, muchos coleccionistas de arte contemporáneo buscan desesperadamente obras originales de estos ilustradores, a la vez que surgen galerías de arte especializadas. Es el momento para reivindicar la ilustración de moda como una forma de arte en sí misma.
Conscientes de este nuevo auge y poder, el Museo ABC ha impulsado una exposición que abarca el fenómeno de cerca. Así, bajo el título ‘Fina estampa. Ilustración y moda’, la muestra recoge un total de veintidós artistas (nacionales e internacionales, emergentes y establecidos) que trabajan con la ilustración y la pasarela, con más de 150 obras originales expuestas. “Es el momento de reivindicar la ilustración de moda como una forma de arte en sí misma. Y qué mejor que coincidiendo con su Segunda Edad de Oro y reuniendo a aquellos creadores que han revolucionado el sector en las últimas décadas” ha dicho Jesús Cano, comisario de la muestra.
“Es el momento de reivindicar la ilustración de moda como una forma de arte en sí misma”
Una historia que empieza con la firma de maestros como Mats Gustafson, David Downton, Aurore de la Morinerie, François Berthoud, Jean-Philippe Delhomme, Unskilled Worker, Gill Button, Hiroshi Tanabe, Jason Brooks, Tanya Ling o Jordi Labanda, y que continúa con voces como Ricardo Fumanal, Richard Haines, Jowy Maasdamme o Richard Kilroy. Más de la mitad de los artistas seleccionados son mujeres que están marcando el paso. Entre ellas, encontramos nombres como Blair Breitenstein, Laura Gulshani, Inés Maestre, Hellen Bullock, Amelie Hegardt, Cecilia Carlstedt o Rosie McGuinness.
La exposición #FINAESTAMPA_ pretende sintetizar este preciso momento a través de trabajos, estéticas y técnicas que se emplean en la segunda década del siglo XXI. Una radiografía de una disciplina subjetiva y abstracta que crea emociones y proximidad donde el producto deja de ser algo físico para convertirse en un ente abstracto, apetecible e inspiracional. La muestra es también un homenaje a la historia personal de cada ilustrador que protagoniza la muestra.
#FINAESTAMPA_ se podrá ver del 15 de enero al 19 de mayo de 2019 en la sede del museo y forma parte del programa oficial de la segunda edición de Madrid Design Festival.
¿Quién soy?
Soy Nerea More, pero me conoceréis (o quisiera que me conocierais) como Ene de Narcisa. Tengo 24 años, soy diseñadora de moda y ejerzo actualmente como Community Manager. Podría decir que me encuentro recién salida del horno porque terminé mis estudios hace dos veranos.
¿Dónde estudié?
Estudié en Idep Barcelona la especialización de Diseño e Imagen de Moda, y cursé el Postgrado de Comunicación para marcas de moda gracias a la beca Idep Gun.
¿Quién es mi alter ego?
Ene de Narcisa nace en 2018 a través de un experimento digital que trata de crear contenido personal para Instagram haciendo hincapié en el narcisismo y el gran ego que surge en las redes sociales. Un proyecto que continúa evolucionando, junto a la necesidad de creación de diseño y la participación en proyectos de moda como Sastreria Moderna.
“Mi proyecto hace hincapié en el narcisismo y el gran ego que surge en las redes sociales”
¿Cómo me defino?
Mi estilo a la hora de diseñar oscila entre los conceptos “athleisure”, “urban couture” y “street couture”. Es decir, trato de diseñar prendas que buscan sinergias entre la ropa deportiva y la alta costura. En cada diseño intento mezclar la funcionalidad y la comodidad, con detalles y patrones que requieren el tiempo y la elaboración de las prendas hechas a medida.
¿En qué me he especializado?
Mi especialidad en el mundo del diseño es la ropa femenina. Quizás porque intento diseñar prendas que me gustaría vestir a mí y que nos hagan sentir empoderadas. No puedo elegir especialidad ya que cuando diseño intento mezclar diseño de plana, punto circular y crear piezas que parten del volumen sobre maniquí “moulage”.
¿Cómo me reconoceréis?
Estoy a punto de lanzar mi primera colección como Ene de Narcsia y os puedo adelantar que no faltaran los mensajes en los tejidos de algunas prendas. Estos me ayudan a dar solidez al concepto de la marca y refuerzan la historia que quiero contar. Además, de esta forma consigo aportar el punto deportivo que siempre necesito para que la propuesta sea redonda. Tampoco puede faltar la combinación de tejidos técnicos con otros materiales más sofisticados como la seda, la lana o incluso los Jacquards de brocados metálicos. Esta mezcla hace la diferencia y es donde yo me siento en casa.
“Intento diseñar prendas que me gustaría vestir a mí y que nos hagan sentir empoderadas”
Este es mi proyecto.
Mi primera colección fuera del ámbito académico ha sido para la pop up de Sastreria Moderna. En este evento efímero diseñé tres piezas (cazadora, falda y vestido) para una propuesta especial junto a otras diseñadoras. El título de esta micro colección capsula era ‘Sin subtítulos’ porque quería expresar que no siempre se necesita un concepto o una justificación para crear algo. En este sentido, reivindico el concepto de crear por crear, el de hacer las cosas por amor al arte y, en este evento, con la única condición de crear prendas con los maravillosos tejidos de Gratacós.
¿Dónde me podéis seguir la pista ahora?
De momento en Instagram @Enedenarcisa y ya os avanzo que es donde van a empezar a ocurrir cosas en breve. Físicamente, también me podéis encontrar en el departamento de comunicación de Idep Barcelona, donde trabajo como Community Manage.
Gratacós es para mí…
Gratacós es el lugar donde se cuece todo. Donde nacen las primeras ideas y el lugar de partida de cualquier diseñador que quiere crecer.
Me lo llevo de la tienda…
¡Todo! Y si tuviera que elegir un tejido una fantasía de lentejuelas multicolor.
Una vez más, despedimos el año con un nuevo color que marcará el siguiente. Según Pantone, el tono que influirá en 2019 será ‘Living Coral’, un particular rosa anaranjado que, como su nombre indica, hace referencia al coral vivo y pone de manifiesto la belleza, singularidad y la fragilidad de estos ecosistemas marinos. Una tonalidad, el Pantone 16-1546, que releva a la tonalidad violeta de 2018 (Ultra Violet) o el verde amarillento de 2017 (Greenery). Recordemos que desde el año 2000, la autoridad internacional del color establece cuál va a ser la tonalidad del año y esta elección afecta directamente a la industria de la moda, del diseño, la publicidad o la decoración.
Un color alegre que conecta la identidad digital con la vida real
¿Cuáles son los motivos para elegir ‘Living Coral’ como el color de 2019? Aunque lo pueda parecer, la decisión no es aleatoria, sino fruto de un análisis exhaustivo y una investigación en el campo de las tendencias globales que afectan a varios sectores y se dan dentro de un contexto social y económico actual. Influencias variadas que pueden provenir de las nuevas tecnologías, de la industria del entretenimiento, de las colecciones de arte, de la moda, de los destinos populares, del medioambiente, los estilos de vida…
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La compañía, fundada en Nueva Jersey en 1962 comercializa muestras de color estandarizadas y en un comunicado ha explicado que ‘Living Coral’ es un tono que “brinda confort y estabilidad” y “llena de calidez y aliento” a una sociedad en constante cambio frente a “la embestida de la tecnología digital y las redes sociales que se incorporan cada vez más a la vida cotidiana”. Un tono alegre y vivaz que simboliza “la búsqueda de experiencias auténticas inmersivas, que permitan la conexión y la intimidad a su vez”, indican. En este contexto, este tono coralino simboliza la unión de conceptos opuestos que se interrelacionan entre sí: la conexión social con la interacción humana. La identidad digital con la real a través de “un tono alegre vivaz, con un matiz dorado, que llena de energía y aporta vida manteniendo un acabado suave”. La directora ejecutiva del instituto, Leatrice Eiseman, también ha destacado que este color “simboliza nuestra necesidad innata de optimismo y búsqueda de la alegría”.
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Desde otro punto de vista, es evidente que, este color hipnotizante también evoca a los arrecifes de coral que dan refugio a multitud de especies marinas, “en un diverso caleidoscopio de color”, según Pantone. Desde la perspectiva medioambiental, ‘Living Color’ simboliza la fragilidad de estos ecosistemas y el efecto devastador de la sociedad actual sobre la naturaleza.
El vibrante coral en las nuevas colecciones de tejidos
En Gratacós también rendimos homenaje al vibrante ‘Living Coral’ a través de las nuevas colecciones de tejidos. Texturas sedosas, acabados brillantes que captan esa pincelada dorada, Jacquard florales llenos de brillo o suaves relieves en mate… Encuéntralos en nuestra web o pregunta por ellos en nuestro espacio en Barcelona. ¡Te esperamos!
Corren buenos tiempos para los tonos metalizados que adquieren identidad propia dentro de la moda, más allá de su tradicional vinculación con la fiesta, el lujo y el exceso. Así, en las pasadas temporadas, hemos comprobado como los tejidos metálicos se han adueñado poco a poco de la pasarela en prendas, accesorios y complementos que abrazan un estilo más desenfadado, explorando lo urbano y lo deportivo en un festival estético que entrelaza formas y volúmenes contrastados.
Aun así, la proximidad de las fechas navideñas casi “nos obliga” a recuperar la faceta convencional de los tonos metálicos porque es precisamente en esta época del año donde más presencia tienen en las propuestas festivas. Entre todos los tejidos que irradian luz propia nos centramos con los dos colores brillantes por excelencia que en ocasiones se suelen oponer: el oro y la plata.
La fiebre del oro
El oro siempre se ha asociado a la opulencia, al estilo clásico, a las ornamentaciones barrocas y al lujo en su máximo esplendor. Es el color de la riqueza y de la majestuosidad, del gusto por el exceso. Un tono cálido y ultra luminoso que empodera, resplandece y abruma a su vez porque no acepta medias tintas. El preferido del Rey Midas se mueve entre lo clásico y lo moderno con tejidos que captan la atención de todas las miradas. ¡Resulta imposible que pase desapercibido!
El oro se adueña, por ejemplo, de los tejidos en pedrería, de los plisados y del lamé creando patinas doradas que crean fascinantes juegos ópticos. También está presente en los tejidos de lentejuelas con otras tonalidades más apagadas como el oro viejo o en ricos bordados florales combinados con otros colores como el rojo o el negro.
Plata futurista
Lejos de ser “el hermano menor” del oro, el color plata ha adquirido, en las últimas temporadas, identidad propia explorando su faceta más transgresora. En moda, es también una tonalidad lujosa que se asocia con la modernidad, el movimiento, la tecnología y la innovación. En este sentido, el color plateado es visto como el símbolo del progreso, de lo funcional, lo dinámico y lo técnico mostrando un gran poder de atracción que se vincula con los avances que están por venir como el campo de la ingeniería espacial. De aquí que el color plata se vincula, en ocasiones, con las utopías futuristas.
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Esta tonalidad fría se aleja de los tejidos lisos y se apropia de originales texturas como las arrugadas que se asocian al papel de aluminio. En las pasarelas de la actual temporada, destacan algunos vestidos de Calvin Klein 205W39NYC, los matices tornasolados de Emporio Armani o los tejidos con efecto holograma de Balmain. Por último, abundan también los tejidos malla y de grandes lentejuelas brillantes que crean un seductor efecto espejo. Dos clásicos que forman la esencia de Paco Rabanne.
Miércoles 28 noviembre 2018
El Museo Nacional de Mujeres Artistas (NMWA) de Washington D.C acoge por primera vez una exposición de moda y lo hace estrenándose a lo grande, alojando el trabajo meticuloso de Rodarte. Así, bajo el título ‘Rodarte’, la muestra explora el universo de la célebre casa de moda de lujo estadounidense, fundada tan solo hace 13 años por las hermanas Kate y Laura Mulleavy. Una exposición que desvela los conceptos visionarios de las diseñadoras, su impecable artesanía y su impacto en la industria de la moda. Teniendo en cuenta que, actualmente solo el 14% de las grandes firmas de moda están lideradas por mujeres, esta muestra ubicada en un museo dedicado al arte femenino es toda una declaración de intenciones.
En concreto, ‘Rodarte’ explora los rasgos distintivos de su diseño, la concepción creativa y los temas e inspiraciones recurrentes que posicionan el trabajo de las hermanas Mulleavy dentro del arte y la moda contemporánea. No se trata de una retrospectiva, algo que los propios comisarios de la muestra han dejado claro desde un principio, ya que la firma es muy joven y sus fundadoras no llegan a los cuarenta años, sino un acercamiento al imaginario de Rodarte a partir de los distintos elementos que forman su identidad. Estos rasgos se desvelan a lo largo de los 94 looks completos que forman parte de las 12 temporadas presentadas por la firma californiana. Además, también se han incluido los trajes de bailarina que las hermanas Mulleavy crearon para la película ‘Black Swan’ de Darren Aronofsky, así como el vestuario de su primera película ‘Woodshock’. Unas prendas que destilan el concepto de feminidad moderna que sostiene Rodarte junto con otras influencias como su pasión por la naturaleza y la humanidad. Una mezcla perfecta de fuerza y delicadeza que también se aprecia en la gran variedad de tejidos empleados combinados con meticulosas técnicas de alta costura. No en vano, Rodarte es una de las firmas que más elogios ha recibido en el mundo del arte y de la moda desde sus inicios en 2005.
La exposición ‘Rodarte’ estará abierta al público hasta el 10 de febrero.
La moda concebida como arte
Rodarte fue fundada en 2005 en Los Ángeles (California) fruto de la imaginación y la creatividad de Kate y Laura Mulleavy. Licenciadas en historia del arte y literatura, las hermanas carecían de una formación especializada en diseño de moda cuando empezaron, pero tenían audacia, intuición y un gusto exquisito por la técnica, la artesanía y el detalle. Con estos talentos, conquistaron a la industria de inmediato. En esta breve trayectoria de trece años, Rodarte ha ganado docenas de premios desde su primer desfile e instituciones como el Metropolitan Museum of Art’s Costume Institute se ha hecho con piezas de la firma. Sus prendas, entre postapocalípticas y oníricas, buscan esa dualidad que tiene la belleza, entre lo oscuro y lo luminoso, con múltiples referencias que abarcan temas tan recurrentes como el cine, el arte y la naturaleza.
Rodarte debutó en 2005 en la Semana de la Moda de Nueva York con un éxito rotundo y tras presentar las últimas colecciones en París, este año han decidido regresar a la Gran Manzana, ciudad donde atesoraron su primer triunfo. Un retorno que coincide con esta exposición en Washington de una de las firmas de lujo con más proyección internacional en la actual industria de la moda.
Ya lo habíamos anunciado en redes sociales y también, desde hace días, a través del nuevo escaparate de noviembre. Falta exactamente una semana para que Gratacós acoja la pop up de moda más revolucionaria de Barcelona: se trata de Sastreria Moderna, una iniciativa única que le da un giro al concepto tradicional de confección a través de diseñadores locales que presentan una colección cápsula de ropa y accesorios elaborados con distintos tejidos de la nueva colección.
En esta quinta edición, Sastreria Moderna ha invitado a 13 diseñadoras de distintos estilos con una filosofía en común: la apuesta por la moda consciente y pausada, de cocción lenta que pone en valor la artesanía y el detalle. Lo realmente interesante de esta iniciativa efímera es que los creadores participantes elaboran ropa y accesorios únicos en una colección especial con nuestros tejidos y donde el cliente se la puede probar in situ, y acto seguido comprar. ¿Y cómo se lo lleva? Esta es la magia de Sastreria Moderna: se confecciona exclusivamente bajo pedido y cada cliente puede escoger una variación de color del tejido o una pequeña modificación del diseño, si así lo desea el cliente. En quince días, los encargos se recogen en nuestro espacio o en la dirección que haya indicado cada uno.
La colección ya tiene forma
Cada diseñador ha elaborado solamente dos o tres prendas con nuestros tejidos más afines a su espíritu y entre todos conforman esta colección cápsula de Sastreria Moderna. Cada prenda tiene ese punto especial y personal a su vez, y existe la garantía total que se ha hecho con mucho cariño desde el taller con tejidos de calidad como los escogidos por las diseñadoras: terciopelo, Jacquard, lamé, tweed, crepe y ¡hasta flecos! En esta propuesta de diseño ya elaborada habrá vestidos largos, faldas asimétricas, camisas para chico y chica, pantalones anchos, chaquetas, bolsos, turbantes, cinturones y hasta mini serie de collares. En total, ¡casi una treintena de diseños textiles para elegir!
Las auténticas protagonistas
¿Y quiénes son las diseñadoras participantes de esta edición? En total hay 9 creadoras de ropa y son: KM by LANGE, G.I.A.N., Ana Tichy, Ene de Narcisa, Montse Cañadas, Lucía Rodríguez, Deltravés, Enero y Norima. Las 4 diseñadoras de accesorios son Greta Serra (bolsos), Andrea Viêntëc (turbantes), Mireia Fusté (joyas) y Kimôh (cinturones). Acompaña la colección cápsula de las diseñadoras una serie de marcas de accesorios que comparten valores slow fashion y que aprovecharán la ocasión para vender sus productos durante la pop up de moda: Becker&Co, Mireia Fusté y Philo K (joyas), The Henten Bag (bolsos y monederos), Anna Perich (pañuelos de seda), Eva vs Maria (zapatos) y Verbena (diademas) y Andrea Viêntëc (turbantes).
¡No te pierdas el directo!
La pop up de Sastreria Moderna se celebrará los días 29 y 30 de noviembre y sábado 1 de diciembre en nuestro espacio Gratacós. En estos tres días de venta puede suceder de todo. Por ejemplo, el jueves y el sábado (de 18h a 20h) habrá una sesión de live sketching a cargo de la ilustradora Lucy Davis, que dibujará pequeñas láminas a todos aquellos que lo deseen. El viernes (de 18h a 20h), la diseñadora Anna Perich también hará una demostración de art & silk y pintará en directo telas blancas de seda y las convertirá en pañuelos únicos y multicolores.
¡Te esperamos!
Viernes 16 noviembre 2018
Éxito de convocatoria de la nueva edición de ‘Cuaderno de Tendencias’, una iniciativa didáctica bianual, que reúne en el espacio Gratacós, a decenas de estudiantes de varias escuelas de diseño para conocer las principales tendencias globales que marcarán la temporada Otoño-Invierno 2019/2020. Una charla distendida e instructiva que imparte Úrsula Uría portavoz en España de la prestigiosa agencia de investigación Nelly Rodi para explicar los colores y las texturas que marcarán las pautas del próximo invierno.
Como premisas generales que influenciarán en la concepción de las colecciones de moda de la temporada AW19/20, Uría ha remarcado una situación económica y social compleja: “No hablamos de crisis, pero si de un parón que afecta a muchos sectores y que comporta la radicalización”. La polarización de la política, el auge de los movimientos migratorios, las reivindicaciones sociales… son algunos de los fenómenos que seguirán marcando la industria de la moda. “Las colecciones que surjan van a ser más transgresoras y alternativas”, explica la portavoz en España de Nelly Rodi. Nombres actuales como Palomo Spain y su feminización del hombre, el retorno de Agatha Ruiz de la Prada con su esencia colorista o la cantante Rosalía con su giro rompedor al flamenco, son algunos ejemplos que, según Uría, muestran esta tendencia general hacia lo alternativo.
Úrsula Uría: “Las colecciones de moda van a ser más transgresoras y alternativas”
A partir de este escenario, Nelly Rodi dibuja cuatro tendencias de moda que engloba dentro de las siguientes categorías: Master, Ride, Oddity y Spirit.
1. MASTER
Una tendencia minimalista que representa el retorno de la sastrería y del patronaje desde el punto de vista del rigor y el perfeccionismo. Vuelven las prendas bien hechas, la artesanía, los trazados geométricos y la funcionalidad.
Referencias visuales: el origami, la geometría, las matemáticas, las esculturas, las líneas rectas, los trazos definidos, el diseñador Issey Miyake, la última campaña de Dior hombre, Tilda Swinton para Gentle Monster o la propuesta de colorterapia de Arket.
Siluetas: Predominan los trazos rectos, las líneas bien marcadas y las prendas versátiles y funcionales.
Colores: Hacen referencia a lo industrial y giran alrededor de los grises y los azules. No aparece el negro y los tonos tinta son los que dan profundidad. También se lleva el color block de un solo tono.
Tejidos: Los acabados brillantes, los acolchados y la experimentación en tejidos técnicos.
Público: Un consumidor racional que compra productos selectivos y caros. Sabe lo que quiere y lo consume a consciencia.
2. RIDE
Una tendencia premium inspirada en el mundo de las carreras (caballos y coches) y de la velocidad. Apela a la reinvención de los clásicos como ya han hecho firmas como Burberry, Hermès o Loewe.
Referencias visuales: el mundo ecuestre, el concepto del club privado, las sagas, las amazonas, el prestigio del uniforme y la autenticidad elegante de las it girls (Carlota Casiraghi, Olivia Palermo, Marta Ortega) con familias vinculadas al mundo del caballo.
Siluetas: Las prendas estructuradas, la geometría, las chaquetas bikers con siluetas reformuladas…
Colores: Las tonalidades de marrones y el rojo Ferrari que aporta un punto de calidez.
Tejidos: Un retorno de los tejidos clásicos como el ante, la piel, las aplicaciones de pelo y los estampados de cuadros inspirados en los jinetes.
Público: Un consumidor que conoce las historias de las marcas y que da valor a las sagas familiares. Consume productos que tienen una historia detrás, un savoir faire bien marcado.and
3. ODDITY
Una tendencia juvenil que se inspira en los movimientos reivindicativos desde el punto poético. Lo alternativo que no es agresivo, sino que transgrede desde la creatividad. Tiene un punto hippy.
Referencias visuales: la portada de Vogue USA del empoderamiento de la mujer, los movimientos sociales, las comunidades, la identidad, la estética grunge, el activismo y la colaboración, el concepto princesa Peter Pan, el eco-activismo, el futurismo y las flores marchitas.
Siluetas: Las sobreposiciones, la experimentación de materiales, las capas, las aberturas sorprendentes… prendas funcionales y muy tecnológicas.
Colores: El gris látex, el azul eléctrico y los tonos dulces (colores pastel).
Tejidos: El mohair, el plástico, el lúrex… La experimentación de tejidos alternativos.
Público: Un público joven que busca apelar una reivindicación a través de la moda. La moda como canal de expresión de un mensaje.
4. SPIRIT
Una tendencia festiva basada en el romanticismo y la sensualidad más teatral. Hay un retorno al refinamiento y a la ostentación con materiales sofisticados. También expresa movimiento con siluetas y tejidos suntuosos que expresan las formas de la mujer.
Referencias visuales: la danza de los siete velos, las reminiscencias estéticas del art noveau, la ciudad de Estambul, el teatro, la seducción, las flores XXL como gardenias y orquídeas, el cantante Bruno Mars, Dolce & Gabbana y el lujo excesivo.
Siluetas: La vuelta de los trajes y la camisería, los abrigos largos y las siluetas fluidas con movimiento con reminiscencias románticas.
Colores: Los colores saturados e intensos. Las tonalidades malvas, lilas y moradas.
Tejidos: Las texturas ricas y aterciopeladas y los Jacquards florales.
Público: Un comprador que busca la emoción, la seducción y la teatralidad. La moda es su arma para impresionar a los demás.
Este otoño es especialmente colorido con tonos saturados y brillantes que irradian fuerza y energía para los meses más oscuros del año donde lo usual es que predominen las gamas neutras y las tonalidades pálidas. Ahora es, ¡justo lo contrario!
Primero fueron los colores neón, luego el naranja como transición entre el verano y el otoño, y ahora llegan otros tonos dentro de la paleta de los fríos dispuestos a coger el relevo. Según un Informe de tendencias de Pantone (la autoridad internacional del color), los colores para Otoño-Invierno 2018 “expresan nuestra necesidad de individualidad, ingenio y creatividad”. Son tonos otoñales inesperados que se complementan con otros más tradicionales y que irradian estas ganas de romper con las estructuras estacionales. El mismo informe apunta que son “colores expresivos que reinventan la historia del color estacional y permiten que la moda juegue con el arte y la originalidad”.
A continuación, te desvelamos cuatro tonos que iluminan los looks de otoño y que ya se han visto en las pasarelas:
- Red Pear
Este rojo es el más apetecible de la paleta y quizás también el más clásico de los colores de moda. El Red Pear es un rojo intenso y delicado que atrae por su exquisita profundidad. Es un color seductor (recuerda al borgoña), que admite una gran variedad de tonalidades y en tejidos da mucho juego gracias a su versatilidad con relieves y texturas totalmente evocadoras. Firmas como Elie Saab, Bottega Veneta, Roksanda, Givenchy, Lanvin u Oscar de La Renta han incorporado este tono en sus propuestas otoñales creando looks fáciles de combinar.
- Ultra Violet
Esta tonalidad la tenemos más presente en nuestras mentes porque Pantone lo escogió como color del año 2018. Cuando creíamos que se quedó en una simple mención, esta tonalidad radiante de violeta aparece en todo su resplandor en las colecciones de otoño. Un tono atrevido vinculado con la creatividad y la imaginación. En tejidos como el terciopelo, el Ultra Violet adquiere un lado más sofisticado, aunque también da juego en bordados y en Jacquard florales. En la pasarela, firmas como Moschino, Tibi, Salvatore Ferragamo, Marni o Dolce & Gabbana se han atrevido con esta variedad de violeta.
- Crocus Petal
Seguimos con las tonalidades violetas para centrarnos ahora en su versión más suave. Crocus Petal, es según Pantone “un tono cultivado y refinado que aporta una sensación de ligereza”. Es una tonalidad pastel muy femenina que dulcifica rasgos y se desmarca del resto por su carácter único. Un color que potencia el movimiento y que en tejidos se aprecia muy bien sobre texturas suaves, lisas y con leves reflejos. En la pasarela, el Crocus Petal se ha visto en diseños de Acne Studios, Miu Miu, Ashley Williams.
- Quetzal Green
Profundo, evocador, sofisticado… este tono de azul verdoso es sencillamente arrebatador. Un color que abunda en la naturaleza en ciertos plumajes de aves para destacar ante las hembras de su misma especie: patos, pavorreales… Una preciosa mezcla de azules profundes y turquesas que se alinea con la elegancia y que admite prácticamente todas las texturas que resaltan los matices de este color tan rico. En la pasarela se han impregnado de Quetzal Green firmas como Alexander McQueen, Alberta Ferretti, Paul Smith o Self-Portrait
Aterriza en la ciudad condal una de las exposiciones más esperadas de finales de año que da vida al lado más bohemio y transgresor del París del siglo XIX. Se trata de la muestra ‘Toulouse-Lautrec y el espíritu de Montmartre’ que alberga desde hoy el CaixaForum de Barcelona. Una producción propia de la Obra Social La Caixa, comisariada por Phillip Dennis Cate que cuenta con una extraordinaria colección de 350 obras de pinturas, dibujos, grabados, carteles y otros objetos de la época procedentes de distintos museos de todo el mundo. Una extensa muestra liderada por las obras del polifacético pintor Toulouse-Lautrec (61 obras, entre ellas seis óleos, un dibujo y sus carteles más conocidos) que retratan el corazón bohemio del barrio de Montmatre y su vida nocturna, en sintonía con la visión de otros artistas contemporáneos que convivieron en el París de finales del siglo XIX.
Montmatre, el denominador común
En 1880, Montmartre era una zona marginal y peligrosa apartada de París que empezó a atraer a numerosos jóvenes creadores. Así, por ejemplo, los artistas Henri de Toulouse-Lautrec, Paul Signac, Pierre Bonnard y Henri-Gabriel Ibels, los intérpretes Aristide Bruant e Yvette Guilbert, los escritores Émile Goudeau, Alphonse Allais y Alfred Jarry, y los músicos Erik Satie, Vincent Hyspa y Gustave Charpentier se mudaron allí atraídos por el barrio: querían vivir gastando poco, trabajar y evitar el centro burgués de la capital francesa. Es así como en pocos años, Montmartre se convirtió en el denominador común geográfico de muchos artistas, que contribuyeron activamente a definir la estética vanguardista de la época.
El centro de la vida bohemia
A finales del siglo XIX, Montmartre era el epicentro del motor social y cultural que definió su estilo moderno y carácter bohemio. Sus calles, los cabarets nocturnos, los cafés del barrio… fueron escenario de una explosión creativa gracias a esos jóvenes artistas e intelectuales que desafiaron, a través de sus obras, el sistema establecido. Henri de Toulouse-Lautrec (Albi, 1864 – Château Malromé, 1901) y otros artistas como Vincent van Gogh, Jean-Louis Forain, T. A. Steinlen, Pierre Bonnard o Édouard Vuillard contribuyeron a este florecimiento de un movimiento rompedor al margen de la burguesía.
Los artistas de Montmatre tenían una actitud crítica y en sus obras era habitual que se reflejara des de la pobreza en las calles a la dureza de la prostitución, dos temas recurrentes que formaban parte de esta denuncia social. En muchas ocasiones, el humor, la sátira y la caricatura se utilizaban para difundir sus propuestas en una renovación del lenguaje artístico que se vuelve más popular y cercano, alejado de las élites. En consonancia, la presentación de sus obras también se realizaba en espacios fuera de lo común: cabarets, teatros experimentales, circos o la misma calle, fuente continua de inspiración.
“La exposición muestra el carácter transgresor de muchos artistas del París del siglo XIX”
Un espíritu que no solo se limitó geográficamente en Montmartre, sino que se convirtió en una mentalidad vanguardista que se trasladó a los nuevos centros de ocio de París y de las principales ciudades europeas y que marcó un antes y un después en las nuevas formas de expresión que se consolidan con el cambio de siglo. La exposición ‘Toulouse-Lautrec y el espíritu de Montmartre’ se podrá ver en el CaixaForum de Barcelona hasta el 20 de enero de 2019.
FOTOS
Crédito: Fotos extraídas del CaixaForum, exposición ‘Toulouse-Lautrec y el espíritu de Montmartre’
