La muerte de Alexander McQueen aún se siente cercana, aunque ya hayan pasado 8 años desde aquel fatídico 11 de febrero de 2010 donde el genial diseñador londinense decidió sacarse la vida. Un día antes del funeral de su madre. Entonces el británico tenía 40 años y dejaba atrás una trayectoria meteórica que dejaría huella dentro del controvertido mundo de la moda. De hecho, su vida -y su obra- tiene más paralelismos con la de las estrellas del rock’n’roll que la de los clásicos modistos de la alta costura. Desde su subida a lo más alto a su descenso a los infiernos. “Mis shows son sobre sexo, drogas y rock’n’roll. Son emoción y piel de gallina. Quiero ataques al corazón y ambulancias”, confesó el propio McQueen durante sus años como diseñador.

“En mis shows quiero ataques al corazón y ambulancias”

Alexander McQueen nació en el seno de una familia numerosa de clase obrera. Hijo de un taxista del East End londinense, de bien joven ya demostró de un extraordinario talento para las técnicas de la costura. De hecho, el propio diseñador se pagó sus primeras telas con el subsidio del paro. Primero fue aprendiz en una de las sastrerías más importantes de Savile Row. Años más tarde se matriculó en un postgrado de moda en la prestigiosa Central Saint Martins del que se graduaría en 1992 con una colección basada en la figura de Jack El Destripador. Aquella colección sorprendió en especial a Isabella Blow, entonces editora de Vogue UK. Isabella, junto a su madre, se convertiría en una de las mujeres más importantes en la vida del diseñador. Más tarde vinieron colecciones para recordar como ‘Taxi Driver’ y ‘Highland Rape’ donde le empezó a perseguir la polémica. Su identidad era enigmática y sus apariciones en público eran más bien escasas porque McQueen era muy receloso de su vida íntima. Sin embargo, su nombre siguió pisando con fuerza y en 1996 relegó a John Galliano al frente de la dirección creativa de Givenchy. A pesar de trabajar para la firma francesa, McQueen siempre mantuvo viva su propia firma donde condensaba sus inquietudes – y tormentos- personales.

McQueen, el documental

Precisamente, para recordar el legado del diseñador británico, hoy 8 de junio se estrena ‘McQueen’, una película de Ian Bonhôte Y Peter Ettedgui que indaga en la figura y la obra del malogrado enfant terrible de la moda. En esta obra, se deja en segundo plano los inevitables clichés del sector y se centra en la iconografía propia de Alexander McQueen como las calaveras, con temas recurrentes en su obra oscura, dramática y salvaje. Una fantasía gótica y teatral que cuenta con portavoces próximos al diseñador británico. Precisamente, ‘McQueen’ se estructura en cinco capítulos que corresponden a cinco de sus grandes desfiles: desde Jack The Ripper Stalks His Victims (1992) a Plato’s Atlantis (2009), su último desfile con materiales que hacen referencia a sus obsesiones como las drogas, el sexo, la violencia, la muerte y el dolor, siempre había dolor en Alexander McQueen. Por desgracia, todo el mundo conoce el final de esta película, pero su visionado representa una oportunidad para mantener vivo el legado creativo de Alexander McQueen, elevado al rango de leyenda.

Este 2018 es el año del nuevo MODA-FAD. Ubicada en el Disseny Hub de Barcelona, la asociación de moda integrada en el FAD (Fomento de las Artes y del Diseño) da voz y visibilidad a los diseñadores locales. Una entidad formada por profesionales de la moda de los diferentes ámbitos, desde ropa a calzado, que puesta por iniciativas que ayuden a dar continuidad a creadores con vocación comercial. Una tarea titánica en los tiempos que corren.

En abril, el MODA-FAD asomó la cabeza con una junta directiva renovada y con compromisos, retos y proyectos que ponen en valor los profesionales de la moda, el diseño y la artesanía que esperamos que den “guerra” para rato. En esta primera etapa de la asociación, el diseñador Edgar Carrascal asumió la presidencia acompañado por su mano derecha, Mireia Playà especializada en calzado vegano. También participan en la directiva Elisenda Oms y Elisabet Carlota de Carlota Oms, Antonio Calderón y Pau Esteve.

El espíritu de la nueva Asociación para el Fomento de la Moda deja clara su voluntad por defender la marca Barcelona y apostar por la internacionalización; contribuir al desarrollo empresarial y el tejido industrial del país y la “dignificación” de los oficios vinculados con la moda. También tiene una voluntad didáctica de compartir conocimientos y hacer pedagogía en el consumo de moda, con el fin de aportar herramientas necesarias para un consumo consiente y sostenible.

Los Premios MODA-FAD

En el marco de la Barcelona Design Week, se impulsan los nuevos Premios MODA-FAD en una ceremonia y fiesta posterior que tendrá lugar el próximo miércoles 6 de junio en el Disseny Hub Barcelona. Unos galardones que están orientados a reconocer el trabajo de profesionales y empresas del mundo de la moda y que han hecho aportaciones al sector durante el último año. En total, se entregarán premios en tres categorías diferentes: Mérito en Diseño de Moda, Mérito en Innovación a la Moda y Premio al Talento del Año. También se otorgará un reconocimiento especial a un diseñador o marca que no está en activo, pero se valora su aportación en el sector de la moda.

Los premiados

En esta primera edición, el diseñador Víctor von Schwarz con su colección Doble Vida, 2018 es el ganador del Premio Mérito en Diseño de Moda. Una propuesta reivindicativa que pone de manifiesto la precariedad del sector y las dificultades que se topan los que empiezan, “la nueva generación”. Una vida doble entre la creatividad y la realidad que no suele durar más de 10 años. Como representación de esta ‘Doble Vida, la colección se divide en dos partes: una puramente negra y blanca con formas que se inspiran en la vestimenta de oficina. La otra, más fantasiosa con purpurina, formas voluminosas y tonos pastel.

El Premio al Mérito en Innovación en Moda recae en Piñatex® by Ananas Anam. Una firma que desarrolla un producto en el que se integra el éxito comercial y se promueve en paralelo el desarrollo social, ecológico y cultural. Con este punto de vista, Piñatex® nace con un material de base natural sin tejer que los consumidores pueden utilizar como una alternativa sostenible. El material está hecho de fibras de hoja de piña, un producto procedente de la industria agrícola que no requiere gran cantidad de terreno, agua o pesticidas para producir la materia prima.

El Premio al Talento del Año se lo lleva Pepa Salazar, uno de los talentos con más proyección de la moda española. Establecida en Madrid, esta diseñadora valenciana presentó en 2013 su primera colección por la que ganó el premio Mercedes-Benz Fashion Talent en la siguiente edición. En la colección Otoño-Invierno 18/19, la diseñadora presenta un universo marcado por las imágenes de lo absurdo, ficticias y utópicas, pertenecientes a la mitología y paganismo propios de las culturas primitivas. El jurado ha considerado que la última propuesta es rica en colores y texturas, tiene carácter y fuerza y una identidad propia que se contagia en todas las colecciones de Pepa Salazar.

Por último, Gori de Palma recibe el Premio especial de la Junta del Nuevo MODA-FAD. La esencia del diseñador se condensa en lo industrial y lo denso, bajo un filtro afterpunk. Una firma de autor afinada y oscura, con un toque perverso basado en los movimientos subculturales.

En la primera edición de los premios también se rendirá homenaje a la figura de la modista y empresaria catalana Carme Martí Riera (1872-1949), una profesional de ideales fuertes que luchó por dignificar la profesión de modista, además de ser la creadora del Sistema Martí, la primera técnica de patronaje y con rigor técnico a escala mundial.

Los asistentes de esta celebración anual del talento de la moda barcelonesa también podrán ver la exposición “El mejor diseño del año”, donde se muestran algunas piezas de los ganadores de estos premios. Una muestra que, además, recoge 500 obras finalistas y ganadoras de los diferentes premios que otorgan las asociaciones del FAD en las diferentes disciplinas del diseño.

La moda es contradictoria y sus dictámenes nunca son para tomárselos al pie de la letra. Simplemente juega y se divierte creando tendencias opuestas entre sí que obedecen al imaginario de cada diseñador o director creativo. En este caso, si hace unos meses os explicábamos que los tonos pastel se adueñaban de las pasarelas, ahora llega una tendencia al otro extremo de la primera en una paleta cromática que hacer referencia a los días primaverales: los colores vibrantes del arcoíris.

Rojo, naranja, amarillo, verde, azul, añil y violeta, esos son los tonos que utilizan firmas como Dolce & Gabbana, Emporio Armani, Carolina Herrera, Gucci o Burberry, entre otros para definir algunos de los looks clave de la temporada. Ésta última, dedicó la actual colección, presentada en la London Fashion Week, a apoyar las comunidades LGBTQ. Por lo tanto, no era de extrañar ver explícitamente en prendas y complementos, la presencia del arcoíris con un significado reivindicativo dentro de un marco optimista y lleno de color.

¿Y cómo se puede llevar? El estilo arcoíris no es fácil e implica a priori atrevimiento y vistosidad. Así que no te lo aconsejamos si lo que buscas es pasar inadvertido. Aun así, ofrece multitud de posibilidades con la introducción de nuevos tonos y variando los motivos gráficos: más allá del estampado de rayas vertical u horizontal. Para empezar, se considera que una prenda o un accesorio sigue la estética arcoíris si ostenta por lo menos 5 colores o tonos distintos que logran este efecto.

El estampado arcoíris se puede combinar con colores lisos – principalmente blanco, negro o nude- o con prendas del mismo tono que cualquiera de los que estén en la prenda. Este estilo lleva implícito los motivos gráficos: ya sean rayas, cuadros, topos u otras figuras geométricas. Para un look aún más estrafalario, se pueden combinar prendas arcoíris con otros estampados como flores, aun así, lo importante es que no le robe protagonismo al estampado.

En Gratacós queremos sorprenderte también con tejidos inspirados en este estilo multicolor y enérgico. En nuestra tienda online encontrarás algunas ideas para diseñar el look más explosivo inspirado en la fuerza del arcoíris.

Londres revive la esencia de Azzedine Alaïa a través de una exposición en el Museo del Diseño que rinde homenaje a la trayectoria de este maestro de la costura a través de sus vestidos más icónicos y representativos. El diseñador tunecino falleció el pasado noviembre a los 77 años dejando en herencia un largo legado que condicionó la confección de prendas. Conocido como el escultor del cuerpo femenino, Alaïa fue pionero en experimentar con arriesgados patrones y aplicar innovadores materiales a sus creaciones. ‘Azzedine Alaïa: The Couturier’ fue concebida meses antes del fallecimiento del artista junto a Mark Wilson, colaborador y comisario de la muestra en la que trabajaron juntos. Finalmente la exposición se abrió al público el 10 de mayo y se podrá visitar en la capital británica hasta el próximo mes de octubre.

El escultor de prendas

Azzedine Alaïa era un modisto de origen tunecino que en los años 50 se asentó en París –donde conoció a André Malraux y Joan Miró- para empezar una de las carreras más prosperas y consolidadas en el mundo de la moda. En su primera etapa, el diseñador empezó a trabajar en Christian Dior, bajo la dirección creativa de Yves Saint Laurent y siguió formándose en firmas como Guy Laroche o Thierry Mugler hasta abrir su firma homónima durante la década de los 80. Hijo de agricultores de origen español, el artista solía vestir de negro y realizó toda su producción textil en su pequeño atelier – y hogar a la vez- en el barrio parisino de Le Marais. Fue en el taller donde empezó a experimentar con las técnicas que usaban los modistos de la época para perfeccionarlas y ampliar así, sus posibilidades. Le ayudó en parte sus estudios sobre escultura y bellas artes que le aportaron una visión más amplia en la confección de vestidos que entendían las formas y necesidades del cuerpo femenino. De hecho, uno de los hitos de la firma fue marcar la sensualidad de la mujer a través de arriesgadas prendas como vestidos ajustados con cinturas marcadas, faldas que jugaban con volantes, el uso de pieles, látex y mallas metálicas con efecto red como tejidos principales. Alaïa también fue el primero en rechazar el calendario de la moda tradicional, mostrando sus colecciones cuando creía que estaban listas. Él mismo elaboraba todas sus prendas a mano, cortando los patrones con minuciosidad. Célebre fue su obsesión por la perfección y la dedicación total a su oficio de modisto.

Desde los inicios de la firma, el diseñador tunecino elaboró exclusivos vestidos para la alta sociedad parisina y en poco tiempo su nombre se popularizó por todo el mundo. Grace Jones o Greta Garbo fueron algunas de las personalidades más afines al diseñador en la década de los 80 y 90, y la modelo Naomi Campbell se convirtió en la musa de la firma. El nuevo Milenio trajo consigo el nacimiento de una nueva generación donde Alaïa se posicionó como uno de los diseñadores de referencia para Kim Kardashian, Rihanna o Lady Gaga.

Una muestra multidisciplinar

Las más de 60 prendas que se reúnen en la capital británica están agrupadas según la idea conceptual que las domina, sin seguir un orden cronológico, y contienen ejemplos de sus más famosas colecciones, como “Explorando el volumen”, “Fragilidad y fuerza”, “Formas recogidas” o “Siluetas negras” -que reúne vestidos que datan del 1982 hasta 2003-.

‘Azzedine Alaïa: The Couturier’ cuenta también con las fotografías de Richard Wentworth realizadas durante los últimos meses del costurero y una serie de vídeos alrededor del franco-tunecino, entre los que destaca un cortometraje dirigido por Ellen von Unwerth, fotógrafa, donde retrata momentos íntimos del artista a principios de los noventa.

Como era de esperar, la nueva convocatoria de la prestigiosa agencia de investigación Nelly Rodi, para dar a conocer las principales tendencias internacionales que marcarán el próximo verano fue un éxito en mayúsculas. Más de 70 personas, la mayoría estudiantes de moda y diseño llenaron con su presencia el piso de arriba del espacio Gratacós. Todos ellos esperaron con impaciencia las tesis y las premisas que ofrecía la divulgativa Úrsula Uria, en una charla instructiva para dar a conocer de forma orientativa los colores y las texturas que marcarán las pautas de la temporada Primavera-Verano 2019.

En esta ocasión, la responsable de la Nelly Rodi en España desveló cuatro nuevas tendencias dentro de un contexto social y económico global que también influye en su elección como el resurgir de los valores nacionalistas y del folklore más patrio; la necesidad de los jóvenes de disfrutar a través del consumo de experiencias vinculadas con los viajes y no tanto en la propia propiedad de los productos; o el auge de nuevos iconos musicales que influyen a través de su imagen con más poder de identidad, para citar algunos ejemplos.

A partir de esas premisas generales, en la próxima temporada estival influirán en la moda cuatro tendencias y son: Magnetic, Sassy, Life y Native.

1. MAGNETIC

Una tendencia futurista, de base andrógina y minimalista, inspirada en las innovaciones tecnológicas y las aplicaciones de éstas en el mundo textil.

Referencias visuales: La inteligencia artificial, la realidad virtual, Tokio, la ciencia ficción, la tecnología funcional, los hologramas, el cosmos, Dries Van Noten o los diseñados cinéticos de la creativa británica Es Devlin.

Siluetas: Imperan las siluetas fluidas y deconstruidas, las prendas funcionales, los grandes bolsillos en parkas y abrigos, los cierres con cuerdas y los detalles con cremalleras.

Colores: Los metalizados como el dorado y el plateado junto a los colores iridiscentes y el azul denim.

Tejidos: Se llevan los tejidos que atraen la luz. Los pasteles en versión neón y los tornasolados en lamés. También la experimentación con tejidos técnicos fuera de lo común.

Público: Un consumidor racional y activo, ultra conectado a las últimas tecnologías y amante de la moda de estética deportiva en clave chic.

 

2. SASSY

Una tendencia exuberante inspirada en los movimientos de vanguardia como el surrealismo y el dadaísmo. Un estilo elegante y refinado que busca sorprender y divertir a través de la ropa y los accesorios.

Referencias visuales: Las obras de Dalí y Miró, el arte abstracto, Cristina Celestino para Fendi, los pintalabios para hombres de Tom Ford, Lladró, el diseñador de interiores Jaime Hayón, las langostas, las riñoneras…

Siluetas: Las siluetas entalladas de estética ochentera con sus volúmenes característicos, la revisión del traje con chaqueta y los vestidos de corte sesentero. Los complementos y los detalles tienen un punto impertinente que juegan con el humor y la ironía.

Colores: Toda la gama de pasteles. Desde los más descafeinados a los más subidos de tono dentro de esta línea de apagados.

Tejidos: La clásica sastrería se renueva con nuevos códigos adaptados a la actualidad.

Público: Un consumidor individualista y algo impulsivo que a su vez tiene un gusto particular por la moda. Le gusta hacerse notar con prendas de ropa que llaman la atención, que transformen conceptos y giren los códigos más convencionales.

3. LIFE

Una tendencia minimalista que rescata el estilo de vida saludable a través de los estados de ánimo y las emociones. Una evolución de la actual tendencia “Horizon” con tintes diferenciadores.

Referencias: La ecología, el estilo de vida saludable, el veganismo, las materias nobles como la madera, el acero, la botánica, la naturaleza, las obras de Suzanne Anker, las raíces o la diseñadora Angela Luna, por citar unos ejemplos.

Siluetas: Se llevan los patrones fluidos y la comodidad es la característica principal que se tiene en cuenta.

Colores: El verde sobre verde. El blanco, el vainilla y las tonalidades nude. Los estampados vegetales ganan terreno a los florales.

Tejidos: Los tejidos naturales, ligeros y los detalles artesanales.

Público: Un consumidor purista, amante del slow life que atesora en el armario prendas caras, pero más duraderas.

4. NATIVE

Una tendencia de espíritu folk que exalta las tribus, el sentimiento de pertenencia y remite a los orígenes. El estilo boho-chic en su versión más salvaje.

Referencias: El mestizaje étnico y cultural, el misticismo, las raíces, lo nómada, los paisajes desérticos, los elementos de la naturaleza, los talismanes, los tótems artísticos de Xavier Noël, los viajes a paraísos perdidos, las manualidades, los aborígenes urbanos…

Siluetas: Una entremezcla de patrones holgados con prendas ajustadas en un estilo que combina lo casual con lo sexy. El estampado a cuadros madrás.

Colores: Los tonos tierra, el verde camuflaje, la combinación naranja con azul, las tonalidades amarillentas, los degradados… Tonalidades que se encuentran en el cielo y la tierra.

Tejidos: Las reminiscencias rústicas y artesanales. El tejido nido de abeja y los drapeados.

Público: Un perfil más impulsivo que encaja con la it girl o el it boy. Busca la singularidad a través de una estética que reivindica el lado ancestral.

¿Quién soy?

Soy diseñador de moda nupcial. Me di cuenta que quería ser diseñador por mi madre porque de pequeño, tuneaba los juguetes que me regalaban. Recuerdo por ejemplo que de coche teledirigido yo lo convertía en un ratón para pasear. Fue ahí cuando mis padres empezaron a estimularme en el mundo del arte. En el caso del diseño de moda fue un encuentro casual. De hecho, actualmente combino mi trabajo de enfermero con la que es mi verdadera pasión: la moda.

¿Dónde he estudiado?

Estudié en la Central Saint Martins de Londres y luego en IED Barcelona porque sabía que la ciudad es un referente en moda nupcial.

¿En qué me he especializado?

En Barcelona he acabado el Postgrado en Diseño de Vestidos de Novia y Ceremonia. Esta formación ha sido muy gratificante en cuanto a diseño y patronaje porque he aprendido otras técnicas. Parece que no, pero quien sabe diseñar para la novia, sabe hacer muchas cosas. ¡No te imaginas la creatividad que hay detrás de cada vestido nupcial!

¿Cuál es mi estilo?

Soy bastante espontáneo en general y no acostumbro a planear demasiado. Esta característica también se aprecia en el diseño. Aun así, te diré que en cuanto a diseño nupcial me gustan los diseños contemporáneos. Me inspiran las técnicas clásicas de alta costura, mis referentes son actuales y en un futuro, me gustaría innovar en tejidos con algo más experimental.

¿Cómo me reconoceréis?

Ahora mismo te podría decir mis inspiraciones y los diseñadores a quienes admiro. Me gusta muchísimo el maestro Balenciaga y también sigo la estela de la Alta Costura de Stéphane Rolland. Me fascinan sus volúmenes arquitectónicos y es muy rompedor.

¿Cuál es mi proyecto?

Ahora mismo estoy muy contento de haber ganado el premio “Gratacós Barcelona Scolarship for the Talent” por mi proyecto final que consistía en un realizar un vestido a través de la técnica del moulage. El principal reto que me encontré es dar con el concepto porque mi perfil es arquitectónico y de formas no orgánicas. En este caso, me inspiré en la arquitectura e intenté desestructurar la figura para crear un péplum en las caderas que potenciara la silueta femenina y apliques de flores que se van difuminando. Quiero hacer hincapié en lo sostenible, por eso las flores están hechas una a una de las mermas de la organza que se iban a tirar y las teñí de rosa. El crepe base del vestido es blanco y las flores ya juegan en distintas tonalidades de rosa.

¿Dónde me podéis seguir la pista?

Ahora mismo estoy trabajando para Pronovias y la firma me está dando una oportunidad única para aprender el oficio. Me satisface muchísimo ver el desfile y sentir que yo he participado en la creación de esa manga, de esa falda o de ese cuerpo.

¿Dónde espero que me veáis?

Puestos a soñar, creo que tengo mucho que aprender, mucho que experimentar y ojalá, mucho que aportar. Voy a dejar que todo fluía, dejando la mente abierta a que todo vaya sucediendo ya sea trabajando para otros o para mí mismo.

Recordad mi nombre por…

De momento alguien que tiene mucho que decir en el sector nupcial.

Gratacós es para mí…

Gratacós es sin duda una de las mejores tiendas de tejidos que exporta por todo el mundo y que ofrece una gran calidad y diseño.

Me lo llevo de la tienda…

Yo me llevo siempre tejidos neutros o blancos porque me gusta manipular la tela y hacer nuevas creaciones. Me interesa darle a la novia un valor añadido que también tiene esa parte artesanal.

El color comunica y expresa estados de ánimo. Es una variable clave que los diseñadores tienen en cuenta a la hora de presentar sus colecciones. No hay nada fortuito. Cuanto más radiante es el color, más capacidad de expresión transmite. Y ya se sabe que en primavera existe un deseo de expresarse con colorido, después de una temporada de tonos neutros, oscuros y apagados, tradicionalmente vinculada con el invierno.

Conviviendo con los colores sorbete, despunta otra gama de tonalidades que se posicionan justo al otro extremo. Son tonos vivos, que irradian energía, optimismo y confianza impulsando una nueva vitalidad hacia las tendencias de moda. En esta gama cromática más atrevida se halla un color inspirado en los paisajes naturales más fantasiosos: el Arcadia.

No nos engañemos, el verde nunca ha sido un color fácil de llevar. En pasarela encandila por su frescura y espontaneidad, en cambio no es una de las preferencias habituales en el consumo. Hay cierta “maldición” entorno a este color que solo lo iguala el amarillo. Algo distinto sucede en decoración donde sí que es una tonalidad habitual porque aviva los espacios neutros y potencia las texturas naturales y los acabados rústicos. Un tono que se utiliza en textiles, tapizados, muebles auxiliares y, a veces en alguna pared.

El Arcadia es un verde distinto, altamente reconocible a nivel visual y de espíritu complejo. Según Pantone, esta tonalidad “insinúa lo retro y al mismo tiempo lo moderno”. La autoridad internacional del color asegura que “es una versión más fresca y limpia del verde que, con su matiz de fondo azul, nos lleva a una nueva dirección para esta temporada”.

Esta llamativa variación del turquesa se inspira en las aguas cristalinas de los océanos tropicales y nos remite a la pureza, lo natural y lo divertido. El color Arcadia es sobre todo desenfadado. A medio camino entre lo evocador y lo transgresor. Evidentemente, no hay ninguna firma de lujo que haya hecho una apuesta integral por esta tonalidad, pero sí que en su justa medida ha aparecido en las colecciones de Tibi, Sportmax o Ulla Johnson en su versión más sport en siluetas desestructuradas y prendas holgadas de tejidos sintéticos. O bien, mostrando su lado más sofisticado a través de vestidos vaporosos de inspiración navy como Elie Saab o a través de capas y accesorios en piel vistos en Valentino.

Es habitual ver este color en Gucci, “el perro verde” de la moda. En la próxima temporada otoño-invierno 2018 hay pinceladas Arcadia en vestidos de estética ochentera con volúmenes en los hombros y algún blazer con tejidos brillantes. Lo que resulta más interesante es que Alessandro Michele lo utilizó para contextualizar su último desfile más excéntrico de lo habitual. Un símbolo que, en este caso, el director creativo de la popular firma italiana quiso utilizar para resaltar el lado juvenil y fantasioso de su próxima colección.

Descubre también en Gratacós los tejidos que se tiñen en color Arcadia o en sus tonalidades más parecidas. Seguramente, le darás una nueva oportunidad al verde. Merece la pena…

Abril es el mes tradicionalmente asociado con el compromiso: se estrena oficialmente la nueva temporada de celebraciones, popularmente conocida como la época BBC (bodas, bautizos y comuniones) y las ferias nupciales internacionales marcan el calendario del sector a nivel comercial y de diseño. De hecho, la Barcelona Bridal Fashion Week 2018, la principal cita mundial de moda nupcial, está calentando motores a la espera de volver a situar del 23 al 29 de abril, la capital catalana en el centro del huracán de todas las tendencias y novedades del amplio mercado de los novios.

Desde Gratacós también ponemos nuestro granito de arena. Para empezar, esta semana hemos estrenado nuevo escaparate que confiamos que se convierta en un reclamo para las futuras novias. Una edición más, hemos colaborado con IED Barcelona para visibilizar el talento de la nueva generación de diseñadores nupciales a través del Posgrado en Diseño de Vestidos de Novia y Ceremonia que ofrece la prestigiosa escuela. En esta ocasión, en el escaparate se muestran los proyectos finales de tres estudiantes con un futuro prometedor. Como es habitual, los jóvenes diseñadores han creado tres vestidos siguiendo los parámetros del moulage, la técnica de corte y confección que consiste en trabajar el diseño directamente sobre el maniquí.

Más allá de la exhibición de los proyectos, también hemos impulsado una nueva edición del concurso “Gratacós Barcelona Scolarship for the Talent” junto a IED Barcelona. El ganador de esta edición es José Bellón que recibirá un premio económico valorado en 1.000 € que podrá invertir en nuestros tejidos para que pueda elaborar los nuevos diseños de novia para la próxima temporada. El acto de entrega del premio tendrá lugar en la misma Barcelona Bridal Fashion Week, el próximo jueves 26 de abril, dentro del calendario de desfiles y actividades paralelas de la pasarela nupcial. De hecho, os recomendamos que visitéis en el village, los talleres que los estudiantes de la escuela harán en directo con nuestros tejidos siguiendo la técnica del moulage.

Por último, aprovechamos para recordaros que ya tenemos disponible en nuestro espacio de Barcelona la nueva colección de tejidos nupciales correspondientes a la temporada 2019. Una selección bien cuidada que tenemos al abasto de todos para satisfacer las demandas de diseñadores y consumidores finales que optan por nuestros tejidos para elaborar su traje de novia. ¡Os esperamos!

La primavera trae consigo un nuevo despertar de los motivos botánicos con originales estampados de flores que rinden homenaje a la naturaleza y a sus plantas. De vivas tonalidades, en varios tamaños, en combinaciones sorprendentes… Hacemos un repaso por los prints que más nos inspiran en una temporada rica en color y texturas, con las flores como denominación en común.

Campiña francesa

Nos trasladamos al interior de la Provenza francesa en medio de los bastos campos de flores silvestres: amapolas, lavandas, girasoles… que llenan de colorido este entorno campestre. En la pasarela, las flores también brotan en su versión más mini -se impone el estampado Liberty- en todo tipo de tejidos y en tonos suaves, aportando delicadeza y cierta nostalgia. Vestidos largos de inspiración romántica, tops asimétricos con volantes de estilo Brigitte Bardot y faldas fluidas abundan en los desfiles de las colecciones primavera-verano 2018 de Chloé, Paul & Joe, Loewe o Marni. Un estampado que refleja la belleza más bucólica de la naturaleza.

Exótica Polinesia

Al otro extremo de la primera tendencia en estampados florales, se sitúa el exotismo de la Polinesia. Así, la flora y la fauna de estas islas del Pacífico inspiran los estampados veraniegos más atrevidos con flores en gran formato que invaden todo tipo de prendas aportando color, alegría y vitalidad. Un espíritu tropical inspirado en Hawái o Taití con dos flores protagonistas: el hibisco y la gardenia, envueltas de abundante vegetación. La paleta cromática se centra en los tonos cálidos y vibrantes como el amarillo, el naranja, el fucsia o el bermellón.

Jungla salvaje

Las flores aún sin estar presentes, ceden el protagonismo a las frutas, las hojas de palmeras, y la fauna salvaje más diversa en este tipo de estampado muy vivo lleno de referencias naturales a estos paraísos exóticos llenos de follaje. Los tejidos emulan los motivos florales que se entremezclan con vegetación y prints animales. Un estampado tropical que se renueva temporada tras temporada y que está presente en las colecciones de Kenzo o Escada, a modo de ejemplos.

En Gratacós encontrarás varios tejidos florales que siguen estas tres tendencias de temporada entre otras inspiraciones. Los encontrarás en nuestra tienda online o en el espacio físico de Barcelona.

París reconstruye lo que Martin Margiela deconstruye en su proceso de construcción. La obra del misterioso belga, conocido como “el diseñador ausente” o “el genio sin rostro”, protagoniza la primera exposición del Museo de la Moda de París desde que la española Miren Arzalluz ocupa la dirección. “Margiela ha sido un creador iconoclasta, rompió los cánones establecidos e introdujo una silueta absolutamente innovadora cuestionando el sistema de la moda”, ha explicado Arzalluz en declaraciones a Efe.

Así, el Palais Galliera acoge hasta el 15 de julio una retrospectiva de los veinte años de trabajo del diseñador (1989-2009) más revolucionario e influyente de las últimas décadas en una muestra donde el propio Margiela ha colaborado activamente, a pesar de no haber mostrado nunca su cara en los desfiles ni ha concedido entrevistas. Comisariada por Alexandre Samson, la exposición ‘Martin Margiela, 1989-2009’ es una mirada inédita al discurso estético del diseñador, construida a través de 130 looks y material de archivo de la firma, así como vídeos de los desfiles, fotografías y bocetos. En las salas del museo se exhiben algunas de sus prendas icónicas que revelan su capacidad para trabajar con todo tipo de materiales y el talento para inventar distintas siluetas que fueron una de sus insignias de la firma.

El genio de la deconstrucción alérgico a la fama

Margiela nació en Lovaina en 1957 y es uno de los emblemas de la Real Escuela de Bellas Artes de Amberes, donde se diplomó en 1980 antes de entrar en las oficinas de Jean-Paul Gaultier, a quien asistió durante casi cuatro años. A partir de 1987, empezó a nacer el mito con la creación de su firma homónima. En los desfiles, las modelos desaparecían detrás de máscaras de muselina en escenarios urbanos como aparcamientos y estaciones de metro. Todo estaba pensado para que la auténtica protagonista fuera la ropa. De hecho, el diseñador ha sido uno de los artistas más reservados, enemigo de las entrevistas y alérgico a los flashes. “Dada mi naturaleza tímida y reservada prefiero estar entre bambalinas y gozar de la protección del anonimato. Mi única tarjeta de visita es mi trabajo”, había confesado en alguna ocasión.

“Mi única tarjeta de visita es mi trabajo”

Su nombre está ligado al trabajo deconstructivista porque estudiaba la ropa como si fuera arquitectura, llegando hasta la propia estructura de cada prenda para hacer una nueva creación. En ocasiones, también daba la vuelta a la estructura para que el interior fuera el exterior, mostrando el reverso de cada prenda. Un ejercicio de investigación cuya finalidad era mostrar el proceso creativo y no tanto el aspecto final. De esta forma, Margiela cuestionó las bases de la industria y la concepción misma del traje, a través de un conocimiento profundo de la sastrería y un perfeccionismo hasta el último detalle. “Es alguien que no solo tiene una visión alternativa de la mujer incluso de su cuerpo, sino que cuestiona principios fundamentales del sistema de la moda”, comenta Arzalluz.

El diseñador belga también tomaba gusto en transformar los patrones, deformaba las siluetas y tenía especial obsesión por las siluetas XXL. Así lo demostró en su célebre colección ‘Oversize’ lanzada en el año 2000, donde agrandó hasta el extremo todas las prendas de la colección en una época donde lo ajustado estaba en boga. Una muestra más, que para Margiela, la tendencia iba siempre detrás de la investigación.

En la exposición se aprecian algunos rasgos más que definen la obra de Margiela: los hombros ligeramente levantados que huyeron de las rígidas hombreras de los años 90, las líneas minimalistas de sus diseños, la conceptual interpretación de patrones en prendas planas o sus zapatos más famosos: los “tabi”, una versión renovada del tradicional calzado japonés que separa el dedo gordo del pie del resto.

La exposición ‘Martin Margiela, 1989-2009’ constituye una magnífica oportunidad para conocer la obra de este genio de la moda vanguardista a través de su cuidado proceso de investigación y su costura que lo llevó a entrar en la Alta Costura. “Veinte años, cuarenta desfiles, cientos de prendas, ¿qué me queda?”, rezaba el diseñador en una frase que quedó inmortalizada durante el último desfile de la colección primavera-verano 2009. Margiela ya había dicho todo lo que tenía que decir.