The Color Community vuelve una edición más a la Antigua Fábrica Damm de Barcelona para presentar las nuevas tendencias en materias, texturas y colores que inspirarán la temporada Otoño-Invierno 2019/2020. Un proyecto consolidado dirigido por tres profesionales pluridisciplinares donde la moda se fusiona con la arquitectura y el diseño. Los impulsores de la iniciativa, que se consideran “unos enamorados del color”, son Eva Muñoz, diseñadora y especialista en Color&Trim; Pere Ortega, arquitecto en Saeta Estudi, y Rosa Pujol estilista de tejidos y colores de Gratacós que cumple diez ediciones liderando este genuino proyecto multisensorial.

Esta edición The Color Community se centra en el concepto de ‘Mov’ en referencia al movimiento y como éste se puede vincular con el diseño de manera abstracta. “Queríamos tratar este tema en profundidad y crear dos lenguajes compatibles, complementarios e interesantes para fomentar la creatividad”, explica Pere Ortega. En este contexto, la propuesta se articula a través de cuatro gamas de color y texturas contrastadas bautizadas como: Beauty Attack, Team-Seat, Falling Up y Vibes. Más allá de la visualización de cada tendencia, a través de un vídeo con imágenes inspiradoras, en The Color Community también intervienen otros sentidos como el oído, a través de la música con la que están ambientadas las tendencias y el gusto al ofrecer a los asistentes cuatro caramelos con sabor distinto que se podían degustar en el momento de cada visionado.

Beauty Attack

La primera inspiración se basa en la belleza contrastada que existe entre lo artificial y lo natural. Una dualidad que representa el diálogo que se da entre la ciudad y la naturaleza. Lo urbano con lo salvaje. Estos dos conceptos contrastan entre sí de forma agresiva, sin mimetismos. Representa la necesidad de observar, de protegernos y de dominar aquello más natural, siempre detrás de un filtro, de una ventana o de una casa que separa la persona de la naturaleza. En esta tendencia se apreciaría un contraste entre materiales fabricados, tejidos sintéticos e innovaciones tecnológicas con técnicas artesanales, estampados vegetales y tonos inspirados en el cielo y los bosques.

Team-Set

La segunda gama contrasta con la primera y hace referencia a los equipos. El movimiento que hace una persona para acercarse a una comunidad para contribuir por una causa, pero mantiene su identidad propia. Un grupo homogéneo que respeta la pluralidad de sus individuos. Para remarcar este individualismo dentro de un equipo se utiliza una paleta cromática de tonos muy oscuros que parecen casi negros cuando están separados, pero que recobran una tonalidad propia cuando aparecen juntos. Marrones, azules marinos, violetas y verdes camuflaje son algunas de las tonalidades que conforman esta tendencia.

Falling Up

La tercera inspiración hace referencia al movimiento contrario que en Team-Set. De los individuos que salen del grupo y representa una especie de caída hacia arriba. Como una elevación de lo terrenal a lo divino. Para escenificar este movimiento vertical se trabajan tonalidades poco saturadas que crean combinaciones suaves y armónicas. Las líneas sencillas, los pliegues, los volúmenes racionales, los tejidos mullidos, las transparencias, el plástico, los tejidos irisados… forman parte de este imaginario que se tiñe en tonos pastel como el rosa maquillaje, el azul tenue o el hueso que se utiliza en las transiciones cromáticas.

Vibes

La última inspiración hace referencia a las vibraciones, a los movimientos dinámicos y espontáneos. Es una tendencia más libre que conecta con el entusiasmo, la energía y la identidad. Para ello, utiliza gamas cromáticas muy diferenciadas, pero altamente combinables entre ellas. En tejeduría esta estridencia también se lleva más allá de las gamas sportwear. Dentro de esta inspiración entrarían conceptos como el mix & match de tejidos y estampados, el mestizaje cromático y la inspiración callejera.

Algo duele en lo más profundo de la industria de la moda cuando uno de los grandes maestros se desvanece. Es como si se acabara el fin de un ciclo próspero o de una etapa de grandes logros para dar lugar a la incertidumbre. La nostalgia de pensar que cualquier tiempo pasado fue mejor es mala compañera.

Esta semana, el sector ha perdido uno de sus máximos representantes, Hubert de Givenchy. El modisto francés falleció el sábado a los 91 años mientras dormía. “El eterno aprendiz”, que era como Givenchy se definía a sí mismo, dejó este mundo mientras soñaba. Es curioso como los visionarios, no dejan de soñar hasta su último aliento.

Una trayectoria entre telas

Hubert de Givenchy nació el 21 de febrero de 1927 en Beauvais en el seno de una familia protestante que pertenecía a la nobleza francesa. Su padre murió cuando tenía dos años y el diseñador se crio con su madre y si abuelo que poseía una fábrica de tapices en la que además coleccionaba telas, muebles y otro tipo de objetos típicos de la época. Según había contado en múltiples ocasiones, desde pequeño quiso dedicarse al mundo de la moda, pero no era una profesión que en la época fuera bien vista. En 1944 abandonó el núcleo familiar para trasladarse a París con el sueño de ser costurero. En la capital francesa estudió en la Escuela de Bellas Artes junto con otros modistas como Robert Piguet o Elsa Shiaparelli. Al poco tiempo de aterrar abrió su propio taller en París y no dudó, al cabo de poco tiempo, en fundar su propia marca: la maison Givenchy, que inauguró en 1952. Dos años más tarde se convirtió en el primer diseñador en presentar una línea de prêt-à-porter de lujo que lo catapultó al éxito. Es también en esa época, en 1953, cuando Givenchy conoció al maestro Cristóbal Balenciaga con quien mantuvo una gran amistad y siempre se declaró su absoluto admirador. De hecho, el modisto francés se convirtió en impulsor del Museo Balenciaga, fundado en 2011 como muestra de compromiso por al que consideró una fuente de inspiración. De Balenciaga, heredó una forma de hacer y entender la Alta Costura como símbolo de la elegancia atemporal.

Tras una larga trayectoria a la cabeza, en 1988 el grupo de lujo LVMH adquiría la maison Givenchy. El creador relegó su posición como gran propietario de la firma, aunque siguió diseñando colecciones para la casa. Otros diseñadores ocuparon el cargo de director creativo como Galliano o hasta hace poco, Riccardo Tisci. El mismo Givenchy se retiró en 1995 con un desfile simbólico en París. A pesar de no estar dentro del circuito, Hubert de Givenchy nunca se desconectó del sector al que amaba hasta el fin de sus días: “Dejaré de hacer ropa, pero jamás de descubrir. La vida es como un libro: hay que saber pasar página”. Una gran lección de vida de unos de los maestros de la aguja del siglo XX.

El modisto (y amigo) de Audrey Hepburn

Givenchy visitó personalidades clave del siglo XX, como Jacqueline Kennedy, Wallis Simpson, Grace Kelly, o Carolina de Mónaco. Aunque, su preferida siempre fue Audrey Hepburn. De hecho, más allá de lo profesional, la actriz fue su musa y amiga durante años. El primer encuentro con la actriz belga surgió en 1953 en un momento clave. Entonces, Hubert de Givenchy accedió a prestarle varios modelos para la película ‘Sabrina’ que se estrenaría un año después. Esa colaboración marcó el inicio de todas las colaboraciones que vendrían dentro y fuera de las pantallas. El modisto creó para la actriz diseños icónicos como el vestido negro que vistió en ‘Desayuno con diamantes’ (1961); las creaciones retratadas por Fred Ataire en ‘Una cara con ángel’ (1957) o la pieza de encaje y antifaz negros de Hepburn en ‘Cómo robar un millón’ (1966). Era tanta la confianza y admiración mutua, que Givenchy incluso tenía un libro de bocetos dedicados a Hepburn, titulado ‘A Audrey con amor’. “Siempre respeté el gusto de Audrey. Ella no era como otras estrellas de cine porque le gustaba la simplicidad”, aseguró el modisto de su musa.

La moda se rinde a la dulzura de las tonalidades más suaves del espectro cromático. Los colores pastel son los reyes de una temporada, que se tiñe de tonos pálidos que le dan cierto aspecto aniñado y romántico, con mezclas que incluye los celestes, el verde agua, los rosas blanqueados, el azul bebé, el lavanda y los grises muy diluidos. Las colecciones de Michael Kors, Tom Ford, Emporio Armani, Giambattista Valli, Victoria Beckham y hasta Chanel, se han impregnado de esta paleta de color que se presenta en bloques complementarios dentro de un mismo look y que expresan, sin duda, la libertad para experimentar con colores, texturas suaves y tejidos, que se vuelven más livianos. Son tonalidades que, bien combinadas, suavizan rasgos y favorecen a las pieles bronceadas.

Veamos algunos de los colores que más se llevan esta primavera-verano 2018 según Pantone.

Pink Lavender

Esta tonalidad de rosa con reminiscencias azuladas, coge el relevo al Millennial Pink que tanto triunfó la temporada pasada –y que sigue marcando el espíritu de una generación-. Se trata de un color rosa lavanda, muy fino y delicado que desprende calma y tranquilidad. Michael Kors, Kenzo o Tom Ford han apostado por este tono en primavera.

Almost Mauve

Otro rosa que seduce desde la paleta de suaves. El Almost Mauve es una tonalidad casi malva muy tenue, que parece casi blanco. Un color efímero y delicado como un pétalo de rosa que aporta un tono muy sutil a la propuesta cromática. Algunos diseños de Rachel Zoe, Giambatista Valli y Tom Ford lucen esta tonalidad tan nostálgica.

Blooming Dahlia

El naranja es presente en su versión más rebajada: el melocotón. Un tono cálido que se entremezcla con el rosa y hace referencia al florecer de las dalias. Es un color discreto, pero atractivo que también triunfa en la industria del maquillaje. Racheal Zoe y Paul Smith no han dudado en apostar por él.

Little Boy Blue

El azul bebé vuelve para instalarse una vez más en los meses más cálidos. Ese inspirador color del cielo más claro nos remite a la inocencia y a la pureza y transmite tranquilidad y confort. Un tono calmado que encuentra en los lavandas y los verdes apagados sus mejores aliados. Versace y Ralph Lauren lo han sacado a las pasarelas.

En nuestro web online, así como en el espacio Gratacós también encontrarás la nueva selección de tejidos pastel para que puedas crear tus bloques cromáticos más suaves. Escoge tejidos sin demasiadas texturas y atrévete a experimentar.

Los cuadros siempre dan de sí, especialmente entre temporadas. Más allá del invierno, este tejido geométrico se renueva también en primavera para albergar nuevas formas, tamaños y matices. Así, se rescata del ropero invernal los tartanes, los estampados Príncipe de Gales, el cuadro leñador y los clásicos tejidos sastre para adaptarlos al vestuario de entretiempo.

Acostumbrados a asociar este tejido en abrigos y americanas, los cuadros también saltan a vestidos, pantalones, camisetas y hasta complementos veraniegos de lo más inverosímiles. Si el año pasado fue el triunfo de los cuadros Vichy y el estilo campestre de Brigitte Bardot, esta temporada da un giro conceptual, apostando por un tipo de cuadro más sobrio y a la vez elegante en tonalidades neutras –en su mayoría-. Sí, seguimos hablando de una de las tendencias de primavera-verano 2018.

¿Cómo se lleva en la pasarela?

Existen multitud de fórmulas válidas y cada diseñador apuesta por los tejidos de cuadros a su manera. Aun así, se presentan de dos maneras. En primer lugar, en looks sobrios con acento británico y acompañado de prendas bien estructuradas. No dudes en revisar las colecciones de Chanel, Balenciaga, Fendi o Dries Van Noten para encontrar algunas de las prendas básicas de la temporada que exhiben esta geometría.

Al otro extremo, los tejidos de cuadros se llevan en insólitas mezclas donde la cuadrícula convive con los tejidos rayados, los estampados florales o más cuadros sin orden ni concierto. ¡Una oda al estilo mix & match! Toma nota por ejemplo de la nueva colección de Miu Miu, Marni o Balenciaga para citar algún ejemplo.

Sobre colores, tampoco no hay nada escrito. Conviven en la pasarela los tonos marrones, los verde caqui, los naranja caldera y la gama de crudos para esta línea más british, con los azules vistosos, los rojos o los rosas pálidos combinados con otros bloques de color en combinaciones que juegan al contraste.

Encuentra algunos de los tejidos de cuadros del momento en nuestra web o visítanos a nuestro espacio y te asesoraremos. Mientras tanto, te dejamos una muestra.

La moda es arte. Y como tal, sirve de lienzo inspiracional a otras disciplinas artísticas como la pintura. Y en especial, la del maestro Joaquín Sorolla. Un pintor que ejerció de cronista gráfico de su época retratando la modernidad y la alta costura a la vez a través de sus obras cargadas de contenido estético, vinculadas con la moda.

Para ensalzar su trayectoria artística, el Museo Thyssen-Bornemisza ha organizado una exposición, en colaboración con el Museo Sorolla, que analiza precisamente la influencia de la moda en la obra de Joaquín Sorolla y que podrá verse simultáneamente en ambas sedes, del 13 de febrero al 27 de mayo de 2018.

La muestra, comisariada por Eloy Martínez de la Pera, reúne más de setenta pinturas, procedentes de museos y colecciones privadas nacionales e internacionales -algunas de ellas nunca expuestas públicamente-, junto a una selección de vestidos y complementos de época, con valiosas piezas prestadas también por importantes instituciones y colecciones particulares, muchas de ellas inéditas.

Un cronista de la modernidad

Sorolla fue un gran amante de la moda y se convirtió en el cronista perfecto de los cambios en las tendencias y estilo de la indumentaria que se produjo a finales del siglo XIX y principios del XX. Precisamente, sus obras reúnen un evocador catálogo de vestidos, joyas y complementos, realzados por su trazo suelto y vigoroso. Precisión en los detalles de los vestidos, énfasis en los tejidos y un catálogo pictórico de complementos presentes en los retratos -en su mayoría femeninos- pintados por el artista entre 1890 y 1920, que dialogan junto a las piezas de moda situadas en las distintas salas del museo. Sorolla retrata a las mujeres ensalzando su condición y feminidad con miradas que inspiran confianza y posturas que marcan un cierto empoderamiento. El artista valenciano concebía la mujer como un ser independiente que no se regía por las convenciones en un tipo de pintura que rompía frontalmente con los clásicos.

La exposición se desarrolla en cuatro secciones: ‘El Sorolla íntimo’, ‘El retrato de sociedad’, ‘El verano elegante’ y ‘El País moderno’, conservando en cada bloque elementos diferenciados que configuran el ambiente de cada temática. Una oportunidad única para descubrir en Madrid la obra del artista y su especial gusto en inmortalizar, a través de la pintura, la moda de la época.

EL ESCAPARATE…

Una cantante de ópera en clave futurista interpreta impávida, melodías vibrantes hacia las estrellas encarada a una pared en tonos malvas con las letras doradas de Gratacós, que recrea ese universo fantástico y radiante creado por Ibone Sologaistoa. La acompaña un manto de nubes algodonadas que la envuelven flotando en este sueño musical donde la estética convive con el arte. “Me inspiran los universos fantasiosos y siempre los intento transmitir en todo lo que hago”, explica la joven diseñadora bilbaína. Esta “Queen of the Stars”, que protagoniza el escaparate de febrero, impone con su presencia ostentosa. Un vestido voluminoso en colores vibrantes ocupa gran parte del espacio. Violetas, rojos y rosas en tonos y texturas contrastadas. Una larga capa de organza verde menta con las constelaciones zodiacales bordadas en oro envuelve el atuendo de la diva cósmica. “Buscaba este contraste entre colores, tejidos y brillos. Si algo tenía claro es que quería trabajar con materiales que irradiasen mucha luz”, explica Ibone. Y añade: “Yo concibo el cosmos como algo brillante, colorista y mágico”.

“Concibo el cosmos como algo brillante y mágico”

Por último, una diadema de estrellas decora el pelo corto de la cantante ficticia, con un peinado que recuerda irremediablemente a Ziggy Stardust, el alter ego del multifacético y pluridisciplinar, David Bowie. “Siempre fue una figura importante para mí en términos de icono, no tanto por su música a la cual descubrí más tarde”, matiza Ibone. Para ello hay que indagar en la película ‘Dentro del Laberinto’ donde el compositor británico interpretaba a Jareth, el misterioso Rey de los Goblins. “Me fascina esa estética mística y extravagante que tiene el personaje, que a pesar de ser malo consigue engancharte con su poder de persuasión”, concluye.

SOBRE IBONE SOLOGAISTOA…

Ibone Sologaistoa es de mente soñadora y de habla rápida. Natural de Bilbao, se mudó hace 7 años a Barcelona para seguir experimentando en el mundo de la ilustración y luego, en el diseño de moda. Otra de sus pasiones que ahora perfecciona en la Escuela Guerrero. Fue precisamente en las actividades que impulsa el centro donde conoció las charlas inspiradoras del equipo de Designers Fashion Experiences donde participa Gratacós. Y de ahí, conoció el concurso de diseño que organizaba la iniciativa divulgativa. “Yo nunca había ganado nada, pero mi filosofía es ‘hacer ruido’ para que te conozcan”, explica animadamente la artista que concibe la moda como una prolongación de su propia esencia: “Mis dibujos y mis diseños conectan siempre con este universo estrafalario y vistoso que me apasiona”.

“Mis diseños conectan con un universo estrafalario que me apasiona”

El diseño ‘Queen of the Stars’ fue escogido por su originalidad y colorido entre los miembros del jurado formado por los diseñadores Alejandro Resta, Celia Vela y Oscar Léon, participantes de algunas de las ponencias del Designers Fashion Experiences. Después de presentarse en las instalaciones de Autobeltran, la creación de Ibone Sologaistoa estará ubicada durante todo el mes en Gratacós. “Está escrito en las estrellas”, reza el mensaje bordado en la capa de la diva cósmica. Entonces, ¡qué así sea!

Las pasarelas de Madrid y Barcelona dejan a su paso un centenar de propuestas creativas de los diseñadores del momento. Desde Gratacós hemos visto algunos de nuestros tejidos en la pasarela en las colecciones para la próxima temporada Otoño-Invierno 2017/2018. Destacamos los looks más relevantes:

La fiesta neoyorkina de Moisés Nieto

Moisés Nieto se desmarcó del calendario oficial de la Mercedes-Benz Fashion Week Madrid para convertir el Club Matador de Madrid en el Club Area de Manhattan de finales de los 80 en un ambiente nocturno lleno de glamour que rinde culto al arte. Así, la propuesta del diseñador ubetense se inspira en la cultura clubber y en los excesos de las noches infinitas a golpe de terciopelo y lentejuelas en vestidos midi combinadas con unas Reebook para no parar de bailar. También destacan las prendas de patchwork en negro donde el devoré, la seda y el guipur se mezclan para brillar en medio de la multitud. Por último, no pasaron desapercibidos algunos detalles glamurosos como las plumas y las prendas con sedas deshilachadas.

El lujo ochentero de The 2nd Skin Co.

Juan Carlos Fernández y Antonio Burillo se inspiran en la década de los 80 para vestir en su día a día a la mujer The 2nd Skin Co. Como novedad, se incorporan las prendas de punto a los looks más sofisticados con jerséis de cuello alto con estampado geométrico y hombros realzados que se combinan con vestidos y tops con lentejuelas bordadas y terciopelo que rebaja esta vez su brillo. De la colección, destaca también un blazer-vestido de tweed negro, que se versiona con escote palabra de honor tras prescindir de sus mangas. Una propuesta que convive con minivestidos con escote asimétrico y grandes flores en un hombro, minifaldas y vestidos camiseros.

A la caza de Palomo Spain

Palomo Spain fue el encargado de cerrar la 67 edición de la pasarela madrileña con la colección exhibida hace unas semanas en París. La propuesta ‘The Hunting’ se presentó en los salones del Teatro Real con modelos masculinos que juegan a la tan característica ambigüedad de los diseños de Alejandro Palomo. Un espectáculo de moda de estética barroca que propone un recorrido melodramático por la historia de la monarquía: levitas irisadas, túnicas de cota de malla y reminiscencias medievales, chalecos de tweed y tejidos ricos en ornamentos para una propuesta majestuosamente exquisita.

La colección emocional de Escorpion

Escorpion presentó en el 080 Barcelona Fashion una de las pocas propuestas see now, buy now (lo veo y lo compro al momento) de la edición. Así, la colección ‘Feel’ que corresponde a la próxima temporada primavera-verano de Sybille Horaist se inspira en el impulso de sentir, de experimentar y de tocar. Una propuesta experimental que se divide en tres líneas: la primera de estética más dura con tonos verde camuflaje, beige y negro. La segunda juega a los contrastes geométricos con zigzags, franjas y cenefas en varios colores. Por último, en los últimos looks, las flores se adueñan de las prendas con jerséis estampados y faldas fluidas con volantes.

El safari glamuroso de Mietis

Maria Fontanellas sorprende con creces con la colección ‘Safari In Wonderland’, una propuesta invernal que ya avanzó en la entrevista que le hicimos en enero en nuestro espacio (recupérala aquí). Un viaje hacia una selva imaginaria llena de maravillas donde la mujer Mietis, refleja a través de la indumentaria, su lado más excéntrico e independiente. Esta propuesta de estética aventurera y sofisticada a la vez combina piezas exteriores como chaquetas y abrigos largos de inspiración miliar con brillos y metalizados que acentúan el espíritu más glam rock de la colección. También son presentes los volúmenes, las formas redondeadas y la aplicación de plumas que le añaden un punto de teatralidad.

Palomo Spain ha alzado el vuelo y su rumbo va de camino al éxito. En dos años, la firma del diseñador cordobés, Alejandro Gómez Palomo (Posadas, 1992) ha pasado del anonimato a estar en boca de todo el mundo. Y los críticos le auguran un buen futuro en la caprichosa industria de la moda. Méritos no le faltan. La clave de su éxito ha sido la de revolucionar el armario masculino con prendas que hacen gala a la transgresión, la creatividad y el colorido sin límites. La provocación como bandera. Palomo Spain viste al hombre con prendas tradicionalmente femeninas creando un peculiar universo ochentero de estética almodovariana. Sus propuestas son frescas e innovadoras con prendas que cuentan con todo lujo de detalles y siluetas que difuminan las barreras del género.

La firma no sólo diseña para el hombre en su versión más femenina. Palomo Spain va más allá. Artistas como Miley Cyrus y Rossy de Palma han exhibido sus creaciones en la alfombra roja. De hecho, la fama del modisto creció como la espuma cuando Beyoncé eligió una bata de la firma española para la presentación pública de sus gemelos el pasado mes de julio. En noviembre, Rita Ora aparecía en un albornoz de Palomo Spain en los MTV Europe Music Awards.

Tras haber pasado por varias semanas de la moda, como la de Nueva York, la firma de Alejandro Palomo fue la encargada de abrir la Semana de la Moda Masculina de París, una de las citas más importantes del sector, celebrada a mediados de enero en la capital gala.

La colección que presentó para el próximo otoño-invierno 2018/2019, se titula ‘The Hunting’ y se inspira en la estética de la caza donde se combina la esencia inglesa más masculina con el espíritu del sur, mucho más folclórico y recargado, lleno de color y estampados que son rasgos distintivos de la marca cordobesa. En los diseños no faltaron las pieles, el tweed, el tartán, el terciopelo o la lana en cortes clásicos de la montería como faldones abullonados, corsetería, capas y abrigos. Una propuesta de tonalidades verdes, caquis, rojos y anaranjados llena de detalles, como la línea de accesorios del sevillano Tolentino que acompañaba la colección invernal: sombreros tradicionales, forras de fieltro… que dan el toque final a los glamurosos looks de cacería.

En febrero, Alejandro Palomo también tendrá su espacio en la televisión pública al participar en el nuevo talent show de Televisión Española, Maestros de la Costura. Un programa de moda que pone de manifiesto el arte del oficio de diseñador, enfatizando todo lo que está detrás de los focos mediáticos de la moda. Un concurso en el que el joven modisto ejercerá de jurado y mentor junto con el veterano diseñador Lorenzo Caprile y la valenciana María Escoté.

Desde Gratacós apoyamos el talento de Palomo Spain y le deseamos muchos más éxitos.

Madrid y Barcelona encaran sus respectivas semanas de la moda. La pasarela Mercedes-Benz Fashion Week Madrid se ha adelantado a su calendario habitual y se celebrará del 24 al 29 de enero en Ifema, enlazando así con la pasarela 080 Barcelona Fashion que esta edición será del 29 de enero al 2 de febrero en el Recinto Modernista de Sant Pau, su habitual sede. Vamos por partes para desgranar estos dos focos de la moda autóctona.

Mercedes-Benz Fashion Week Madrid

Este cambio de fechas se debe a una estrategia de internacionalización para conseguir captar un mayor número de compradores y de prensa extranjera. La moda española busca revalorizarse para equipararse de nuevo con los focos mundiales de Nueva York, Paris, Londres o Milán.

En esta 67 edición hay también altas y bajas. Destacan la marcha de Francis Montesinos, un diseñador muy unido a la pasarela madrileña, que desfilaba desde finales de los años 80, aportando su particular universo colorido y vinculado con el espectáculo. También Roberto Torretta, después de muchos años exponiendo sus colecciones en la pasarela madrileña. Tampoco estarán otros diseñadores como Menchén Tomàs o el joven Juan Carlos Pajares.

Sin embargo, hay que aplaudir novedades como la incorporación de Pedro del Hierro que vuelve esta vez -después de 16 años de ausencia- con la dirección creativa del joven diseñador Nacho Aguayo. Una empresa que celebra sus 30 años de moda con la puesta en escena de una colección que rinde homenaje a su trayectoria en el sector. También destaca la vuelta de Juanjo Oliva, tras una edición de ausencia, y otros nombres destacados como Moisés Nieto y Leandro Cano. Además, hay otras firmas que debutan en Madrid como La Condesa, la diseñadora Isabel Núñez, Duarte y Oteyza.

Los asistentes a la pasarela también podrán disfrutar de las propuestas de diseñadores como Roberto Verino, The 2nd Skin, Andrés Sardà o Teresa Helbig, entre otros. Firmas que depositan su confianza en nuestros tejidos para crear auténticas obras de arte. Destacar también la participación de jóvenes diseñadores que se abren con fuerza en el sector como el revolucionario Alejandro Gómez Palomo, de Palomo Spain (pronto os hablaremos de su colección presentada en París). Dentro de la plataforma OFF destacamos propuestas interesantes como Beatriz Peñalvez o la talentosa Sybilla.

080 Barcelona Fashion

20 ediciones y más de 10 años de historia. El 080 Barcelona Fashion encara una nueva edición -la 21- con la participación de 32 propuestas de diseñadores y marcas catalanas. Destaca el debut de firmas como Mans Concept Menswear, Ester Ferrando, Jinksieminks, Verbena Atelier y Agnés Sunyer.

La pasarela catalana arrancará con Ze García, la firma del diseñador José Maria García, que promete hacer un espectáculo en la pasarela -y en las redes sociales- al participar como modelos, las influencers e instagramers del momento. Nombres como Aída Doménech conocida como Dulceida, Laura Escanes, Marta Lozano y Jessica Goicochea se subirán a la pasarela para exhibir la nueva colección de diseños para jóvenes millennials que prepara el diseñador.

Desde Gratacós también queremos destacar la participación de firmas como Naulover que cerrará el segundo día de desfiles y otros diseñadores como Brain & Beast con un desfile especial, la joven Pilar del Campo y Maria Fontanellas, creadora de MIETIS, que como nos avanzó en el espacio Gratacós a principios de mes (ver aquí), prepara una colección glamurosa inspirada en una selva imaginaria llena de maravillas. ‘A Safari to Wonderland’, así se llamará la propuesta para el próximo invierno.

Por último, destacar entre las novedades de este año, la creación de la Comunidad 080, una iniciativa, aún por definir, que consistirá en la realización de actividades de pequeño formato vinculadas con la moda que se desarrollarán durante todo el año, más allá de la celebración de las dos pasarelas.

Juan Pedro López vive actualmente un momento de reconversión profesional. Mantiene en stand by su marca homónima, priorizando otros trabajos donde puede desarrollar su creatividad con total libertad. A pesar de la transición, mantiene intacto ese espíritu femenino y romántico que caracterizan sus diseños. El sello personal se desvanece. Descubrimos algunas facetas y proyectos que se cuecen en la mente de este inquieto diseñador barcelonés.

¿Por qué este giro profesional?

Ya hace dos años que no trabajo activamente en mi propia marca y ha sido una decisión meditada dejar de lado esta primera etapa profesional. Creo que me desenamoré y he quemado esta etapa. Ahora quiero que se me valore de otro modo.

¿Es definitivo?

El hecho de dejar mi marca no quiere decir que haya muerto. Simplemente, ahora me dedico a vender mis ideas y mi creatividad a otras marcas que les pueda interesar tener un refuerzo a nivel de diseño desde fuera. Un soplo de aire fresco que las ayude a posicionar o mejorar sus colecciones.

“Ahora me dedico a vender mis ideas”

¿Qué es lo que te ha agotado de esta primera etapa como diseñador?

Supongo que me había cansado un poco de hacer vestidos para mis clientas, tener que modificar mis diseños, deberme en exclusiva a mi público. También me quemé de tener un calendario tan marcado, de estar en los desfiles, de unas determinadas exigencias…

Buscabas más libertad…

No quería que me impusieran más reglas, quería imponer yo mis propias reglas y lanzarme a experimentar otras experiencias. Como te digo cierro transitoriamente una etapa en la que he disfrutado muchísimo para hacer otros proyectos vinculados con la moda. Ahora me dedico a vender mis ideas en otros proyectos.

Supongo que habrá sido una decisión difícil…

Sí, pero hay que adaptarse. Supongo que con el paso del tiempo te vas dando cuenta que no puedes llegar a ser uno de los grandes porque no tienes la misma infraestructura ni los mismos recursos ni la misma disponibilidad. Es por eso que tienes que ser capaz de adaptarte al mercado o transformarte.

“O te adaptas o te transformas”

Renovar o morir. ¿Qué marcas cuentan ahora con tus servicios?

Tengo diferentes clientes dentro del sector. Por ejemplo, algunos me contratan para hacer escaparates, otros para desarrollar una idea de diseño o pulir un método y otros como estilista para que les ayude a preparar la parte más creativa de los desfiles como VM LA SIBÈRIA o WOM & NOW. La música, la puesta en escena… Aquellos detalles que dan coherencia a una pasarela. La verdad es que desarrollo varias facetas dentro del sector moda.

Por ejemplo, en Gratacós fuiste el encargado del escaparate de Navidad…

Sí, quería hacer algo gamberro y romántico a la vez a través del color rosa. Algo poco convencional que no estuviera estrictamente vinculado con la Navidad.

Ahora que nos mencionas, ¿cuál es tu vínculo con nosotros?

Gratacós es una de mis espacios de referencia. Es tejido, es experiencia y es buen trato. Desde siempre.

“Gratacós es tejido, es experiencia y es buen trato”

Juan Pedro López también tiene una faceta docente impartiendo clases en las escuelas de diseño de Barcelona. ¿Tu intención es continuar?

Sí, imparto clases sobre imagen y marca personal. En un futuro me gustaría hacer un curso de Alta Costura. Todo llegará…

¿Y cuál es la lección más valiosa que enseñas a tus alumnos?

Es muy importante que tengan claro lo que son y hacia dónde quieren llegar o dirigirse. Uno de los principales problemas de muchos diseñadores o marcas es que no tienen claro su posicionamiento.

¿Y cuál es el tuyo?

Yo soy romántico, femenino, detallista… pero diferente.

El cuestionario de Gratacós…

Tu prenda imprescindible… Un kimono

Un tejido fetiche… La seda

Un color al que nunca renuncias… El azul marino

El diseñador que admiras… Mmmm

Una regla infalible de estilo… ¡Siéntete guapa!

Tu espacio preferido… El Palais-Royal de Paris

Un consejo para los diseñadores que empiezan… Tener claro lo que son y hacia donde van

Tu ‘leit motiv’… ¡Diviértete!