Empieza la temporada veraniega con una tendencia cada vez menos reservada para las ocasiones especiales: las lentejuelas, que con sus brillos atrapan todas las miradas. Desvinculadas de su zona de confort, estas pequeñas láminas metalizadas cosidas en el tejido se erigen las protagonistas del momento junto con otros materiales que deslumbran por sí solos como las iridiscencias o los acabados satinados que producen un brillo más discreto.

En esta ocasión, las lentejuelas, junto con los colores flúor y las transparencias, salen de los desfiles de las colecciones SS22 de Tom Ford, Michael Kors, Loewe, Valentino o Rodarte para invadir la calle a través de outfits resplandecientes. La clave de las lentejuelas, hasta ahora reservadas en celebraciones concretas como las Nocheviejas, es que existen muchas opciones para lucirlas con acierto en prendas para llevar a todas horas. De día y de noche sin reparar en brillos ni excesos. Desde los looks rock & roll de Saint Laurent, hasta la sofisticación de Chanel y Celine que las combinan con tweed o en detalles clave como muestran Gucci, Balmain o Paco Rabanne, creador de la icónica malla metalizada.

De Tutankamón a Leonardo da Vinci

El origen de las lentejuelas se remonta al Antiguo Egipto, donde se cosían pequeños discos de oro y plata en la ropa de los faraones y sus consortes como signo de riqueza. De hecho, fue durante el descubrimiento de la tumba de Tutankamón en 1922, cuando los arqueólogos encontraron, entre distintos objetos, ropa decorada con brillantes discos de metal. Una época que coincidió a su vez, con la fiebre metalizada de los Locos Años 20, encarnada por el vestuario de las flappers y la egiptomanía que desató este hecho, que inspiró a los diseñadores de la época a diseñar atuendos con discos metalizados para destacar en la pista de baile. 

En inglés, la palabra sequin (lentejuela, se vincula al término en árabe sikka (moneda) y al zecchino, una moneda dorada acuñada en Venecia durante el siglo XIII. Las primeras lentejuelas fueron monedas cosidas a la ropa, por razones que iban desde exhibir la riqueza y el estatus hasta complicarle la vida a los ladrones. Se dice también que Leonardo da Vinci, uno de los grandes inventores de la humanidad, ideó una máquina para producir pequeños discos de metal. Un prototipo que nunca se llegó a fabricar, pero que ya ubica la antigüedad de la lentejuela.

Más tarde, en los siglos XVII y XVIII, empezaron a usarse carteras, estuches y aparecieron los bolsillos. Por lo tanto, en la indumentaria de hombres y mujeres ya no era necesario coser las monedas a la ropa para mantenerlas a buen recaudo, y los pequeños discos de metal se convirtieron en un ornamento puramente estético. 

La lentejuela brilla en el siglo XX

Las lentejuelas como las conocemos surgieron en el siglo XX. Sus destellos empezaron a adornar los ricos vestidos de la Bélle Époque, añadían toques de luz a las creaciones de los años 20 y volvieron a adornar las prendas de los sensuales años cincuenta. Actrices como Marilyn Monroe o Rita Hayworth sucumbieron al centelleo de la lentejuela con innumerables trajes que resplandecieron dentro y fuera del celuloide. Un vestido brillante de la época que conecta con la actualidad es el icónico vestido beige que la diva rubia llevó cuando cantó ‘Cumpleaños feliz’ al presidente John F. Kennedy en 1962. Ese mismo vestido cubierto de cristales fue el que se enfundó Kim Kardashian en la MET Gala 2022.

Los materiales utilizados para crear las lentejuelas también cambiaron con el tiempo. El metal de los primeros prototipos evolucionó hacia la gelatina en la década de los 30. Este último material resultaba menos pesado, pero era frágil y no aguantaba bien los cambios de temperatura. Luego, pasaron a ser de plástico, flexible y resistente al lavado. Gracias a este cambio, las lentejuelas se volvieron más prácticas, menos costosas y más asequibles que sus anteriores versiones.

Un adorno vinculado con la música, el movimiento y el exceso

Con la innovación de los nuevos materiales y el triunfo del prêt-à-porter en los años sesenta, el uso de las lentejuelas se popularizó en ropa más común que se volvía atrevida, viva y colorida. ¿El objetivo? Adornar la silueta, empoderarla y convertirse en el centro de atención de las miradas. Este manifestó cuajo muy bien en los años setenta con la fiebre disco. En los movimientos contraculturales, las lentejuelas y todos los tejidos brillantes se convirtieron en un símbolo de rebelión contra el sistema que consideraban serio y aburrido. Ahí es cuando empezó la época del glam rock. Un movimiento sensual, andrógino, excéntrico y revolucionario que tuvo como símbolo a David Bowie con su icónico alter ego: Ziggy Stardust. El hombre de las estrellas, y otros cantantes de la época se envolvían con trajes de lamé, lentejuelas y mucho glitter. 

Los tejidos brillantes, siendo las lentejuelas los preferidos, volvieron a resplandecer en los años ochenta. Michael Jackson fue el responsable que la brillantina y las prendas faraónicas volvieran a ver la luz con actuaciones memorables donde el Rey del Pop se enfundaba en trajes cubiertos de lentejuelas y pedrería. 

Hoy en día las lentejuelas, así como otros tejidos brillantes, están sometidas a los vaivenes de la moda cíclica. Su material sigue siendo a base de plástico, ahora mayoritariamente reciclado, pero con recubrimientos especiales. Lo que no ha cambiado es su significado. Las lentejuelas despiertan la imaginación, se hacen visibles e iluminan la vida cotidiana de las personas. Son un elemento de escapismo, algo con lo que aferrarse hacia otros mundos de fantasía. Y ya sabemos que la moda es sueño y en Gratacós nos gusta haceros soñar a través de nuestros tejidos de lentejuelas. Aquí te dejamos una selección de los más novedosos para que brilles con luz propia.

El naranja es un color más común de lo que pensamos, aunque su papel en la historia siempre ha quedado relegado en segundo plano. Esta tonalidad híbrida entre el rojo y el amarillo provoca una reacción inmediata cuando se la reconoce. Activa, estimula, sorprende y divierte. No en vano, este llamativo color siempre está vinculado con lo poco convencional. Su singularidad ha desempeñado un rol importante en el arte, la historia y el diseño. Desde la antigüedad el naranja estaba presente en rituales del Antiguo Egipcio, se ha considerado un color sagrado en varias culturas asiáticas y ha llegado a enamorar artistas como Vincent van Gogh y Toulouse-Lautrec que usaron el naranja en sus pinturas. Os contamos algunas anécdotas de este color exótico, a menudo subestimado. 

El naranja en la antigüedad

Los antiguos egipcios fueron los primeros en utilizar una tonalidad entre amarillo y naranja que extraían del mineral rejalgar para decorar sus tumbas. El pigmento que se extraía era tóxico -contiene arsénico- y era utilizado por los chinos para ahuyentar las serpientes, además de ser empleado en la medicina tradicional del páis. Otro mineral relacionado, el oropimente también era usado como pigmento y se la consideraba un producto comercial de gran valor en la antigua Roma. En la Edad Media el pigmento anaranjado fue utilizado durante la Edad Media en los manuscritos.

En Asia, el naranja fue considerado un símbolo con diferentes interpretaciones según la cultura de cada país. Esta tonalidad está presente en muchas de las religiones asiáticas. En el budismo, el naranja es un color sagrado: se le considera el tono de la iluminación y la búsqueda del conocimiento y por eso, la indumentaria de los monjes budistas es tradicionalmente de este color. Para el confucianismo, el naranja simboliza el color de la transformación. En el hinduismo, el vestido que lleva Krishna -una de las deidades personificadas más veneradas- es siempre de esta brillante tonalidad. El nombre del color en India y China deriva del azafrán que a su vez era el tinte más caro de los dos países. Estas potencias asiáticas consideraban que el naranja representaba el balance equilibrado entre la perfección del amarillo y el poder del rojo.

Un color sin nombre

En Asia el naranja era una tonalidad venerada. En cambio, en Europa el color no tuvo nombre hasta el siglo XVI cuando los comerciantes portugueses trajeron de India y China, las frutas más exóticas del momento: naranjas y mandarinas, teñidas de un color que los europeos llamaban hasta entonces amarillo rojizo. Este llamativo color importado del Lejano Oriente a través de los naranjos se le asignó el nombre de la propia fruta. Naranja en español, orange en inglés, arancia en italiano y laranja en portugués. 

Otra curiosidad: hoy en día el naranja es un color que conecta a nivel psicológico con el mundo de los sabores y resulta agradable a la vista cuando se le vincula con la comida. Melocotones, albaricoques, mangos, zanahorias, langostinos, gambas, salmón, calabazas, curry… El naranja puede ser un color apetitoso, ¿verdad?

El naranja en el arte

En el arte occidental europeo, el uso del naranja se volvió común a partir del siglo XIX, cuando se produjo el primer pigmento naranja sintético llamado cromo anaranjado. Esta tonalidad fue la favorita de los pintores prerrafaelitas e impresionistas, quienes hicieron uso del color para capturar los efectos de la luz natural. Artistas como Monet, Gauguin, Renoir y Toulouse-Lautrec usaron ampliamente el color para provocar sentimientos de calidez, evasión y diversión. Si hay un artista que se le vinculó directamente con el color naranja fue Vincent van Gogh, que a través de la pintura mezclaba sus propias tonalidades de naranja y las usaba en contraste con los azules y los púrpuras característicos de su trabajo.

Un color de temporada en 2022

Aunque Pantone coronó en 2022 el lila Very Peri como el color del año, lo cierto es que la industria de la moda parece haber puesto el ojo a un tono más intenso y vitalista para levantar el ánimo. En pasarelas a través de las colecciones de verano y pre-fall, en el street style de las fashion weeks, en escaparates de las grandes firmas… el naranja se ha alzado como uno de los tonos estrella de la temporada en todas sus gamas posibles. 

El naranja ha estado presente en la actual colección SS22 de Christian Siriano, Collina Strada o Proenza Schouler, transmitiendo optimismo y alegría a la ropa presentada, pero es en las colecciones de transición cuando cobra más fuerza. Por ejemplo, Erdem es una de las firmas que, ha apostado por este color, pero en sus versiones más soft como el naranja caldera para vestidos satinados con motivos en negro y looks que juegan con las texturas y utilizan el mismo tono. Por su parte, Chloé se ha decantado por las tonalidades pastel dándole un aspecto menos agresivo. Oscar de la Renta le ha dado al naranja matices rojizos, siempre acompañado a otros colores o en formato bolso. En cambio, Gucci ha apostado esta temporada por un naranja vitaminado que tiñe una falda a varias capas en el mismo tono. 

El namarillo vuelve a pisar con fuerza en las pasarelas. Una tonalidad híbrida a medio camino entre el naranja y el amarillo que se popularizó en 2016 entre las colecciones de primavera y causó furor por su vistosidad y luminosidad, siendo el tono del verano de entonces. Ahora, Prabal Gurung ha recuperado este tono vitamínico y lo ha incorporado en gran parte de los looks de su última colección. En un tono algo más apagado, Staud lo ha convertido en conjuntos de punto con microshorts y Chanel en monos que son el sello de su directora creativa, Virginie Viard.

¿Cómo combinarlo?

En ocasiones lo que se ve en la pasarela no necesariamente acaba llevándose en la calle. Y el naranja seduce a primera vista, pero no es un color fácil de llevar ni tampoco discreto. Aún así, el street style de los prescriptores de moda o los looks expuestos por las celebridades en las red carpets son la mejor referencia para demostrar las posibilidades cromáticas que tiene el naranja en el armario. 

La forma más sencilla de iniciarse en el color naranja es hacerlo en pequeñas dosis a través de una sola prenda o relegándolo simplemente en los accesorios. Los tonos que siempre van bien con el naranja son los neutros: blanco, negro y tonalidades beiges o maquillaje que creen un efecto base. Por el contrario, si tu nivel de atrevimiento es elevado el naranja sienta de maravilla en clave total look a través de vestidos, trajes chaqueta o combinaciones de top con faldas. En cuanto a combinaciones arriesgadas que potencian este color vitamínico hay algunas muy repetidas en pasarela que fluyen por su contraste: naranja con fucsia para un máximo atrevimiento; naranja con verde intenso para jugar con los complementarios; naranja con azul celeste o rosa palo para rebajar la intensidad; naranja con morado para aclamar protagonismo; naranja con gris para los días lluviosos, o evidentemente, naranja con naranja para un juego visual armónico. ¡Este color acepta más tonos de los que habrías imaginado!

Por último, te mostramos algunos de nuestros tejidos más vitamínicos de la nueva temporada. ¿Qué te imaginas diseñar con ellos?

Este mes de mayo, la moda vuelve a la gran pantalla con la celebración de la sexta edición del Moritz Feed Dog, el festival de Cine Documental sobre Moda, Cultura y Ciudad de Barcelona. Una iniciativa ecléctica que nos acerca a la riqueza y complejidad de la moda, entendida como un fenómeno cultural que refleja la sociedad en constante transformación. Esta visión y eje vertebrador articula todas las proyecciones y las actividades paralelas del festival que tendrán lugar del 12 al 15 de mayo en los cines Aribau Multicines de Barcelona.

Un homenaje a la minifalda

En esta ocasión abre la nueva edición del Moritz Feed Dog el documental de Quant, inspirado en la diseñadora que para muchos es la creadora de la minifalda. Una proyección dirigida por Sadie Frost. La actriz y directora estará en Barcelona para acudir al estreno en España de su documental.  El documental escenifica los inicios de Mary Quant cuando abrió su primera tienda en King’s Road en Londres, diez años antes de que los Beatles conquistaran el planeta. La diseñadora se olió la revolución juvenil que estaba a punto de llevarse por delante el mundo de ayer y supo canalizar la rebeldía, el ansia de libertad y el terremoto generacional que supuso la década de los 60 a través de su ropa desenfadada, sexy y colorista. 

La ropa de Quant y en especial, la minifalda estaba diseñada para las jovencitas de la época con una doble misión: la emancipación y el rock’n’ roll. ¿Quién quiere vestirse hoy como una duquesa?, se pregunta la genial diseñadora en este documental de Sadie Frost que no consigue aclarar la pregunta del millón: ¿quién inventó la minifalda, ella o Courrèges? Lo que sí retrata con precisión es a una mujer moderna, adelantada a su tiempo, empresaria en un mundo de hombres y estilista de cabecera de la década que aglutinó el feminismo, la píldora y el movimiento Swinging London. ¡Viva Mary Quant!

El zapatero de los sueños

Otro de los platos fuertes del festival es el estreno en España del documental sobre Salvatore Ferragamo. Salvatore: Shoemaker of Dreams, dirigido por Luca Guadagnino, director de películas como la ganadora del Oscar ‘Call Me By Your Name’. El célebre zapatero nació en un pueblecito de la Campania llamado Bonito y llegó a conquistar los pies de las estrellas más fulgurantes del Hollywood dorado. ¿Qué llevó a Eva Perón o a Marilyn Monroe a caer rendidas ante Salvatore Ferragamo? Una elegancia atemporal y también un enfoque científico, del que salieron grandes innovaciones para la industria del calzado, como el tacón de cuña o de jaula. 

El documental se adentra en los entresijos de la firma florentina de la mano de su viuda, Wanda Ferragamo, madre de seis hijos, que fue la encargada de tomar las riendas de la marca tras el fallecimiento de Salvatore en 1960, mantener vivo su legado y lanzarla, con éxito más que demostrado, al prêt-à-porter. La historia también de esta visionaria en la sombra.

Erotismo y provocación

Entre la programación del Moritz Feed Dog destaca la obra sobre Helmut Newton. The bad & the beautiful recoge el legado erótico y la mirada subversiva de este gran provocador de la fotografía de moda. Newton dedicó toda su vida a retratar a mujeres fuertes, poderosas y esculturales, como estatuas en un pedestal. El documental de Gero von Boehm acierta al incluir tanto a sus fervientes admiradoras (Grace Jones, Charlotte Rampling, Marianne Faithfull o Anna Wintour) como a sus críticas más feroces (Susan Sontag e Isabella Rossellini), que le tachan de misógino y machista. La cámara muestra al Newton afable y bromista de las sesiones de foto, pero también al enamorado de su mujer, la también fotógrafa June Newton, y nos descubre una infancia difícil y una juventud en el exilio huyendo de la Alemania nazi.

Grandes visionarios de la moda contemporánea

El festival también pone de manifiesto el saber hacer y el legado de los grandes maestros de la moda. En este sentido, destacamos tres documentales que giran alrededor de las figuras de Pierre Cardin, Karl Lagerfeld y Martin Margiela. 

En primer lugar, House of Cardin muestra los designios del hombre que revolucionó y democratizó la moda en los 60 con sus diseños ultramodernos, el logo de las mil y una licencias, el diseñador que desfiló en la Gran Muralla China, la marca que lo mismo vende perfumes que bufandas o agua mineral embotellada… Pero, ¿quién es realmente Cardin, el hombre que convierte en oro todo lo que toca? Este documental dirigido por P. David Ebersole y Todd Hughes desvela parte del enigma.

Imperdible bajo nuestro punto de vista también es el documental Karl Lagerfeld Se Dessine. Dirigido por el respetado periodista Loïc Prigent, la pieza muestra a primera vista, los dotes artísticos del káiser a través de sus inolvidables dibujos para bucear poco a poco en su vida privada. Karl Lagerfeld fue un superdotado con una memoria visual deslumbrante y a través del dibujo habla de su infancia, de la frialdad de sus padres e incluso del gran amor de su vida, Jacques de Bascher. Una delicia imprescindible para los fans de Lagerfeld.

Por último, destacamos también Martin Margiela: in his own words. Tras abandonar el mundo de la moda, el nombre de Martin Margiela sigue despertando hoy una mezcla de misterio, admiración e intriga que ningún otro diseñador ha logrado reunir. El creador belga que provocó una ruptura en la historia de la moda con su ropa reciclada, sus colecciones irónicas y deconstruidas, su street casting y sus shows en solares semiabandonados sin sitting, sigue negándose hoy a mostrar su rostro ante las cámaras. Nunca el anonimato había sido percibido como algo tan poderoso en una industria adicta a la visibilidad en la que, de la noche a la mañana, se instauró el culto a la invisibilidad. Pero algo del enigma Margiela se resuelve en este apasionante documental donde él mismo cuenta en primera persona su historia: su infancia, sus inicios en el mundo de la moda, su relación con el éxito, la conquista de París, el fichaje de Hermès, la compra de la marca por parte de Renzo Rosso… un viaje mágico que explica por qué Margiela fue más un movimiento social en los 90 que una simple marca y por qué miles de mujeres abrazaron entusiasmadas a un creador que no las veía como objetos, sino como personas reales, más intrigantes que sexys y más inteligentes que chic.

Esta es una pequeña selección de algunos de los 17 documentales programados en la nueva edición del festival Moritz Feed Dog. La programación al completo la puedes encontrar aquí. 

La Barcelona Bridal Week 2022 ha cerrado el calendario de desfiles en la capital catalana. La feria internacional de moda nupcial, que se celebró del 20 al 24 de abril en la Fira de Barcelona, ha decidido apostar por una vuelta a la normalidad con los desfiles presenciales de 34 diseñadores dirigidos a profesionales y futuras novias, y también ha contado con un amplio espacio expositivo en el que han participado 320 marcas vinculadas con el sector nupcial y festivo.

Gratacós no ha querido perderse la oportunidad de volver a contemplar los desfiles en directo de los diseñadores nupciales que cuentan con nuestros tejidos en la elaboración de las nuevas colecciones de temporada. Es por eso que hemos estado atentos a cada look presentado porque nos asombra comprobar una vez más, como nuestros tejidos se convierten en sofisticados diseños de novia. Aquí te mostramos algunos de los looks nupciales más especiales de la temporada 2023. 

Higar Novias

La empresa familiar sevillana Higar Novias, nacida en 1980 presentó la colección ‘Origen’, basada en el diálogo entre la costura y la arquitectura. La nueva propuesta se desarrolla partiendo de los patrones más emblemáticos, fusionándolos con líneas puras y actuales de la arquitectura contemporánea. Si hacemos foco en el detalle, a lo largo de la colección se aprecia la gran variedad de diseños sofisticados, femeninos y contemporáneos. Predominan los tejidos enriquecidos y jacquares monocolores, que conviven en armonía con siluetas y cuerpos semitransparentes, adornados con plumas, sobre tejidos ricos en pedrería, que combinan con amplias faldas de tul y con pequeños detalles brillantes. 

En cambio, la colección de fiesta combina la versatilidad de la moda urbana y la elegancia que tanto caracteriza a los diseños de Higar Novias. Maxi estampados y bordados se combinan con una paleta de colores vivos en vestidos ceñidos en la cintura que cobran volumen en las faldas. También destaca la pedrería en cuerpos escotados y siluetas sirena muy femeninas, que invitan a amar la moda para las ocasiones especiales.

Isabel Sanchis

La nueva colección de Isabel Sanchis está inspirada en la diversidad cultural que caracteriza a sus clientes de todo el mundo, así como en su forma de entender la moda. Como resultado, la diseñadora valenciana ha creado piezas que parten de un prêt-à-porter trabajado, desde estampados geométricos cercanos al op art hasta piezas de costura con volúmenes y trabajos artesanales minuciosamente confeccionados, que son parte de la esencia de la firma. Isabel Sanchis ha querido mostrar lo mejor de la marca destacando el trabajo artesanal y la precisión del detalle. En cuanto a la paleta de colores de la nueva colección, además del negro, siempre presente en las colecciones de Isabel Sanchis, se ha introducido una gama de marrones, naranjas, pistachos y rosas que aportan optimismo y pasión por vivir. 

Lorena Panea

Lorena Panea es un atelier y marca femenina que homenajea a los diseños de la Antigüedad, creando moda nupcial exclusiva y atemporal para la mujer contemporánea. La joven diseñadora presentó en esta ocasión la colección ‘Anatolia’. Un set de seis vestidos de novia de estilo boho, inspirado en las diosas antiguas de Mesopotamia, Egipto y Asia Menor. Los diseños recogen influencias étnicas y nómadas de esas caravanas que viajaban a través de los continentes esparciendo las creencias ancestrales y fundiendo los cultos de las antiguas deidades. Cada diseño se compone de tejidos trabajados como encajes, tules bordados y ornamentos llamativos. 

Nicolás Montenegro

Nicolás Montenegro recoge el testimonio de la primera entrevista que le hizo Rossy de Palma, musa y amiga de la casa para rendirle homenaje. Así, ‘Savoir Fair’ es una colección preciosista y minuciosa que se crea a partir de la demanda de las clientas que exigen una costura elaborada, diferente y realizada con un selectivo patronaje sartorial. La propuesta se articula a través de tejidos ricos, como tules de seda, brocados italianos y pedrería con bordados realizados artesanalmente sobre bastidor, siguiendo las técnicas artesanales andaluzas. La novia de Nicolás Montenegro es sin duda una diva que se siente única y segura de sí misma. 

Olga Macià

Olga Macià es una de las diseñadoras revelación de la moda nupcial y de fiesta. La creadora que se formó en la Escuela Superior de Diseño y Moda Felicidad Duce (FELI) escondió bajo la manga, la carta ganadora en una feria nupcial: el ‘As de corazones’. Así es como se llama la nueva propuesta nupcial y colección festiva 2023 que gira alrededor del simbolismo del amor. En la propuesta no faltaron arriesgadas transparencias, escotes vertiginosos, diseños cortos con largos y trajes de dos piezas que se fusionan con vestidos de fiesta en colores enérgicos y tonos brillantes. Los tejidos son texturas de fantasía, flores, transparencias, lentejuelas de colores y redes de impacto. 

YolanCris

Yolancris, la marca española de diseño y confección artesanal de vestidos de fiesta y novia de las hermanas Yolanda y Cristina Pérez, volvió a sorprender en la Bridal Week con sus diseños revolucionarios que nacen desde la excelencia de la alta costura artesanal, dando cabida a todos los tipos y estilos de mujeres. En la diversidad y en el romper con los clichés de novia convencional, la firma encuentra como rendir homenaje a cada mujer exaltando su propia personalidad. En la línea ‘Touch’, Yolancris se ensalzaba la resiliencia, nacida durante la pandemia, mediante propuestas anti bride que representaban una nueva generación de novias con unos gustos y necesidades muy particulares. Por el contrario, ‘Origins’ retomó la esencia de Yolancris, recuperando el estilo boho para novias. Ahora, la colección ‘She’ continúa con los valores de Touch y Origins, pero con una apuesta firme que pone de manifiesto la individualidad y autenticidad de cada novia. Una sinfonía de tres estilos: bohemio, anti brida y alta costura en diseños más ricos y complejos que se adaptan, mejor que nunca, a la esencia de cada mujer.

Las nuevas generaciones del diseño nupcial

¿Y quiénes son los diseñadores de novia nupcial del futuro? IED Barcelona es una de las mejores canteras de diseño, una lanzadera de jóvenes talentos que se gradúan anualmente y esperan su primera oportunidad para entrar en el mundo de la moda. Este año, la escuela renovó sinergias con la Barcelona Bridal Fashion Week y estuvo presente en la feria mundial con un taller de flor textil que pone en valor el diseño sostenible a través del uso de tejidos de alta costura recuperados. Una materia prima que cedió Gratacós para que los alumnos pudieran recrear sus diseños. Este evento también sirvió para celebrar una nueva edición de los premios Scolarship for Talent by Gratacós. En esta ocasión, el primer premio recaía en Myriam Medina, alumna del Postgrado en Diseño de Vestidos de Novia y Ceremonia, por el modelo ‘Allegra’ de la colección La Toscana, Siena. Una propuesta inspirada en esta región del centro de Italia que protagonizará el próximo escaparate de mayo. No os perdáis la oportunidad de ver el vestido en directo en nuestro espacio de Barcelona.

Abril es el mes de la moda en Barcelona. A las puertas de una nueva edición de la Barcelona Bridal Fashion Week, hace una semana arrancaba la última edición del 080 Barcelona Fashion, con 22 desfiles virtuales de marcas y diseñadores que presentaron la nueva temporada en el Macba, dentro del edificio de carácter racionalista del arquitecto Richard Meier. Una nueva puesta en escena del imaginario y la creatividad que las marcas exhiben a través de fashion films de las colecciones de temporada que se pueden seguir visualizando en la página web de la pasarela catalana. Gratacós también ha seguido la actualidad de las nuevas emisiones de moda para comprobar, una vez más, como nuestros tejidos han cobrado forma gracias a los diseñadores que habitualmente confían en nosotros: Avellaneda, Eiko Ai, Menchen Tomás, Yolancris y Victor von Schwarz. Repasamos las nuevas propuestas y algunos de los looks clave. 

Noches de verano

Fiel a su filosofía hedonista, el dandy Juan Avellaneda nos traslada a latitudes tropicales en su nueva colección de verano para seguir explorando la elegancia más relajada, inspirada en paraísos cálidos del norte de África. La propuesta se vertebra a través de tejidos naturales, tonos luminosos o encendidos como el rosa, el naranja y el coral, y patrones que, en líneas generales, pierden rigidez. También existen varios modelos de chaqueta, la prenda fetiche de la marca del diseñador barcelonés, que oscilan sin esfuerzo entre los guardarropas del hombre y la mujer. Los estampados se alejan de tópicos y abrazan una versión mediterránea del ikat que da carácter a faldas etéreas y esmóquines alérgicos al aburrimiento. Las prendas evocan la elegancia práctica de la sahariana y la sastrería clásica de aquellos veraneos de midcentury que inmortalizó Slim Aarons. Las blusas acarician el cuerpo y se entrelazan. Los pantalones bailan y los vestidos se pegan a la piel o despliegan fabulosos volúmenes y volantes, otro detalle 100% Avellaneda. En Au réveil il était midi, toda la ropa combina con todo, se armoniza y fluye para un verano perfecto.

La cálida luz del sol

Eiko Ai deslumbra con Lucid Dreams, una colección radiante inspirada en la vitalidad de la energía solar. Independientemente de la inspiración, la fórmula de Glò Lladó se mantiene firme en cada propuesta y consiste en potenciar la belleza de la mujer jugando con la delicadeza y la sensualidad. ¿Y cómo lo consigue? A través de siluetas vaporosas, tejidos etéreos que dejan entrever la piel y estampados evocadores que mezclan sofisticación sin abandonar el espíritu casual y cosmopolita de la firma barcelonesa. La nueva propuesta de verano de Eiko Ai potencia los vestidos tipo kimono, las blusas fluidas y las combinaciones de dos piezas donde no faltan las transparencias, los brillos sutiles y los estampados degradados con otros florales que rinden homenaje a esa visión mística de la mujer, como una ninfa urbana. La paleta de la colección emula positivismo, vida estival y luz dorada a través naranjas intensos que juegan con la gama de amarillos, blancos rosados y pinceladas de azul intenso del cielo. 

La clase es la clase

Por su parte, Menchen Tomás nos recuerda la importancia de la herencia en Old Money, una colección que se inspira en la manera de vestir y de vivir de las familias estadounidenses que han conseguido traspasar la fortuna, la clase y el estatus de generación en generación. Una estética caracterizada por la sofisticación, la fusión entre lo clásico y lo contemporáneo y la elegancia atemporal, alejada de la cultura del logo y la ostentación. De esa interpretación, la firma barcelonesa aúna prendas de vestir como vestidos y faldas midi, pantalones anchos con pinzas, camisas de popelín infinitas con otras prendas más deportivas que podrían utilizarse para un día en un club de campo o una cena en un jardín, una noche de verano. Como detalle en tejidos no faltan las sedas, las organzas y las flores de tul en una paleta cromática vibrante: azul, verde lima, amarillo, rosa fucsia y rojo carmín.

Moda sin género

Victor von Schwarz forma parte de la nueva generación de jóvenes talentos que aportan creatividad y frescura en la pasarela 080. Esta vez, el diseñador barcelonés presentó una colección inspirada en las películas de la mafia asiática de los años 80 y 90, que tenían como centro de operaciones en los barrios rojos de ciudades como Taipei o Hong Kong. Victor von Schwarz apuesta por la moda sin género. Por eso, el diseñador, inspirado en la ropa oriental, crea piezas abiertas, que pueden encajar en cualquier persona, independientemente de su sexo o género. Las siluetas de la nueva propuesta de verano se dividen en dos bloques. El primero es muy brillante, con volúmenes, juegos de drapeados y transparencias que dejan entrever la piel. El segundo, parte de una silueta mucho más cuadrada y con variaciones de la chaqueta sastre clásica. En esta colección los tejidos se caracterizan por tener gran cantidad de fantasía. Las lentejuelas ganan presencia, desde estampado vichy hasta degrade brillantes. También destacamos laminados brillantes en base de viscosa y tules con estampados plateados. En cuanto a colores, los tonos pasteles y los colores espolvoreados se adueñan de la propuesta genderless. 

Terciopelo negro

Yolancris esta vez participó en el 080 Barcelona Fashion con su colección de fiesta, dejando en barbecho el proyecto Y Como, su lado más experimental. La nueva propuesta ensalza el trabajo de artesanía que se respira en el propio taller donde prima el terciopelo, la piel y el color negro. Si ponemos foco en el detalle, al terciopelo se le han mezclado hilos dorados y se han incrustado encaje francés y macramés en una atrayente combinación. Priman también los binomios de color: dorado-negro y blanco-negro, y se separan con explosiones de vestidos monocolor: rojo y rosa empolvado. En cuanto a siluetas, la colección recoge algunas ideas de patrón clásicas combinadas con algunas licencias más atrevidas que se aprecian, por ejemplo, en las aberturas de los vestidos. En líneas generales, la propuesta de Yolancris pretende ser atemporal para convertirse en un fondo de armario para las ocasiones especiales.  

Una edición más, los tejidos Gratacós han hecho su aparición en la Mercedes-Benz Fashion Week Madrid que se ha celebrado en la capital española a principios de marzo. Firmas como Brain & Beast, Dominnico, Fely Campo, Malne, Redondo Brand y Teresa Helbig han confiado en nuestros artículos para crear nuevos diseños para las colecciones Otoño-Invierno 22/23. Como siempre, te recopilamos algunos de los looks más destacados con tejidos Gratacós, así como el espíritu que ha querido transmitir cada diseñador. No está de más recordar que es un honor tener la confianza de estos creadores españoles que, año tras año, apuestan por nuestra empresa familiar. 

Brain & Beast

Brain&Beast volvió a la pasarela madrileña -después de una edición ausente- para reivindicar la herencia de la firma barcelonesa con su habitual estilo caracterizado por el humor, las adivinanzas y los dobles sentidos a través del color, el estampado, los patrones desestructurados y las referencias a los ídolos de la cultura contemporánea. Esta vez en Puzzle, Ángel Vilda presentó una colección seasonless -ajena a las estaciones y las temporadas- que exhibía el ADN juguetón de la firma más transgresora de la Mercedes-Benz Fashion Week Madrid. Prendas con frases deconstruidas, estampados collage, como uno que mezcla los rostros de Alain Delon y Catherine Deneuve, denim por doquier y mezclas imposibles de estampados que parecen convivir sin molestar. En definitiva, outfits atrevidos y desenfadados que van más allá de la tendencia porque lo que buscan es reivindicar la autenticidad, un rasgo no siempre apreciado en la industria de la moda. 

Dominnico

Domingo Lázaro, ganador del premio Who’s On Next 2021, nos trasladó con la propuesta Lovercross a un futuro distópico para bucear en los orígenes del cyberpunk y e grunge a través de siluetas de líneas aerodinámicas con el retro futurismo de la década de los 90 como hilo conductor. En la nueva propuesta de Dominnico no faltan los volúmenes ni las texturas entremezcladas: tweed, lamé, malla con pedrería, laminados, tafetanes, renylon o espumas con textura 3D, presentes en gabardinas largas, los vestidos de noche con escote asimétrico o las piezas de pelo imposibles. La inspiración dark también aparece representada con aplicaciones de pinchos, cuero negro y detalles metálicos. En cuanto a la paleta cromática utilizada, la firma barcelonesa creada en 2016, apuesta por los colores primarios y ácidos, como el naranja neón, fucsia, verde lima y manzana y azul Klein para contrastrar con el blanco y negro y el color plata. En general, esta nueva propuesta de Dominnico recuerda mucho al universo de las motos que también explora desde su particular visión, la cantante Rosalía. Veremos si juntos, establecen un nuevo diálogo entre la música y la moda. 

Fely Campo

Si hay una diseñadora que ha visibilizado nuestros tejidos en la pasarela madrileña es Fely Campo. La creadora salamantina presentó una colección de prêt-à-porter de lujo inspirada en la belleza natural de los balcones de las Arribes y en su paisaje. Esta admiración se traslada en la propuesta bautizada como Diafonía a través del contraste de texturas: la belleza sutil de la naturaleza la dan los finos rasos, las transparencias, los tejidos vaporosos y los delicados reflejos que se abren paso sobre la fuerza de un paisaje más abrupto, compuesto por prendas de abrigo de tacto firme y tenaz como la lana. Las líneas de la colección más sobrias se componen de volúmenes sastre y prendas oversize que se presentan como una coraza. En definitiva, Diafonía construye un armario femenino que refleja la dureza y la delicadeza de un paisaje inspirador, a través de la contraposición de estéticas. 

Malne

“La moda es el fulgor de un momento, y es también la inmortalidad de la belleza. La moda es tan efímera como inolvidable”. Bajo esta premisa se enmarcó la nueva propuesta Splendor de los diseñadores Paloma Álvarez y Juanjo Mánez, el tándem creativo de Malne. En la pasarela, esta colección invernal se entiende a través de la fusión de tejidos en una misma prenda o en la composición de cada look, los volúmenes en prendas clave con detalles que van desde las perlas a las plumas, y el binomio negro y blanco para representar el misterio y el brillo de la moda. Una propuesta elegante y atemporal para el armario femenino de las ocasiones especiales.

Redondo Brand

Jorge Redondo, director creativo de Redondo Brand, dio un giro contemporáneo a los estilismos de fiesta al reinterpretar los clásicos de la elegancia. De hecho, el diseñador recuerda de su infancia de como admiraba los espectaculares vestidos que se exhibían en las alfombras rojas y de cómo uno de sus sueños sería el de vestir a las estrellas del celuloide. Ese glamour forma parte de una firma que se define como “una marca de invitada muy democrática” porque adapta las grandes tendencias de las pasarelas a una mujer real. En la nueva propuesta, el eclecticismo de la americana se convierte en el eje central de la colección invernal, una inspiración que se fusiona con la esencia de Redondo Brand para crear volúmenes naturales, siluetas asimétricas y mezclas de color. Las fibras naturales como la seda, el algodón o la lana aparecen en diferentes acabados y, junto a trabajos bordados, cristales y brillos, conviven entre los tonos más ácidos y los más armonizantes. Esta propuesta sofisticada le ha valido al diseñador Jorge Redondo, el premio L’Oréal a la mejor colección de la MBFWM en su 75ª edición.

Hace tiempo que seguimos la trayectoria y admiramos las creaciones de Quique Vidal (Valencia, 1996), alma máter de Becomely, una marca de moda con personalidad propia. Si nos sigues en Instagram, habrás visto en nuestro feed, esos vestidos de silueta baby doll en tonos pastel y grandes volúmenes que solemos compartir del joven creador de 26 años. A pesar del espíritu naíf, el proyecto de Quique Vidal nada que ver ni con la ligereza ni la inmadurez. Todo lo contrario…

Los comienzos no son fáciles

Becomely se fundó de forma oficial en 2015. Antes, el joven diseñador había hecho algunos encargos para varias profesoras que le solicitaron vestidos para su graduación. Ese inicio espontáneo vistiendo a mujeres anónimas lo animó a mudarse a Madrid para buscarse la vida como diseñador. Participó en dos ocasiones en Samsung EGO, la pasarela de los talentos emergentes de MBFW Madrid. En paralelo, Quique Vidal vendía camisetas, calcetines y también su famosa bisutería de plástico biodegradable hecha con impresión 3D para asumir parte de los costes que le representaba producir y diseñar las colecciones presentadas. De hecho, actualmente el diseñador compagina su trabajo artístico en Becomely con su otro proyecto, Estudio Cartulina, empresa especializada en comunicación, brand consulting y producción. El artista pluriempleado es una realidad de muchos jóvenes del mundo de la moda.

Artesanía y producción bajo demanda

Becomely es una marca artesanal y sostenible que crea elaboradas piezas de edición limitada que se producen bajo demanda. La pandemia trastocó el modelo de negocio de Quique para evolucionar hacia nuevos canales más directos para los consumidores. Si antes vendían a través de la página web y en algunas tiendas seleccionadas que incluían países como Asia, ahora la firma española centra las ventas en las redes sociales, sobre todo, en Instagram. Este cambio permite un mayor contacto con la clientela: se le puede ofrecer un servicio más personalizado y también ajustar el presupuesto.

El diseño no ha cambiado. Becomely mantiene como emblema los vestidos baby doll con escote en V, mangas abullonadas y volúmenes también en la falda. Un modelo que se repite desde las primeras colecciones y en el que Quique Vidal va añadiendo variaciones: grandes botones, solapas camiseras, diferentes largos… El tejido que utiliza para la creación de sus diseños también es un elemento diferenciador. Apuesta por artículos vistosos: enigmáticos Jacquards, relieves táctiles, detalles como plumas, motivos brillantes, tejidos con volumen extra… siempre en tonos pastel como el rosa pálido, el azul bebé, el lavanda o el blanco roto. De hecho, no es ningún misterio que Quique Vidal consigue magnificar algunos de nuestros tejidos más especiales de cada temporada. Becomely también aprovecha los pequeños retales sobrantes de sus camisas y vestidos para crear nuevas piezas como bolsos, limosneras o sombreros. Una fórmula para llevar la sostenibilidad hasta sus últimas consecuencias.

Los diseños de Becomely ya han saltado al escenario a través de artistas como Amaia. La cantante apareció en su último videoclip, Yamaguchi, con un vestido blanco que sigue la estética reconocible de la marca y está fabricado como apuntábamos, con tejido deadstock: sobrantes de proveedores o talleres. También la actriz Emma Suárez se fijó en las creaciones de Quique Vidal y encargó un vestido para un estreno que tenía a principios de año.

La novia Becomely

Recientemente, Quique Vidal se ha atrevido con el diseño de un vestido de novia que mantiene los códigos estéticos de la marca. Se trata de un favorecedor modelo que conjuga una silueta minimalista con elementos románticos y detalles preciosistas. El vestido es largo con escote en V y tirantes presididos por enormes lazos. Una falda voluminosa en tejido Jacquard con relieve acaba de estructurar el diseño nupcial ideal para novias millennial o zetas. De hecho, es un modelo tan versátil que se puede lucir para una boda, una ocasión especial o para añadir fantasía a un look diario, siempre en función del calzado que se combine. Lo que está claro es que cada vez existen menos límites y barreras entre los estilismos formales o informales. ¡Qué cada uno lo interprete a su manera!

Volver, comenzar y estrenar. Estos son los verbos que nos apetecía poner en marcha después de liquidar la última temporada de invierno y presentar en Première Vision Paris, la nueva colección para la primavera que viene. En este limbo de la propuesta del pasado y la futura nos queda hablar del presente, en este caso de la colección primavera-verano 2022 que tenemos ganas de mostrar en todo su esplendor a través del catálogo, la tienda online y nuestro espacio físico en Barcelona. 

A grandes rasgos…

Estrenamos temporada inspirándonos con una cita del historiador y filósofo israelí Yuyal Noah Harari: “Esta tormenta pasará, pero las decisiones que tomemos ahora podrían cambiar nuestras vidas en los próximos años”. Esta frase marca el rumbo de la colección porque, sin dejar de lado las contribuciones del pasado, nuestros ojos están fijados en el futuro y en el camino que tenemos que seguir para explorar nuevos territorios sin perder la identidad. 

“Esta tormenta pasará, pero las decisiones que tomemos ahora podrían cambiar nuestras vidas en los próximos años” – Yuyal Noah Harari

En el contexto de incertidumbre que mantenemos desde el inicio de la pandemia, hemos visto que las personas se aferran a valores sólidos como la seguridad y la confianza. Por este motivo, las propuestas textiles que presentamos esta temporada se centrarán en artículos que tranquilicen, calmen, no decepcionen y, sobre todo, sean duraderos. No nos interesa lo frugal ni lo inestable. En esta temporada, el color es el catalizador que hará que los consumidores vuelvan al mundo del diseño y confíen en él. Por eso, el color es fundamental para dar forma a los tejidos y desempeña un papel clave en la definición de las nuevas propuestas. Desde los tonos neutros, hasta sus reversos más brillantes pasando por azules y verdes hasta los rosas y naranjas luminosos. 

En líneas generales, os presentamos una temporada que nos gustaría que fuera tranquila, que rebose mucha calma, alegría y optimismo, pero siempre guiados por la necesidad de hacer productos que tengan en cuenta el medio ambiente y el entorno en el que vivimos. A continuación, os damos más detalles.

El color se suaviza

Esta temporada, los colores se oxigenan y pierden saturación para establecer mezclas armónicas y combinaciones emocionales, que calmen y tranquilicen. Destacan los tonos neutros, que incorporan destellos, transparencias y pequeñas pinceladas de color en azul, rosa, verde y amarillo. Las tonalidades suaves y delicadas aportan una visión contemporánea y se entienden desde la discreción, sin excesos ni añadidos. 

Si hilamos fino, destacamos el color beige del papel de estraza o kraft, el blanco que nos ayuda a trabajar formas y volúmenes, y el negro que utilizaremos añadir sofisticación y crear total looks con diseños de gran impacto gráfico. Como tonos más alegres, dentro de esta paleta de coloraciones frescas, pero menos saturadas destacaremos el rosa millennial, el azul en su versión más multifacética, versátil y adaptable, y el verde que nos acerca a la naturaleza y sigue teniendo protagonismo en los tejidos de la temporada.  Como contrapunte, destacar el optimismo del amarillo lima, el naranja atenuado y el coral que son perfectos para refrescar y para añadir luz a los artículos. Estos tonos se mezclan con una tonalidad antagónica: el turquesa en una combinación refrescante y singular. 

Por último, el color también se trabajará de diferentes maneras: en versiones lisas, bicolor o multicolor para un efecto liberador y estimulante.

Tejidos abrazables y compromiso con la sostenibilidad

Esta temporada destacamos las fibras naturales que estén implicadas en la gestión de los recursos y también sintéticos reciclados y regenerados. En concreto, trabajaremos con algodones BCI, viscosas FSC, seda tussah, linos naturales sin tintar y poliésteres reciclados, algunos de ellos obtenidos a partir de botellas de plástico usadas.

En la colección primavera-verano 2022 queremos disfrutar de la simplicidad para un tipo de moda más cómoda, minimalista y hermosa. Para ello, utilizaremos gasas, voiles y organzas en tonos neutros, suavemente diferenciadas entre ellas, que definirán la ligereza de los tejidos. Queremos producir ese componente fresco y cariñoso, como un abrazo tierno. También trabajaremos con técnicas de fil coupé que nos conectan con un romanticismo moderno y tejemos estructuras con contrastes suaves para una belleza simple.

“Queremos disfrutar de la simplicidad para un tipo de moda más cómoda, minimalista y hermosa”

Dentro la colección destacamos popelín y satén mates de aspecto limpio, tejedurías clásicas, relieves gofrados e inspirados en el cartón de embalaje, Jacquares con estructuras geométricas en repetición rítmica, tweeds de verano con hilaturas gruesas y piqués para tejedurías estructuradas. Esta temporada el aspecto rústico también es protagonista y a través de los tejidos queremos conseguir una rusticidad táctil a través de hilaturas fantasía. 

En materia de aspectos de los tejidos, esta temporada se imponen los tactos suaves. También acabados brillantes con iluminación clara, limpia y nítida y motivos satinados que imitan la cerámica. El brillo jugará con la luz para sorprendernos con cierto atrevimiento. Por eso hemos apostado por hilaturas brillantes en tejidos que serán versátiles. 

La temporada también se caracteriza por propuestas de aspecto irregular a través de inspiradoras telas arrugadas y acabados naturales, con otras más ligeras como preciosas organzas que recubren el cuerpo creando volúmenes sin excesos, voiles que se trabajan en capas, gasas que proporcionan las transparencias adecuadas y sensuales satenes de algodón ya sean lisos o estampados. 

Diseños depurados que no renuncian a los jardines florales

En líneas generales los tejidos se expresarán sin excesos decorativos a través de geometrías serenas y contrastes visibles, pero sin ruido visual. No es una temporada ni de excesos ni estridencias, todo lo contrario. Nos inspira el estilo étnico y folk desde un punto de vista estilizado y depurado. En materia de estampados hay tejidos que dan la bienvenida a los trazos abstractos con detalles de pinceladas. También las rayas con trazo de manual y persisten los cuadros, pero en su versión más libre.

En primavera no pueden faltar las flores, y esta temporada tampoco será una excepción. Un paseo por los jardines campestres nos trae inspiraciones renovadas para una nueva vuelta creativa a estos estampados que utilizan flores y hojas, escogidas por sus formas particulares, inspiradoras texturas y colores sorprendentes.

Por último, destacar que continuamos con nuestro compromiso con la sostenibilidad que ya empezó en temporadas anteriores y ha llegado para quedarse. Nuestra colección utiliza hilaturas regeneradas y recicladas con certificados europeos y eso ayuda a reducir la huella ambiental de la producción textil: algodón BCI, algodón regenerado, seda tussah, lino, viscosa FSC, poliéster New Life y reciclado, son algunas hilaturas presentes en esta nueva colección primavera-verano 2022 que acabamos justo de inaugurar. Estrenar, este verbo que tanto nos gusta… 

¡Te invitamos a que descubras toda la colección en nuestra shop online!

Un enfant terrible es un genio precoz de ideas brillantes, pero de actitud rebelde y transgresora, cuyas creaciones son innovadoras y ofrecen una nueva visión rupturista, alejada de lo tradicional, ortodoxo o convencional. John Galliano, Jean-Paul Gaultier, Alexander McQueen son algunos de los enfants terribles más internacionales de la moda. En nuestro país también existen provocadores del hilo y la aguja. Algunos de los nombres más notorios los recupera la Fundació Antoni de Montpalau junto con la Fundación Rocamora en una nueva exposición titulada ‘Daviddelfín y otros enfants terribles de la moda’ que se inauguró el pasado 6 de febrero en Barcelona. La muestra consiste en una recopilación exhaustiva de la obra del diseñador malagueño, única en Cataluña, junto con la trayectoria rompedora y provocativa de otros diseñadores españoles, desde los años 80 hasta la actualidad.

La obra más extensa de David Delfín

La parte monográfica dedicada a David Delfín ocupa la primera planta de la Fundación Rocamora y reúne más de 60 piezas de indumentaria que repasan las colecciones del diseñador, desde 2001 hasta 2017, con algunas de las obras más emblemáticas. Junto con las piezas de ropa, también se incluye una selección de complementos como bolsos y zapatos.

Aunque Diego David Domíngez González, David Delfín, ya hizo algunos experimentos anteriores, su marca homónima nacería en 2001 en un proyecto conjunto junto los hermanos Postigo (Deborah, Gorka y Diego) y Bimba Bosé, musa y modelo del diseñador. Este novedoso proyecto iba más allá de la moda, mezclando teatro, música, pintura, poesía, fotografía y cine. Como marca, Davidelfín debutó en Barcelona en la pasarela alternativa Circuit con su primera colección ‘Openin’ Nite’. Un año más tarde daría el salto a la pasarela Cibeles de Madrid con la propuesta ‘Cour des Miracles’, inspirada en las películas de Luis Buñuel ‘Viriadina’ y ‘Belle de Jour’ y también en el cuadro ‘Los Amantes’ de René Margritte, pintado en 1928, en donde aparecen dos amantes encapuchados besándose.

Como homenaje al cuadro de Magritte las modelos desfilaron por la pasarela con el rostro encapuchado que recordaban a burkas árabes, sogas en el cuello y grandes rosarios de madera, algunas prendas confeccionadas con vendas sanitarias. Este desfile se malinterpretó y fue criticado en los medios de comunicación, tal vez por coincidir con la guerra en Afganistán. A pesar de la polémica, este desfile posicionó a la marca y un año más tarde, Davidelfín recibiría el premio L’Oreal a jóvenes diseñadores. A partir de este momento la creatividad autodidacta del diseñador no tuvo límites: Bimba Bosé sería la protagonista indispensable de sus desfiles y entre el público y los amigos de ambos, se convertirían en sus mejores embajadores. El diseñador siguió presentando sus colecciones en Cibeles y dio el salto en Nueva York en 2009 y 2010. La marca también fue galardonada en Marie Claire, Telva y en 2016, ganó el Premio Nacional de Diseño de Moda. Davidelfín también participó en numerosos museos, instituciones y galerías de arte en Barcelona, Madrid, Bilbao, Málaga, Venecia, Nueva York, Washington, México, Tokio y Moscú. Desafortunadamente, la carrera del prometedor creador se truncó en 2017 tras una lucha intensa contra un cáncer cerebral, unos meses después de la muerte de Bimba. David Delfín tenía solo 46 años.

Los otros enfants terribles 

La exposición va un paso más allá y para acompañar el homenaje a Davidelfín, la Fundació Antonio de Montpalau ha escogido una serie de diseñadores que también han sabido romper moldes y ocupan la planta baja del palacete de verano de Manuel Rocamora.

Así, esta segunda parte de la muestra empieza con Luis Fortes, el polémico diseñador de los años 80 en Barcelona ​​con propuestas muy atrevidas que se anticipaban incluso a las que haría, poco después, Thierry Mugler, creador francés recientemente fallecido. 

Desde Madrid en la década de los 90, el dúo Vacas Flacas, formado por Carolina Azcona y Miriam Cobo, provocaría en la Pasarela Cibeles con sus prendas confeccionadas con bayetas, guantes, toallas, calcetines, cremalleras o bufandas. Una buena selección de que se puede ver en la exposición, entre las que destaca un espectacular abrigo hecho con bufandas del Barça. Recientemente, la actriz Milena Smit ha resucitado una de las camisetas más emblemáticas de la firma madrileña. La muestra también incluye cinco espectaculares trajes de Alaska, diseñados por Juan Pedro del Moral, Little Joe Couture, quien también ha ideado el estilismo de las Nancys Rubias. De hecho, la marca es también la que se encarga de vestir a los integrantes de Fangoria. De los años 90 también son las dos piezas que incluye la exposición de Estanislao, el creador del reconocido método de patronaje Eometric. 

Por su parte, Bibian Blue, diseñadora célebre por sus bodis que lucen artistas internacionales como Katy Perry o Dolly Parton, fue una de las alumnas más aventajadas de Luis Fortes en los años noventa y creó su propia marca en el año 2000 consiguiendo gran aceptación dentro de la escena underground europea. La muestra incluye uno de sus espectaculares vestidos de alas de mariposa.

La muestra también tiene en cuenta a Mertxe Hernández. La diseñadora creó en 1997 su marca MTC y abrió una tienda en el Born, desde donde se dio a conocer. Después de presentar colecciones en Alemania, la creadora decidió dedicarse al mundo de la creación artística. De ella se incluyen algunas de las prendas que presentó en la pasarela ‘Colonia Fashion Days’, hechas con tejido de medias de poliamida.

Por último, la exposición también reúne prendas icónicas de Gori de Palma (Modafad, Gaudí y Cibeles) y de ¡Ánimo, Valiente! La firma de una diseñadora vasca afincada en Barcelona que trabaja con vaqueros reciclados y desde una decidida marginalidad. Una mención especial merece el último diseñador en participar en la muestra: el actual y mediático Palomo Spain, quien también ha querido incluir uno de los trajes más emblemáticos de su meteórica carrera.