El cuadro Vichy es imperecedero. Sobrevive a las tendencias y a los ciclos de la moda y se sofistica a través de diseños arriesgados y tejidos que van más allá del clásico algodón de sus orígenes. Los más típicos combinan sobre fondo blanco colores como el negro, el rojo, el azul o los tonos pastel. Hace décadas, estos cuadros pequeños asociados con la libertad y la vida campestre, decidieron abandonar el campo para seducir las grandes estrellas del celuloide y, acabar más tarde en la pasarela reconvertidos en un motivo actual que se transforma según los gustos y exigencias de las nuevas generaciones.
Judy Garland en ‘El Mago de Oz’(1939) y un cartel publicitario de la época
De Malasia a Vichy
¿Sabías que el motivo Vichy procede de Malasia? Se le llama originalmente gingham pattern. El tejido, inicialmente rayado, era hecho en hilo de algodón teñido y, además de ser económico, se podía utilizar del derecho y del revés. Esta última peculiaridad fascinó a los británicos que decidieron importarlo a Inglaterra durante la soberanía de Isabel I. Entonces se producía en Manchester y se introdujo la versión con pequeños cuadros a partir de un trazado de líneas horizontales y verticales. Estas primeras versiones se utilizaban en textiles decorativos como tapicería y mantelería. En el mundo de la confección, llegó a mediados del siglo XIX cuando Napoleón III, emperador de Francia, convirtió a Vichy, en la principal ciudad de producción del tejido homónimo. A partir de aquí, los cuadros Vichy empezaron a vestir los trajes y vestidos de inspiración romántica de las clases aburguesadas en sus momentos vinculados con el ocio y el aire libre, dotándolo de un encanto bucólico y pintoresco. Nacía un tejido reinventado que se asociaría una década más tarde con el chic parisino de espíritu campestre.
Katherine Hepburn y Lauren Bacall encarnan el mito de la femme fatal con sus vestidos de cuadros Vichy
El séptimo arte se rinde a sus pies
El cuadro Vichy se hubiera quedado relegado al campo -en el siglo XX también lo utilizaban las clases trabajadoras-, sino fuera por la visión de los diseñadores y el personal encargado de vestir a las estrellas del cine. De esas reminiscencias campestres, de las mantelerías y los delantales o del universo naíf y bucólico surgió el vestido azul que lucía Judy Garland en ‘El Mago de Oz’ (1939). Despojadas de los aires inocentes de Garland, otras estrellas de cine que encarnaron el mito de las femmes fatal como Joan Crawford en la película ‘Rain’ (1932) o Katherine Hepburn en ‘Escandalo en Filadelfia’ (1940), Lauren Bacall en ‘Tener y no tener’ (1944) o Ingrid Bergman en ‘Notorious’ (1946), le supieron dar un toque más contemporáneo. Sus vestidos ceñidos o trajes dos piezas en cuadros Vichy acompañados de cinturones tipo corsé o tacones altos encarnaban una feminidad sensual y poderosa a los personajes que interpretaban. Eran mujeres de armas tomar. A partir de ese momento, todas las celebrities americanas empezaron a lucirlo desde Jackie Kennedy a Marilyn Monroe.
Brigitte Bardot con dos trajes icónicos de cuadros Vichy
Brigitte Bardot populariza los cuadros Vichy
Los cuadros Vichy también tuvieron buena acogida en el universo de las pin-ups de los años 50. Esas modelos retratadas sonriendo y en actitud sugerente que aparecían en las portadas de revistas, libros o calendarios para desafiar con su cuidadosa picardía, los acatados cánones estéticos de la época. A pesar de ello, quien extendió este tejido por todo el mundo fue Brigitte Bardot cuando en 1959 se casó con Jaques Charrier y para la ocasión, lució un vestido Vichy hecho a medida diseñado por Jacques Estrél. Unos años atrás, la actriz francesa no pasó desapercibida con una falda voluptuosa en forma de A de cuadros Vichy azules en la película ‘¿Quieres bailar conmigo?’ (1953).
Marilyn Monroe con unos pantalones de cuadros Vichy
Los siguientes años fueron decisivos en la consolidación de los cuadros Vichy en la moda prêt-à-porter. Marilyn Monroe y Audrey Hepburn lucían prendas de cuadros Vichy en sus looks más icónicos, cada una respetando su estilo, aunque era habitual verlas en pantalones con este motivo. Otro icono sensual de la época: Jane Birkin también lo lucía en la película ‘La Piscina’ (1966) con Alain Delon. Se ve con un vestido de cuadros negros y en una falda vichy azul marino. Otros iconos de estilo más contemporáneos como Linda Evangelista en la pasarela de Versace de los años 90 o la princesa Lady Di, también inmortalizaron algunos looks con estos cuadros en cuestión.
Looks del diseñador Victor von Schwarz
Los cuadros Vichy en la actualidad: ¿cómo llevarlos?
No hay prácticamente verano sin cuadros Vichy. Este tipo de cuadro se perfila como un clásico de la temporada que aparece con las altas temperaturas y siempre en una última versión renovada: cuadros más o menos pequeños, distintos colores, en tejidos más elaborados… En vestidos veraniegos de estilo campestre, en shorts y leggins ajustados para un look más urbano, en tops de mangas voluminosas o hasta en complementos como bolsos y zapatos.
En Gratacós nos gustan los cuadros Vichy y desde nuestro departamento creativo estamos atentos a las tendencias futuras para hacer siempre tejidos con este tipo motivo que sorprendan a nuestros clientes. Desde opciones clásicas hasta artículos más sofisticados que incorporan tonos fuera de lo común o elementos brillantes como las lentejuelas. Te damos algunas ideas y sugerencias con tejidos de cuadros rebajados que también puedes encontrar en nuestra tienda online. En la variedad está el gusto…
El diseñador de moda y director artístico de la muestra, Jean Paul Gaultier, en CaixaForum Barcelona.
Jean Paul Gaultier es el enfant terrible de la moda por méritos propios. Aunque ya no esté encabezando a nivel creativo su marca homónima, ahora capitaneada por su sucesor Olivier Rousteing, Gaultier siempre será Gaultier. Un genio autodidacta. Transgresor e irreverente, pero desde su faceta amable. Un verso libre de la moda que la revolucionó en los años 70, 80 y 90 exaltando la diferencia, celebrando la diversidad, rompiendo estereotipos y explorando la belleza de los márgenes. A Gaultier no le interesaba lo clásico ni lo convencional, pero sí que investigó como a través de la ropa podía empoderar a las mujeres de su tiempo. Sus diseños eran la armadura perfecta para una nueva generación que quería expresar a través del atuendo su fuerza, dinamismo y libertad. Uno de los iconos de Gaultier, el corsé puntiagudo que lucía Madonna en la gira mundial ‘Blonde Ambition’ en 1990 se creó gracias a la influencia que ejerció la mujer que más le ha inspirado: su abuela y su amplio armario lencero que recuerda el enfant terrible de su infancia.
Esta icónica prenda, entre otras se puede ver en directo en la nueva exposición estrenada en CaixaForum Barcelona: ‘Cine y moda. Por Jean Paul Gaultier’. Una exposición coorganizada por la Fundación La Caixa y La Cinémathèque francaise que propone un viaje ecléctico que entrelaza cine y moda con grandes creadores y artistas, desde la óptica personal del controvertido creador, como diseñador de vestuario y como cinéfilo. Para Gaultier no hay cine sin moda, y viceversa.
Backstage, desfile de Jean Paul Gaultier, colección Barbès, 1984, prêt-à-porter de mujer otoño-invierno 1984-1985. © William Klein.
Dividida en cinco ámbitos, la exposición de autor donde Gaultier plasma su mirada, revisa la presencia del mundo de la moda en el cine, las colaboraciones de grandes modistos en el vestuario de películas y la creación de los arquetipos masculinos y femeninos. El enfant terrible de la moda pone el acento en aspectos clave que están presentes en su trayectoria como diseñador como el empoderamiento femenino y presta atención a figuras heterodoxas de guerreros y guerreras, andróginos y travestis, así como a la influencia de las culturas rock, punk y queer que tanto han marcado la moda en los últimos años.
Tras su paso por Paris y Madrid, la exhibición, dedicada a la memoria de la cineasta Tonie Marshall, reúne en Barcelona un conjunto heterogéneo de más de 100 piezas de indumentaria que se muestran en cerca de 70 looks, fragmentos de más de 90 películas y 125 representaciones gráficas (carteles, bocetos, fotogramas y fotografías), entre originales y reproducciones, procedentes en su mayoría de la prestigiosa colección de La Cinémathèque Française y que se complementan con obras de más de veinte prestadores nacionales e internacionales.
Díptico Marlene Dietrich. Masque & Narcisse, 2021. © Bastien Pourtout i Edouard Taufenbach, colección Pierre Passebon, 2021.
Entre los cerca de 70 looks icónicos del cine se encuentran vestidos que llevaron Grace Jones en ‘Panorama para matar’ (1985), Catherine Deneuve en ‘8 mujeres’ (2002), Grace Kelly en ‘La ventana indiscreta’ (1954); Sharon Stone en ‘Instinto básico’ (1992); Marilyn Monroe en ‘Eva al desnudo’ (1950); Seven Sinners de ‘Tay Garnett’ (1940); Brad Davies en ‘Querelle’ (1982) o como decíamos al principio, el célebre corsé rosa que enalteció a Madonna en su gira mundial.
También, los trajes de ‘Superman’ (que vistió Christopher Reeve); ‘La máscara del Zorro’ (1998), con Antonio Banderas; el short que llevó Sylvester Stallone en ‘Rocky’, o el vestuario de Victoria Abril en ‘Kika’ (1993) que, junto con el de otras películas como ‘La mala educación’ (2004) o ‘El quinto elemento’ (1997), fue diseñado por Gaultier. En esta línea, también se exponen diseños de alta costura de Coco Chanel, Pierre Cardin, Hubert de Givenchy, Manuel Pertegaz, Balenciaga y Sybilla, entre otros.
Fotografía entre bastidores de la película ¿Quién eres tú, Polly Maggoo? 1966 © William Klein/ Films Paris New York.
Dos películas que marcan los inicios de Gaultier
Entre todo el desfile de looks, proyecciones y prendas clave, hay dos películas que ocupan un lugar de honor en la exposición y tienen que ver con los orígenes del diseñador. La primera cambiaría el rumbo de su vida. Gaultier tenía entonces 13 años cuando vió por primera vez de ‘Falbalas’ de Jacques Becker (1945). Un melodrama protagonizado por un costurero y ambientado en el ajetreo de una casa de costura durante la posguerra. Este filme es el “culpable” de que quisiera dedicarse al mundo de la moda. De ahí empezó a diseñar figurines que luego transformaría en diseños. La otra película que ha marcado al creador francés ha sido ‘¿Quién eres tú, Polly Maggoo?’ (1996) de William Klein, quien en el filme analiza su época con una mirada aguda y pone al desnudo los entonces incipientes reality shows. Se trata de una sátira de los delirios egocéntricos del mundo de la alta costura, donde en aquella época dominaba la era espacial en la que cayeron todos, desde el modisto misántropo hasta la redactora jefa más versátil.
Pedro Almodóvar, Victoria Abril y Jean Paul Gaultier en el plató de Kika, 1994 © Nacho Pinedo.
Moda y arte, actividades en paralelo
La exposición ‘Cine y moda. Por Jean Paul Gaultier’ estará abierta al público hasta el 23 de octubre. En esta ocasión, para indagar en las estrechas relaciones entre la moda y el arte, CaixaForum Barcelona ha organizado en septiembre, un ciclo de conferencias que plantea diálogos sobre de qué manera se influyen el arte y la moda: ¿es el arte la fuente de inspiración para la moda o son los códigos de la moda, las vías que escoge el artista para desarrollar su poética? El filósofo y sociólogo francés Gilles Lipovetsky, el arquitecto Manuel Blanco, los periodistas Isabel Margalejo y Carlos Primo, la divulgadora Charo Mora (responsable del ciclo) o la modelo Sita Abellán, son algunos de los nombres que ilustraran los vínculos entre la moda y el arte, la arquitectura, la literatura y la música.
Detalles de la exposición ‘Cine y moda. Por Jean Paul Gaultier’
París, 1930. La diseñadora de origen italiano Elsa Schiaparelli tenía muy claro cual era la reacción que esperaba de su público, el día que presentó en sociedad su famoso shocking pink. Un rosa chillón con tintes magenta que provocó un efecto wow de inmediato entre la sociedad parisina y demostró que el rosa, más allá de ser dulce, suave o romántico podía ser agresivo, reivindicativo y chocante, sin dejar de ser femenino. Desde entonces, el fucsia sería el color por excelencia de la eterna rival de Coco Chanel que servía tanto de inspiración como una fórmula de evasión de la propia Schiaparelli. Recordamos que la moda austera de los años 30 y 40 que coincidía con un periodo de depresión económica, necesitaba un color potente que invitara al escapismo. Después de la Segunda Guerra Mundial, esta tonalidad vibrante quedó inmortalizada en vestidos como el que lució la actriz Zsa Zsa Gabor para enfundarse en la piel de Jane Avril, la cantante del Moulin Rouge en la película homónima de 1952, y un año más tarde, Marilyn Monroe también quedaría en la memoria de los espectadores en la película ‘Los caballeros las prefieren rubias’. Lucía un vestido fucsia con escote palabra de honor, lazo voluminoso en la parte trasera y largos guantes a conjunto.
2022. Ya han pasado más de 90 años y el fucsia vuelve a estar en el candelero. Lo rescató hace una década, la generación del Milenio que hizo del rosa, su bandera cromática. Después de dos temporadas apareciendo de forma intermitente en la pasarela ha sido la firma Valentino quien la que lo ha vuelto a poner de moda. Fue en la última semana de la moda de París para presentar su colección Otoño-Invierno 2022. El actual diseñador creativo de la firma, Pierpaolo Piccioli exhibió una propuesta teñida íntegramente en color rosa. Sorprende que la firma que es famosa por abanderar otro color potente: el rojo Valentino, siempre ligado con el joven diseñador Valentino y sus viajes a España que le inspiraron, haya elegido otro color para defender los nuevos diseños. Ahora Valentino abraza el tono Pink PP, una tonalidad registrada al colaborar de nuevo con Pantone Color Institute para la personalización del color. Así, el rosa Pink PP, convertido en el nuevo rojo de la casa italiana, se paseó por París en una puesta en escena que recordaba a la canción ‘Think Pink’ de la película ‘Funny Face’ protagonizada por Audrey Hepburn. “El rosa es el color del amor, la comunidad, la energía y la libertad”, declaraba el actual director creativo, Pierpaolo Piccioli sobre su decisión. A su vez, los diseños monocromáticos permitieron deslumbrar los pequeños detalles: las siluetas, los volúmenes, los escotes y el patronaje impecable. Piccioli también trasladó los nuevos modelos más arriesgados – triunfa la silueta cut-out con aberturas sorprendentes y las transparencias- a las asistentes de la Gen Z como Zendaya, actual imagen de la casa que asistió al desfile con un traje rosa.
“El rosa es el color del amor, la comunidad, la energía y la libertad”,
afirma Pierpaolo Piccioli, director creativo de Valentino.
Otras firmas de lujo como Versace con la impactante Naomi Campbell al frente del desfile, Gucci, Loewe, Chanel o Jacquemus también se han puesto de acuerdo esta temporada para subir el fucsia en la pasarela.
Una actuación de Rosalía en 2019. Foto: Valpalavecino
Actrices, prescriptoras de moda y royals, todas visten de fucsia
¿Qué tienen en común Zendaya, Olivia Palermo y la Reina Letizia? Evidentemente ya sabes la respuesta. El fucsia también seduce a las fashion insiders que conocen los efectos de apostar por un color arriesgado, pero favorecedor que luego se adueñará de las grandes distribuidoras de moda. Precisamente, el estilo de la Reina causó furor en primavera con un vestido fucsia que presentaba aberturas laterales debajo del escote de la firma valenciana Serendipia. La actriz Zendaya también levantó pasiones enfundada en un traje del mismo color y las influencers Olivia Palermo o Tiffany Hsu acumularon centenares de miles de likes en Instagram con vestidos del rosa más deseado del momento.
El estilo de la Reina Letizia causó furor en primavera
con un vestido fucsia que presentaba aberturas laterales
debajo del escote de la firma valenciana Serendipia.
Vivimos también el momento perfecto para dar rienda suelta al color en una época de postpandemia donde el desenfreno, la alegría y cierta ligereza campan a sus anchas y esa actitud relajada se traslada en la moda con un armario más vital, enérgico y colorista. No en vano, un color como el fucsia se tenía que erigir como tendencia cromática absoluta de la temporada, junto con otros tonos como el naranja vitamina, el morado o el verde esperanza.
Desde Gratacós también hemos notado este renacer del rosa fucsia porque curiosamente los tejidos de esta llamativa tonalidad están volando de nuestro almacén. De hecho, en la tienda online disponemos aún de algunos artículos del color que marca el ritmo de la actualidad. Todo está conectado en el mundo de la moda, desde la materia prima hasta el diseño final que luego veremos en pasarela y que, más tarde, las personas corrientes llevaremos en la próxima temporada.
Empieza la temporada veraniega con una tendencia cada vez menos reservada para las ocasiones especiales: las lentejuelas, que con sus brillos atrapan todas las miradas. Desvinculadas de su zona de confort, estas pequeñas láminas metalizadas cosidas en el tejido se erigen las protagonistas del momento junto con otros materiales que deslumbran por sí solos como las iridiscencias o los acabados satinados que producen un brillo más discreto.
En esta ocasión, las lentejuelas, junto con los colores flúor y las transparencias, salen de los desfiles de las colecciones SS22 de Tom Ford, Michael Kors, Loewe, Valentino o Rodarte para invadir la calle a través de outfits resplandecientes. La clave de las lentejuelas, hasta ahora reservadas en celebraciones concretas como las Nocheviejas, es que existen muchas opciones para lucirlas con acierto en prendas para llevar a todas horas. De día y de noche sin reparar en brillos ni excesos. Desde los looks rock & roll de Saint Laurent, hasta la sofisticación de Chanel y Celine que las combinan con tweed o en detalles clave como muestran Gucci, Balmain o Paco Rabanne, creador de la icónica malla metalizada.
De Tutankamón a Leonardo da Vinci
El origen de las lentejuelas se remonta al Antiguo Egipto, donde se cosían pequeños discos de oro y plata en la ropa de los faraones y sus consortes como signo de riqueza. De hecho, fue durante el descubrimiento de la tumba de Tutankamón en 1922, cuando los arqueólogos encontraron, entre distintos objetos, ropa decorada con brillantes discos de metal. Una época que coincidió a su vez, con la fiebre metalizada de los Locos Años 20, encarnada por el vestuario de las flappers y la egiptomanía que desató este hecho, que inspiró a los diseñadores de la época a diseñar atuendos con discos metalizados para destacar en la pista de baile.
En inglés, la palabra sequin (lentejuela, se vincula al término en árabe sikka (moneda) y al zecchino, una moneda dorada acuñada en Venecia durante el siglo XIII. Las primeras lentejuelas fueron monedas cosidas a la ropa, por razones que iban desde exhibir la riqueza y el estatus hasta complicarle la vida a los ladrones. Se dice también que Leonardo da Vinci, uno de los grandes inventores de la humanidad, ideó una máquina para producir pequeños discos de metal. Un prototipo que nunca se llegó a fabricar, pero que ya ubica la antigüedad de la lentejuela.
Más tarde, en los siglos XVII y XVIII, empezaron a usarse carteras, estuches y aparecieron los bolsillos. Por lo tanto, en la indumentaria de hombres y mujeres ya no era necesario coser las monedas a la ropa para mantenerlas a buen recaudo, y los pequeños discos de metal se convirtieron en un ornamento puramente estético.
La lentejuela brilla en el siglo XX
Las lentejuelas como las conocemos surgieron en el siglo XX. Sus destellos empezaron a adornar los ricos vestidos de la Bélle Époque, añadían toques de luz a las creaciones de los años 20 y volvieron a adornar las prendas de los sensuales años cincuenta. Actrices como Marilyn Monroe o Rita Hayworth sucumbieron al centelleo de la lentejuela con innumerables trajes que resplandecieron dentro y fuera del celuloide. Un vestido brillante de la época que conecta con la actualidad es el icónico vestido beige que la diva rubia llevó cuando cantó ‘Cumpleaños feliz’ al presidente John F. Kennedy en 1962. Ese mismo vestido cubierto de cristales fue el que se enfundó Kim Kardashian en la MET Gala 2022.
Los materiales utilizados para crear las lentejuelas también cambiaron con el tiempo. El metal de los primeros prototipos evolucionó hacia la gelatina en la década de los 30. Este último material resultaba menos pesado, pero era frágil y no aguantaba bien los cambios de temperatura. Luego, pasaron a ser de plástico, flexible y resistente al lavado. Gracias a este cambio, las lentejuelas se volvieron más prácticas, menos costosas y más asequibles que sus anteriores versiones.
Un adorno vinculado con la música, el movimiento y el exceso
Con la innovación de los nuevos materiales y el triunfo del prêt-à-porter en los años sesenta, el uso de las lentejuelas se popularizó en ropa más común que se volvía atrevida, viva y colorida. ¿El objetivo? Adornar la silueta, empoderarla y convertirse en el centro de atención de las miradas. Este manifestó cuajo muy bien en los años setenta con la fiebre disco. En los movimientos contraculturales, las lentejuelas y todos los tejidos brillantes se convirtieron en un símbolo de rebelión contra el sistema que consideraban serio y aburrido. Ahí es cuando empezó la época del glam rock. Un movimiento sensual, andrógino, excéntrico y revolucionario que tuvo como símbolo a David Bowie con su icónico alter ego: Ziggy Stardust. El hombre de las estrellas, y otros cantantes de la época se envolvían con trajes de lamé, lentejuelas y mucho glitter.
Los tejidos brillantes, siendo las lentejuelas los preferidos, volvieron a resplandecer en los años ochenta. Michael Jackson fue el responsable que la brillantina y las prendas faraónicas volvieran a ver la luz con actuaciones memorables donde el Rey del Pop se enfundaba en trajes cubiertos de lentejuelas y pedrería.
Hoy en día las lentejuelas, así como otros tejidos brillantes, están sometidas a los vaivenes de la moda cíclica. Su material sigue siendo a base de plástico, ahora mayoritariamente reciclado, pero con recubrimientos especiales. Lo que no ha cambiado es su significado. Las lentejuelas despiertan la imaginación, se hacen visibles e iluminan la vida cotidiana de las personas. Son un elemento de escapismo, algo con lo que aferrarse hacia otros mundos de fantasía. Y ya sabemos que la moda es sueño y en Gratacós nos gusta haceros soñar a través de nuestros tejidos de lentejuelas. Aquí te dejamos una selección de los más novedosos para que brilles con luz propia.
El naranja es un color más común de lo que pensamos, aunque su papel en la historia siempre ha quedado relegado en segundo plano. Esta tonalidad híbrida entre el rojo y el amarillo provoca una reacción inmediata cuando se la reconoce. Activa, estimula, sorprende y divierte. No en vano, este llamativo color siempre está vinculado con lo poco convencional. Su singularidad ha desempeñado un rol importante en el arte, la historia y el diseño. Desde la antigüedad el naranja estaba presente en rituales del Antiguo Egipcio, se ha considerado un color sagrado en varias culturas asiáticas y ha llegado a enamorar artistas como Vincent van Gogh y Toulouse-Lautrec que usaron el naranja en sus pinturas. Os contamos algunas anécdotas de este color exótico, a menudo subestimado.
El naranja en la antigüedad
Los antiguos egipcios fueron los primeros en utilizar una tonalidad entre amarillo y naranja que extraían del mineral rejalgar para decorar sus tumbas. El pigmento que se extraía era tóxico -contiene arsénico- y era utilizado por los chinos para ahuyentar las serpientes, además de ser empleado en la medicina tradicional del páis. Otro mineral relacionado, el oropimente también era usado como pigmento y se la consideraba un producto comercial de gran valor en la antigua Roma. En la Edad Media el pigmento anaranjado fue utilizado durante la Edad Media en los manuscritos.
En Asia, el naranja fue considerado un símbolo con diferentes interpretaciones según la cultura de cada país. Esta tonalidad está presente en muchas de las religiones asiáticas. En el budismo, el naranja es un color sagrado: se le considera el tono de la iluminación y la búsqueda del conocimiento y por eso, la indumentaria de los monjes budistas es tradicionalmente de este color. Para el confucianismo, el naranja simboliza el color de la transformación. En el hinduismo, el vestido que lleva Krishna -una de las deidades personificadas más veneradas- es siempre de esta brillante tonalidad. El nombre del color en India y China deriva del azafrán que a su vez era el tinte más caro de los dos países. Estas potencias asiáticas consideraban que el naranja representaba el balance equilibrado entre la perfección del amarillo y el poder del rojo.
Un color sin nombre
En Asia el naranja era una tonalidad venerada. En cambio, en Europa el color no tuvo nombre hasta el siglo XVI cuando los comerciantes portugueses trajeron de India y China, las frutas más exóticas del momento: naranjas y mandarinas, teñidas de un color que los europeos llamaban hasta entonces amarillo rojizo. Este llamativo color importado del Lejano Oriente a través de los naranjos se le asignó el nombre de la propia fruta. Naranja en español, orange en inglés, arancia en italiano y laranja en portugués.
Otra curiosidad: hoy en día el naranja es un color que conecta a nivel psicológico con el mundo de los sabores y resulta agradable a la vista cuando se le vincula con la comida. Melocotones, albaricoques, mangos, zanahorias, langostinos, gambas, salmón, calabazas, curry… El naranja puede ser un color apetitoso, ¿verdad?
El naranja en el arte
En el arte occidental europeo, el uso del naranja se volvió común a partir del siglo XIX, cuando se produjo el primer pigmento naranja sintético llamado cromo anaranjado. Esta tonalidad fue la favorita de los pintores prerrafaelitas e impresionistas, quienes hicieron uso del color para capturar los efectos de la luz natural. Artistas como Monet, Gauguin, Renoir y Toulouse-Lautrec usaron ampliamente el color para provocar sentimientos de calidez, evasión y diversión. Si hay un artista que se le vinculó directamente con el color naranja fue Vincent van Gogh, que a través de la pintura mezclaba sus propias tonalidades de naranja y las usaba en contraste con los azules y los púrpuras característicos de su trabajo.
Un color de temporada en 2022
Aunque Pantone coronó en 2022 el lila Very Peri como el color del año, lo cierto es que la industria de la moda parece haber puesto el ojo a un tono más intenso y vitalista para levantar el ánimo. En pasarelas a través de las colecciones de verano y pre-fall, en el street style de las fashion weeks, en escaparates de las grandes firmas… el naranja se ha alzado como uno de los tonos estrella de la temporada en todas sus gamas posibles.
El naranja ha estado presente en la actual colección SS22 de Christian Siriano, Collina Strada o Proenza Schouler, transmitiendo optimismo y alegría a la ropa presentada, pero es en las colecciones de transición cuando cobra más fuerza. Por ejemplo, Erdem es una de las firmas que, ha apostado por este color, pero en sus versiones más soft como el naranja caldera para vestidos satinados con motivos en negro y looks que juegan con las texturas y utilizan el mismo tono. Por su parte, Chloé se ha decantado por las tonalidades pastel dándole un aspecto menos agresivo. Oscar de la Renta le ha dado al naranja matices rojizos, siempre acompañado a otros colores o en formato bolso. En cambio, Gucci ha apostado esta temporada por un naranja vitaminado que tiñe una falda a varias capas en el mismo tono.
El namarillo vuelve a pisar con fuerza en las pasarelas. Una tonalidad híbrida a medio camino entre el naranja y el amarillo que se popularizó en 2016 entre las colecciones de primavera y causó furor por su vistosidad y luminosidad, siendo el tono del verano de entonces. Ahora, Prabal Gurung ha recuperado este tono vitamínico y lo ha incorporado en gran parte de los looks de su última colección. En un tono algo más apagado, Staud lo ha convertido en conjuntos de punto con microshorts y Chanel en monos que son el sello de su directora creativa, Virginie Viard.
¿Cómo combinarlo?
En ocasiones lo que se ve en la pasarela no necesariamente acaba llevándose en la calle. Y el naranja seduce a primera vista, pero no es un color fácil de llevar ni tampoco discreto. Aún así, el street style de los prescriptores de moda o los looks expuestos por las celebridades en las red carpets son la mejor referencia para demostrar las posibilidades cromáticas que tiene el naranja en el armario.
La forma más sencilla de iniciarse en el color naranja es hacerlo en pequeñas dosis a través de una sola prenda o relegándolo simplemente en los accesorios. Los tonos que siempre van bien con el naranja son los neutros: blanco, negro y tonalidades beiges o maquillaje que creen un efecto base. Por el contrario, si tu nivel de atrevimiento es elevado el naranja sienta de maravilla en clave total look a través de vestidos, trajes chaqueta o combinaciones de top con faldas. En cuanto a combinaciones arriesgadas que potencian este color vitamínico hay algunas muy repetidas en pasarela que fluyen por su contraste: naranja con fucsia para un máximo atrevimiento; naranja con verde intenso para jugar con los complementarios; naranja con azul celeste o rosa palo para rebajar la intensidad; naranja con morado para aclamar protagonismo; naranja con gris para los días lluviosos, o evidentemente, naranja con naranja para un juego visual armónico. ¡Este color acepta más tonos de los que habrías imaginado!
Por último, te mostramos algunos de nuestros tejidos más vitamínicos de la nueva temporada. ¿Qué te imaginas diseñar con ellos?
Este mes de mayo, la moda vuelve a la gran pantalla con la celebración de la sexta edición del Moritz Feed Dog, el festival de Cine Documental sobre Moda, Cultura y Ciudad de Barcelona. Una iniciativa ecléctica que nos acerca a la riqueza y complejidad de la moda, entendida como un fenómeno cultural que refleja la sociedad en constante transformación. Esta visión y eje vertebrador articula todas las proyecciones y las actividades paralelas del festival que tendrán lugar del 12 al 15 de mayo en los cines Aribau Multicines de Barcelona.
Un homenaje a la minifalda
En esta ocasión abre la nueva edición del Moritz Feed Dog el documental de Quant, inspirado en la diseñadora que para muchos es la creadora de la minifalda. Una proyección dirigida por Sadie Frost. La actriz y directora estará en Barcelona para acudir al estreno en España de su documental. El documental escenifica los inicios de Mary Quant cuando abrió su primera tienda en King’s Road en Londres, diez años antes de que los Beatles conquistaran el planeta. La diseñadora se olió la revolución juvenil que estaba a punto de llevarse por delante el mundo de ayer y supo canalizar la rebeldía, el ansia de libertad y el terremoto generacional que supuso la década de los 60 a través de su ropa desenfadada, sexy y colorista.
La ropa de Quant y en especial, la minifalda estaba diseñada para las jovencitas de la época con una doble misión: la emancipación y el rock’n’ roll. ¿Quién quiere vestirse hoy como una duquesa?, se pregunta la genial diseñadora en este documental de Sadie Frost que no consigue aclarar la pregunta del millón: ¿quién inventó la minifalda, ella o Courrèges? Lo que sí retrata con precisión es a una mujer moderna, adelantada a su tiempo, empresaria en un mundo de hombres y estilista de cabecera de la década que aglutinó el feminismo, la píldora y el movimiento Swinging London. ¡Viva Mary Quant!
El zapatero de los sueños
Otro de los platos fuertes del festival es el estreno en España del documental sobre Salvatore Ferragamo. Salvatore: Shoemaker of Dreams, dirigido por Luca Guadagnino, director de películas como la ganadora del Oscar ‘Call Me By Your Name’. El célebre zapatero nació en un pueblecito de la Campania llamado Bonito y llegó a conquistar los pies de las estrellas más fulgurantes del Hollywood dorado. ¿Qué llevó a Eva Perón o a Marilyn Monroe a caer rendidas ante Salvatore Ferragamo? Una elegancia atemporal y también un enfoque científico, del que salieron grandes innovaciones para la industria del calzado, como el tacón de cuña o de jaula.
El documental se adentra en los entresijos de la firma florentina de la mano de su viuda, Wanda Ferragamo, madre de seis hijos, que fue la encargada de tomar las riendas de la marca tras el fallecimiento de Salvatore en 1960, mantener vivo su legado y lanzarla, con éxito más que demostrado, al prêt-à-porter. La historia también de esta visionaria en la sombra.
Erotismo y provocación
Entre la programación del Moritz Feed Dog destaca la obra sobre Helmut Newton. The bad & the beautiful recoge el legado erótico y la mirada subversiva de este gran provocador de la fotografía de moda. Newton dedicó toda su vida a retratar a mujeres fuertes, poderosas y esculturales, como estatuas en un pedestal. El documental de Gero von Boehm acierta al incluir tanto a sus fervientes admiradoras (Grace Jones, Charlotte Rampling, Marianne Faithfull o Anna Wintour) como a sus críticas más feroces (Susan Sontag e Isabella Rossellini), que le tachan de misógino y machista. La cámara muestra al Newton afable y bromista de las sesiones de foto, pero también al enamorado de su mujer, la también fotógrafa June Newton, y nos descubre una infancia difícil y una juventud en el exilio huyendo de la Alemania nazi.
Grandes visionarios de la moda contemporánea
El festival también pone de manifiesto el saber hacer y el legado de los grandes maestros de la moda. En este sentido, destacamos tres documentales que giran alrededor de las figuras de Pierre Cardin, Karl Lagerfeld y Martin Margiela.
En primer lugar, House of Cardin muestra los designios del hombre que revolucionó y democratizó la moda en los 60 con sus diseños ultramodernos, el logo de las mil y una licencias, el diseñador que desfiló en la Gran Muralla China, la marca que lo mismo vende perfumes que bufandas o agua mineral embotellada… Pero, ¿quién es realmente Cardin, el hombre que convierte en oro todo lo que toca? Este documental dirigido por P. David Ebersole y Todd Hughes desvela parte del enigma.
Imperdible bajo nuestro punto de vista también es el documental Karl Lagerfeld Se Dessine. Dirigido por el respetado periodista Loïc Prigent, la pieza muestra a primera vista, los dotes artísticos del káiser a través de sus inolvidables dibujos para bucear poco a poco en su vida privada. Karl Lagerfeld fue un superdotado con una memoria visual deslumbrante y a través del dibujo habla de su infancia, de la frialdad de sus padres e incluso del gran amor de su vida, Jacques de Bascher. Una delicia imprescindible para los fans de Lagerfeld.
Por último, destacamos también Martin Margiela: in his own words. Tras abandonar el mundo de la moda, el nombre de Martin Margiela sigue despertando hoy una mezcla de misterio, admiración e intriga que ningún otro diseñador ha logrado reunir. El creador belga que provocó una ruptura en la historia de la moda con su ropa reciclada, sus colecciones irónicas y deconstruidas, su street casting y sus shows en solares semiabandonados sin sitting, sigue negándose hoy a mostrar su rostro ante las cámaras. Nunca el anonimato había sido percibido como algo tan poderoso en una industria adicta a la visibilidad en la que, de la noche a la mañana, se instauró el culto a la invisibilidad. Pero algo del enigma Margiela se resuelve en este apasionante documental donde él mismo cuenta en primera persona su historia: su infancia, sus inicios en el mundo de la moda, su relación con el éxito, la conquista de París, el fichaje de Hermès, la compra de la marca por parte de Renzo Rosso… un viaje mágico que explica por qué Margiela fue más un movimiento social en los 90 que una simple marca y por qué miles de mujeres abrazaron entusiasmadas a un creador que no las veía como objetos, sino como personas reales, más intrigantes que sexys y más inteligentes que chic.
Esta es una pequeña selección de algunos de los 17 documentales programados en la nueva edición del festival Moritz Feed Dog. La programación al completo la puedes encontrar aquí.
La Barcelona Bridal Week 2022 ha cerrado el calendario de desfiles en la capital catalana. La feria internacional de moda nupcial, que se celebró del 20 al 24 de abril en la Fira de Barcelona, ha decidido apostar por una vuelta a la normalidad con los desfiles presenciales de 34 diseñadores dirigidos a profesionales y futuras novias, y también ha contado con un amplio espacio expositivo en el que han participado 320 marcas vinculadas con el sector nupcial y festivo.
Gratacós no ha querido perderse la oportunidad de volver a contemplar los desfiles en directo de los diseñadores nupciales que cuentan con nuestros tejidos en la elaboración de las nuevas colecciones de temporada. Es por eso que hemos estado atentos a cada look presentado porque nos asombra comprobar una vez más, como nuestros tejidos se convierten en sofisticados diseños de novia. Aquí te mostramos algunos de los looks nupciales más especiales de la temporada 2023.
Higar Novias
La empresa familiar sevillana Higar Novias, nacida en 1980 presentó la colección ‘Origen’, basada en el diálogo entre la costura y la arquitectura. La nueva propuesta se desarrolla partiendo de los patrones más emblemáticos, fusionándolos con líneas puras y actuales de la arquitectura contemporánea. Si hacemos foco en el detalle, a lo largo de la colección se aprecia la gran variedad de diseños sofisticados, femeninos y contemporáneos. Predominan los tejidos enriquecidos y jacquares monocolores, que conviven en armonía con siluetas y cuerpos semitransparentes, adornados con plumas, sobre tejidos ricos en pedrería, que combinan con amplias faldas de tul y con pequeños detalles brillantes.
En cambio, la colección de fiesta combina la versatilidad de la moda urbana y la elegancia que tanto caracteriza a los diseños de Higar Novias. Maxi estampados y bordados se combinan con una paleta de colores vivos en vestidos ceñidos en la cintura que cobran volumen en las faldas. También destaca la pedrería en cuerpos escotados y siluetas sirena muy femeninas, que invitan a amar la moda para las ocasiones especiales.
Isabel Sanchis
La nueva colección de Isabel Sanchis está inspirada en la diversidad cultural que caracteriza a sus clientes de todo el mundo, así como en su forma de entender la moda. Como resultado, la diseñadora valenciana ha creado piezas que parten de un prêt-à-porter trabajado, desde estampados geométricos cercanos al op art hasta piezas de costura con volúmenes y trabajos artesanales minuciosamente confeccionados, que son parte de la esencia de la firma. Isabel Sanchis ha querido mostrar lo mejor de la marca destacando el trabajo artesanal y la precisión del detalle. En cuanto a la paleta de colores de la nueva colección, además del negro, siempre presente en las colecciones de Isabel Sanchis, se ha introducido una gama de marrones, naranjas, pistachos y rosas que aportan optimismo y pasión por vivir.
Lorena Panea
Lorena Panea es un atelier y marca femenina que homenajea a los diseños de la Antigüedad, creando moda nupcial exclusiva y atemporal para la mujer contemporánea. La joven diseñadora presentó en esta ocasión la colección ‘Anatolia’. Un set de seis vestidos de novia de estilo boho, inspirado en las diosas antiguas de Mesopotamia, Egipto y Asia Menor. Los diseños recogen influencias étnicas y nómadas de esas caravanas que viajaban a través de los continentes esparciendo las creencias ancestrales y fundiendo los cultos de las antiguas deidades. Cada diseño se compone de tejidos trabajados como encajes, tules bordados y ornamentos llamativos.
Nicolás Montenegro
Nicolás Montenegro recoge el testimonio de la primera entrevista que le hizo Rossy de Palma, musa y amiga de la casa para rendirle homenaje. Así, ‘Savoir Fair’ es una colección preciosista y minuciosa que se crea a partir de la demanda de las clientas que exigen una costura elaborada, diferente y realizada con un selectivo patronaje sartorial. La propuesta se articula a través de tejidos ricos, como tules de seda, brocados italianos y pedrería con bordados realizados artesanalmente sobre bastidor, siguiendo las técnicas artesanales andaluzas. La novia de Nicolás Montenegro es sin duda una diva que se siente única y segura de sí misma.
Olga Macià
Olga Macià es una de las diseñadoras revelación de la moda nupcial y de fiesta. La creadora que se formó en la Escuela Superior de Diseño y Moda Felicidad Duce (FELI) escondió bajo la manga, la carta ganadora en una feria nupcial: el ‘As de corazones’. Así es como se llama la nueva propuesta nupcial y colección festiva 2023 que gira alrededor del simbolismo del amor. En la propuesta no faltaron arriesgadas transparencias, escotes vertiginosos, diseños cortos con largos y trajes de dos piezas que se fusionan con vestidos de fiesta en colores enérgicos y tonos brillantes. Los tejidos son texturas de fantasía, flores, transparencias, lentejuelas de colores y redes de impacto.
YolanCris
Yolancris, la marca española de diseño y confección artesanal de vestidos de fiesta y novia de las hermanas Yolanda y Cristina Pérez, volvió a sorprender en la Bridal Week con sus diseños revolucionarios que nacen desde la excelencia de la alta costura artesanal, dando cabida a todos los tipos y estilos de mujeres. En la diversidad y en el romper con los clichés de novia convencional, la firma encuentra como rendir homenaje a cada mujer exaltando su propia personalidad. En la línea ‘Touch’, Yolancris se ensalzaba la resiliencia, nacida durante la pandemia, mediante propuestas anti bride que representaban una nueva generación de novias con unos gustos y necesidades muy particulares. Por el contrario, ‘Origins’ retomó la esencia de Yolancris, recuperando el estilo boho para novias. Ahora, la colección ‘She’ continúa con los valores de Touch y Origins, pero con una apuesta firme que pone de manifiesto la individualidad y autenticidad de cada novia. Una sinfonía de tres estilos: bohemio, anti brida y alta costura en diseños más ricos y complejos que se adaptan, mejor que nunca, a la esencia de cada mujer.
Las nuevas generaciones del diseño nupcial
¿Y quiénes son los diseñadores de novia nupcial del futuro? IED Barcelona es una de las mejores canteras de diseño, una lanzadera de jóvenes talentos que se gradúan anualmente y esperan su primera oportunidad para entrar en el mundo de la moda. Este año, la escuela renovó sinergias con la Barcelona Bridal Fashion Week y estuvo presente en la feria mundial con un taller de flor textil que pone en valor el diseño sostenible a través del uso de tejidos de alta costura recuperados. Una materia prima que cedió Gratacós para que los alumnos pudieran recrear sus diseños. Este evento también sirvió para celebrar una nueva edición de los premios Scolarship for Talent by Gratacós. En esta ocasión, el primer premio recaía en Myriam Medina, alumna del Postgrado en Diseño de Vestidos de Novia y Ceremonia, por el modelo ‘Allegra’ de la colección La Toscana, Siena. Una propuesta inspirada en esta región del centro de Italia que protagonizará el próximo escaparate de mayo. No os perdáis la oportunidad de ver el vestido en directo en nuestro espacio de Barcelona.
Abril es el mes de la moda en Barcelona. A las puertas de una nueva edición de la Barcelona Bridal Fashion Week, hace una semana arrancaba la última edición del 080 Barcelona Fashion, con 22 desfiles virtuales de marcas y diseñadores que presentaron la nueva temporada en el Macba, dentro del edificio de carácter racionalista del arquitecto Richard Meier. Una nueva puesta en escena del imaginario y la creatividad que las marcas exhiben a través de fashion films de las colecciones de temporada que se pueden seguir visualizando en la página web de la pasarela catalana. Gratacós también ha seguido la actualidad de las nuevas emisiones de moda para comprobar, una vez más, como nuestros tejidos han cobrado forma gracias a los diseñadores que habitualmente confían en nosotros: Avellaneda, Eiko Ai, Menchen Tomás, Yolancris y Victor von Schwarz. Repasamos las nuevas propuestas y algunos de los looks clave.
Noches de verano
Fiel a su filosofía hedonista, el dandy Juan Avellaneda nos traslada a latitudes tropicales en su nueva colección de verano para seguir explorando la elegancia más relajada, inspirada en paraísos cálidos del norte de África. La propuesta se vertebra a través de tejidos naturales, tonos luminosos o encendidos como el rosa, el naranja y el coral, y patrones que, en líneas generales, pierden rigidez. También existen varios modelos de chaqueta, la prenda fetiche de la marca del diseñador barcelonés, que oscilan sin esfuerzo entre los guardarropas del hombre y la mujer. Los estampados se alejan de tópicos y abrazan una versión mediterránea del ikat que da carácter a faldas etéreas y esmóquines alérgicos al aburrimiento. Las prendas evocan la elegancia práctica de la sahariana y la sastrería clásica de aquellos veraneos de midcentury que inmortalizó Slim Aarons. Las blusas acarician el cuerpo y se entrelazan. Los pantalones bailan y los vestidos se pegan a la piel o despliegan fabulosos volúmenes y volantes, otro detalle 100% Avellaneda. En Au réveil il était midi, toda la ropa combina con todo, se armoniza y fluye para un verano perfecto.
La cálida luz del sol
Eiko Ai deslumbra con Lucid Dreams, una colección radiante inspirada en la vitalidad de la energía solar. Independientemente de la inspiración, la fórmula de Glò Lladó se mantiene firme en cada propuesta y consiste en potenciar la belleza de la mujer jugando con la delicadeza y la sensualidad. ¿Y cómo lo consigue? A través de siluetas vaporosas, tejidos etéreos que dejan entrever la piel y estampados evocadores que mezclan sofisticación sin abandonar el espíritu casual y cosmopolita de la firma barcelonesa. La nueva propuesta de verano de Eiko Ai potencia los vestidos tipo kimono, las blusas fluidas y las combinaciones de dos piezas donde no faltan las transparencias, los brillos sutiles y los estampados degradados con otros florales que rinden homenaje a esa visión mística de la mujer, como una ninfa urbana. La paleta de la colección emula positivismo, vida estival y luz dorada a través naranjas intensos que juegan con la gama de amarillos, blancos rosados y pinceladas de azul intenso del cielo.
La clase es la clase
Por su parte, Menchen Tomás nos recuerda la importancia de la herencia en Old Money, una colección que se inspira en la manera de vestir y de vivir de las familias estadounidenses que han conseguido traspasar la fortuna, la clase y el estatus de generación en generación. Una estética caracterizada por la sofisticación, la fusión entre lo clásico y lo contemporáneo y la elegancia atemporal, alejada de la cultura del logo y la ostentación. De esa interpretación, la firma barcelonesa aúna prendas de vestir como vestidos y faldas midi, pantalones anchos con pinzas, camisas de popelín infinitas con otras prendas más deportivas que podrían utilizarse para un día en un club de campo o una cena en un jardín, una noche de verano. Como detalle en tejidos no faltan las sedas, las organzas y las flores de tul en una paleta cromática vibrante: azul, verde lima, amarillo, rosa fucsia y rojo carmín.
Moda sin género
Victor von Schwarz forma parte de la nueva generación de jóvenes talentos que aportan creatividad y frescura en la pasarela 080. Esta vez, el diseñador barcelonés presentó una colección inspirada en las películas de la mafia asiática de los años 80 y 90, que tenían como centro de operaciones en los barrios rojos de ciudades como Taipei o Hong Kong. Victor von Schwarz apuesta por la moda sin género. Por eso, el diseñador, inspirado en la ropa oriental, crea piezas abiertas, que pueden encajar en cualquier persona, independientemente de su sexo o género. Las siluetas de la nueva propuesta de verano se dividen en dos bloques. El primero es muy brillante, con volúmenes, juegos de drapeados y transparencias que dejan entrever la piel. El segundo, parte de una silueta mucho más cuadrada y con variaciones de la chaqueta sastre clásica. En esta colección los tejidos se caracterizan por tener gran cantidad de fantasía. Las lentejuelas ganan presencia, desde estampado vichy hasta degrade brillantes. También destacamos laminados brillantes en base de viscosa y tules con estampados plateados. En cuanto a colores, los tonos pasteles y los colores espolvoreados se adueñan de la propuesta genderless.
Terciopelo negro
Yolancris esta vez participó en el 080 Barcelona Fashion con su colección de fiesta, dejando en barbecho el proyecto Y Como, su lado más experimental. La nueva propuesta ensalza el trabajo de artesanía que se respira en el propio taller donde prima el terciopelo, la piel y el color negro. Si ponemos foco en el detalle, al terciopelo se le han mezclado hilos dorados y se han incrustado encaje francés y macramés en una atrayente combinación. Priman también los binomios de color: dorado-negro y blanco-negro, y se separan con explosiones de vestidos monocolor: rojo y rosa empolvado. En cuanto a siluetas, la colección recoge algunas ideas de patrón clásicas combinadas con algunas licencias más atrevidas que se aprecian, por ejemplo, en las aberturas de los vestidos. En líneas generales, la propuesta de Yolancris pretende ser atemporal para convertirse en un fondo de armario para las ocasiones especiales.
Una edición más, los tejidos Gratacós han hecho su aparición en la Mercedes-Benz Fashion Week Madrid que se ha celebrado en la capital española a principios de marzo. Firmas como Brain & Beast, Dominnico, Fely Campo, Malne, Redondo Brand y Teresa Helbig han confiado en nuestros artículos para crear nuevos diseños para las colecciones Otoño-Invierno 22/23. Como siempre, te recopilamos algunos de los looks más destacados con tejidos Gratacós, así como el espíritu que ha querido transmitir cada diseñador. No está de más recordar que es un honor tener la confianza de estos creadores españoles que, año tras año, apuestan por nuestra empresa familiar.
Brain & Beast
Brain&Beast volvió a la pasarela madrileña -después de una edición ausente- para reivindicar la herencia de la firma barcelonesa con su habitual estilo caracterizado por el humor, las adivinanzas y los dobles sentidos a través del color, el estampado, los patrones desestructurados y las referencias a los ídolos de la cultura contemporánea. Esta vez en Puzzle, Ángel Vilda presentó una colección seasonless -ajena a las estaciones y las temporadas- que exhibía el ADN juguetón de la firma más transgresora de la Mercedes-Benz Fashion Week Madrid. Prendas con frases deconstruidas, estampados collage, como uno que mezcla los rostros de Alain Delon y Catherine Deneuve, denim por doquier y mezclas imposibles de estampados que parecen convivir sin molestar. En definitiva, outfits atrevidos y desenfadados que van más allá de la tendencia porque lo que buscan es reivindicar la autenticidad, un rasgo no siempre apreciado en la industria de la moda.
Dominnico
Domingo Lázaro, ganador del premio Who’s On Next 2021, nos trasladó con la propuesta Lovercross a un futuro distópico para bucear en los orígenes del cyberpunk y e grunge a través de siluetas de líneas aerodinámicas con el retro futurismo de la década de los 90 como hilo conductor. En la nueva propuesta de Dominnico no faltan los volúmenes ni las texturas entremezcladas: tweed, lamé, malla con pedrería, laminados, tafetanes, renylon o espumas con textura 3D, presentes en gabardinas largas, los vestidos de noche con escote asimétrico o las piezas de pelo imposibles. La inspiración dark también aparece representada con aplicaciones de pinchos, cuero negro y detalles metálicos. En cuanto a la paleta cromática utilizada, la firma barcelonesa creada en 2016, apuesta por los colores primarios y ácidos, como el naranja neón, fucsia, verde lima y manzana y azul Klein para contrastrar con el blanco y negro y el color plata. En general, esta nueva propuesta de Dominnico recuerda mucho al universo de las motos que también explora desde su particular visión, la cantante Rosalía. Veremos si juntos, establecen un nuevo diálogo entre la música y la moda.
Fely Campo
Si hay una diseñadora que ha visibilizado nuestros tejidos en la pasarela madrileña es Fely Campo. La creadora salamantina presentó una colección de prêt-à-porter de lujo inspirada en la belleza natural de los balcones de las Arribes y en su paisaje. Esta admiración se traslada en la propuesta bautizada como Diafonía a través del contraste de texturas: la belleza sutil de la naturaleza la dan los finos rasos, las transparencias, los tejidos vaporosos y los delicados reflejos que se abren paso sobre la fuerza de un paisaje más abrupto, compuesto por prendas de abrigo de tacto firme y tenaz como la lana. Las líneas de la colección más sobrias se componen de volúmenes sastre y prendas oversize que se presentan como una coraza. En definitiva, Diafonía construye un armario femenino que refleja la dureza y la delicadeza de un paisaje inspirador, a través de la contraposición de estéticas.
Malne
“La moda es el fulgor de un momento, y es también la inmortalidad de la belleza. La moda es tan efímera como inolvidable”. Bajo esta premisa se enmarcó la nueva propuesta Splendor de los diseñadores Paloma Álvarez y Juanjo Mánez, el tándem creativo de Malne. En la pasarela, esta colección invernal se entiende a través de la fusión de tejidos en una misma prenda o en la composición de cada look, los volúmenes en prendas clave con detalles que van desde las perlas a las plumas, y el binomio negro y blanco para representar el misterio y el brillo de la moda. Una propuesta elegante y atemporal para el armario femenino de las ocasiones especiales.
Redondo Brand
Jorge Redondo, director creativo de Redondo Brand, dio un giro contemporáneo a los estilismos de fiesta al reinterpretar los clásicos de la elegancia. De hecho, el diseñador recuerda de su infancia de como admiraba los espectaculares vestidos que se exhibían en las alfombras rojas y de cómo uno de sus sueños sería el de vestir a las estrellas del celuloide. Ese glamour forma parte de una firma que se define como “una marca de invitada muy democrática” porque adapta las grandes tendencias de las pasarelas a una mujer real. En la nueva propuesta, el eclecticismo de la americana se convierte en el eje central de la colección invernal, una inspiración que se fusiona con la esencia de Redondo Brand para crear volúmenes naturales, siluetas asimétricas y mezclas de color. Las fibras naturales como la seda, el algodón o la lana aparecen en diferentes acabados y, junto a trabajos bordados, cristales y brillos, conviven entre los tonos más ácidos y los más armonizantes. Esta propuesta sofisticada le ha valido al diseñador Jorge Redondo, el premio L’Oréal a la mejor colección de la MBFWM en su 75ª edición.
Hace tiempo que seguimos la trayectoria y admiramos las creaciones de Quique Vidal (Valencia, 1996), alma máter de Becomely, una marca de moda con personalidad propia. Si nos sigues en Instagram, habrás visto en nuestro feed, esos vestidos de silueta baby doll en tonos pastel y grandes volúmenes que solemos compartir del joven creador de 26 años. A pesar del espíritu naíf, el proyecto de Quique Vidal nada que ver ni con la ligereza ni la inmadurez. Todo lo contrario…
Los comienzos no son fáciles
Becomely se fundó de forma oficial en 2015. Antes, el joven diseñador había hecho algunos encargos para varias profesoras que le solicitaron vestidos para su graduación. Ese inicio espontáneo vistiendo a mujeres anónimas lo animó a mudarse a Madrid para buscarse la vida como diseñador. Participó en dos ocasiones en Samsung EGO, la pasarela de los talentos emergentes de MBFW Madrid. En paralelo, Quique Vidal vendía camisetas, calcetines y también su famosa bisutería de plástico biodegradable hecha con impresión 3D para asumir parte de los costes que le representaba producir y diseñar las colecciones presentadas. De hecho, actualmente el diseñador compagina su trabajo artístico en Becomely con su otro proyecto, Estudio Cartulina, empresa especializada en comunicación, brand consulting y producción. El artista pluriempleado es una realidad de muchos jóvenes del mundo de la moda.
Artesanía y producción bajo demanda
Becomely es una marca artesanal y sostenible que crea elaboradas piezas de edición limitada que se producen bajo demanda. La pandemia trastocó el modelo de negocio de Quique para evolucionar hacia nuevos canales más directos para los consumidores. Si antes vendían a través de la página web y en algunas tiendas seleccionadas que incluían países como Asia, ahora la firma española centra las ventas en las redes sociales, sobre todo, en Instagram. Este cambio permite un mayor contacto con la clientela: se le puede ofrecer un servicio más personalizado y también ajustar el presupuesto.
El diseño no ha cambiado. Becomely mantiene como emblema los vestidos baby doll con escote en V, mangas abullonadas y volúmenes también en la falda. Un modelo que se repite desde las primeras colecciones y en el que Quique Vidal va añadiendo variaciones: grandes botones, solapas camiseras, diferentes largos… El tejido que utiliza para la creación de sus diseños también es un elemento diferenciador. Apuesta por artículos vistosos: enigmáticos Jacquards, relieves táctiles, detalles como plumas, motivos brillantes, tejidos con volumen extra… siempre en tonos pastel como el rosa pálido, el azul bebé, el lavanda o el blanco roto. De hecho, no es ningún misterio que Quique Vidal consigue magnificar algunos de nuestros tejidos más especiales de cada temporada. Becomely también aprovecha los pequeños retales sobrantes de sus camisas y vestidos para crear nuevas piezas como bolsos, limosneras o sombreros. Una fórmula para llevar la sostenibilidad hasta sus últimas consecuencias.
Los diseños de Becomely ya han saltado al escenario a través de artistas como Amaia. La cantante apareció en su último videoclip, Yamaguchi, con un vestido blanco que sigue la estética reconocible de la marca y está fabricado como apuntábamos, con tejido deadstock: sobrantes de proveedores o talleres. También la actriz Emma Suárez se fijó en las creaciones de Quique Vidal y encargó un vestido para un estreno que tenía a principios de año.
La novia Becomely
Recientemente, Quique Vidal se ha atrevido con el diseño de un vestido de novia que mantiene los códigos estéticos de la marca. Se trata de un favorecedor modelo que conjuga una silueta minimalista con elementos románticos y detalles preciosistas. El vestido es largo con escote en V y tirantes presididos por enormes lazos. Una falda voluminosa en tejido Jacquard con relieve acaba de estructurar el diseño nupcial ideal para novias millennial o zetas. De hecho, es un modelo tan versátil que se puede lucir para una boda, una ocasión especial o para añadir fantasía a un look diario, siempre en función del calzado que se combine. Lo que está claro es que cada vez existen menos límites y barreras entre los estilismos formales o informales. ¡Qué cada uno lo interprete a su manera!
