Un enfant terrible es un genio precoz de ideas brillantes, pero de actitud rebelde y transgresora, cuyas creaciones son innovadoras y ofrecen una nueva visión rupturista, alejada de lo tradicional, ortodoxo o convencional. John Galliano, Jean-Paul Gaultier, Alexander McQueen son algunos de los enfants terribles más internacionales de la moda. En nuestro país también existen provocadores del hilo y la aguja. Algunos de los nombres más notorios los recupera la Fundació Antoni de Montpalau junto con la Fundación Rocamora en una nueva exposición titulada ‘Daviddelfín y otros enfants terribles de la moda’ que se inauguró el pasado 6 de febrero en Barcelona. La muestra consiste en una recopilación exhaustiva de la obra del diseñador malagueño, única en Cataluña, junto con la trayectoria rompedora y provocativa de otros diseñadores españoles, desde los años 80 hasta la actualidad.
La obra más extensa de David Delfín
La parte monográfica dedicada a David Delfín ocupa la primera planta de la Fundación Rocamora y reúne más de 60 piezas de indumentaria que repasan las colecciones del diseñador, desde 2001 hasta 2017, con algunas de las obras más emblemáticas. Junto con las piezas de ropa, también se incluye una selección de complementos como bolsos y zapatos.
Aunque Diego David Domíngez González, David Delfín, ya hizo algunos experimentos anteriores, su marca homónima nacería en 2001 en un proyecto conjunto junto los hermanos Postigo (Deborah, Gorka y Diego) y Bimba Bosé, musa y modelo del diseñador. Este novedoso proyecto iba más allá de la moda, mezclando teatro, música, pintura, poesía, fotografía y cine. Como marca, Davidelfín debutó en Barcelona en la pasarela alternativa Circuit con su primera colección ‘Openin’ Nite’. Un año más tarde daría el salto a la pasarela Cibeles de Madrid con la propuesta ‘Cour des Miracles’, inspirada en las películas de Luis Buñuel ‘Viriadina’ y ‘Belle de Jour’ y también en el cuadro ‘Los Amantes’ de René Margritte, pintado en 1928, en donde aparecen dos amantes encapuchados besándose.
Como homenaje al cuadro de Magritte las modelos desfilaron por la pasarela con el rostro encapuchado que recordaban a burkas árabes, sogas en el cuello y grandes rosarios de madera, algunas prendas confeccionadas con vendas sanitarias. Este desfile se malinterpretó y fue criticado en los medios de comunicación, tal vez por coincidir con la guerra en Afganistán. A pesar de la polémica, este desfile posicionó a la marca y un año más tarde, Davidelfín recibiría el premio L’Oreal a jóvenes diseñadores. A partir de este momento la creatividad autodidacta del diseñador no tuvo límites: Bimba Bosé sería la protagonista indispensable de sus desfiles y entre el público y los amigos de ambos, se convertirían en sus mejores embajadores. El diseñador siguió presentando sus colecciones en Cibeles y dio el salto en Nueva York en 2009 y 2010. La marca también fue galardonada en Marie Claire, Telva y en 2016, ganó el Premio Nacional de Diseño de Moda. Davidelfín también participó en numerosos museos, instituciones y galerías de arte en Barcelona, Madrid, Bilbao, Málaga, Venecia, Nueva York, Washington, México, Tokio y Moscú. Desafortunadamente, la carrera del prometedor creador se truncó en 2017 tras una lucha intensa contra un cáncer cerebral, unos meses después de la muerte de Bimba. David Delfín tenía solo 46 años.
Los otros enfants terribles
La exposición va un paso más allá y para acompañar el homenaje a Davidelfín, la Fundació Antonio de Montpalau ha escogido una serie de diseñadores que también han sabido romper moldes y ocupan la planta baja del palacete de verano de Manuel Rocamora.
Así, esta segunda parte de la muestra empieza con Luis Fortes, el polémico diseñador de los años 80 en Barcelona con propuestas muy atrevidas que se anticipaban incluso a las que haría, poco después, Thierry Mugler, creador francés recientemente fallecido.
Desde Madrid en la década de los 90, el dúo Vacas Flacas, formado por Carolina Azcona y Miriam Cobo, provocaría en la Pasarela Cibeles con sus prendas confeccionadas con bayetas, guantes, toallas, calcetines, cremalleras o bufandas. Una buena selección de que se puede ver en la exposición, entre las que destaca un espectacular abrigo hecho con bufandas del Barça. Recientemente, la actriz Milena Smit ha resucitado una de las camisetas más emblemáticas de la firma madrileña. La muestra también incluye cinco espectaculares trajes de Alaska, diseñados por Juan Pedro del Moral, Little Joe Couture, quien también ha ideado el estilismo de las Nancys Rubias. De hecho, la marca es también la que se encarga de vestir a los integrantes de Fangoria. De los años 90 también son las dos piezas que incluye la exposición de Estanislao, el creador del reconocido método de patronaje Eometric.
Por su parte, Bibian Blue, diseñadora célebre por sus bodis que lucen artistas internacionales como Katy Perry o Dolly Parton, fue una de las alumnas más aventajadas de Luis Fortes en los años noventa y creó su propia marca en el año 2000 consiguiendo gran aceptación dentro de la escena underground europea. La muestra incluye uno de sus espectaculares vestidos de alas de mariposa.
La muestra también tiene en cuenta a Mertxe Hernández. La diseñadora creó en 1997 su marca MTC y abrió una tienda en el Born, desde donde se dio a conocer. Después de presentar colecciones en Alemania, la creadora decidió dedicarse al mundo de la creación artística. De ella se incluyen algunas de las prendas que presentó en la pasarela ‘Colonia Fashion Days’, hechas con tejido de medias de poliamida.
Por último, la exposición también reúne prendas icónicas de Gori de Palma (Modafad, Gaudí y Cibeles) y de ¡Ánimo, Valiente! La firma de una diseñadora vasca afincada en Barcelona que trabaja con vaqueros reciclados y desde una decidida marginalidad. Una mención especial merece el último diseñador en participar en la muestra: el actual y mediático Palomo Spain, quien también ha querido incluir uno de los trajes más emblemáticos de su meteórica carrera.
¿Quién fue Pedro Rovira? ¿Por qué su obra ha quedado oculta durante décadas si fue una de las grandes agujas españolas? Coincidiendo con el centenario del nacimiento del modista Pere Rovira i Planas (1921-1978), el Museo de Badalona rinde homenaje a uno de sus hijos ilustres con una amplia retrospectiva que recupera la figura y el espíritu contemporáneo del legado del modisto badalonés.
En una monografía ilustrada presentada recientemente en paralelo a la exposición, Lorenzo Caprile asegura en su prólogo que Pedro Rovira “estuvo en medio de todo, pero se quedó a medio camino”, haciendo referencia a su muerte prematura que le impidió convertirse en leyenda. El diseñador badalonés consiguió desarrollar una identidad propia a lo largo de su carrera y fue capaz de abrazar dos corrientes antagónicas: empezó trabajando la Alta Costura más clásica a través de colecciones exclusivas y, luego, dio un giro hacia la moda democrática con producciones en serie más versátiles y plurales que acercaban el diseño a las nuevas generaciones de consumidoras, más allá de las élites burguesas. A nivel histórico, su legado también coincide en una época de transición: del fin de la dictadura al inicio de una nueva democracia con nuevas costumbres, necesidades y maneras de concebir la moda.
Del horno a la aguja
La familia de Pedro Rovira era propietaria de una panadería en Badalona, pero él tuvo desde la infancia, una gran pasión por la costura elaborando vestidos para las muñecas de sus amigas o pintando figurines. Una afición que no le gustaba a su padre. Empezó estudiando medicina, pero abandonó rápidamente la carrera por otro trabajo vinculado con la aguja: el badalonés Celso Roldós, oficial sastre de la prestigiosa casa Santa Eulalia de Barcelona, le enseñó el oficio. Muy pronto Rovira cumpliría su deseo de viajar a París en busca de nuevas oportunidades. Su ambición era elevada y quería perfeccionar la técnica. A la capital francesa se hizo amigo de Cristóbal Balenciaga, quien le influenciaría enormemente en sus inicios. De París se empapó durante dos años de las tendencias a través de los desfiles de moda de los principales modistas de la época. Cuando volvió en 1948, fundó su propio taller de alta costura en Barcelona, en el barrio de Gracia, aunque continuó viviendo en Badalona.
Auge e internacionalización
La fama de Pedro Rovira se extendió como la pólvora en los años 50. El savoir faire del diseñador, gracias a su bagaje parisino, junto con su magnetismo personal le propició rápidamente el reconocimiento de la burguesía catalana con el apoyo de varias damas de la alta sociedad que eren asiduas a sus diseños refinados. Más tarde, cuando cerró el atelier Balenciaga en 1968, algunas de las clientas del modista vasco como la marquesa de Torroella de Mongrí, María del Carmen Ferrer-Cajigal y su hija Carmen de Robert también llamarían la puerta de Rovira. De hecho, Pedro Rovira era hábil vistiendo a varias generaciones de mujeres de una misma familia con diseños versátiles y flexibles que se adaptaban a cada ocasión. Para Rovira, la moda era una servitud.
A finales de los años cincuenta, la fama de Pedro Rovira se extendió por Europa con desfiles en Frankfurt, Estocolmo, Milán y Venecia, y en 1964 sus diseños llegaron a Nueva York, seduciendo el público norteamericano. En esos viajes le acompañaban las modelos más ilustres del momento que ejercían de embajadoras de su estilo: María del Carmen Aznar, Carmen Paré e Isabel Martín eran las más habituales. Más tarde con el boom de las colecciones de prêt-à-porter, trabajaría con la modelo y empresaria Francina Díaz, la actriz Teresa Gimpera y algunas esporádicas como Nati Abascal, fotografiada por Antoni Bernad. El éxito internacional continuó en los sesenta y los setenta con la crítica en el bolsillo y los diseños de Rovira aparecían en las páginas de las prestigiosas revistas como Vogue, Harper’s Bazaar, Elle, Marie Claire. Después de haber sido aclamado en el ámbito internacional y de tener el reconocimiento de la crítica especializada, en 1964, finalmente, Rovira fue admitido en la Cooperativa de Alta Costura, que agrupaba a los modistos más elitistas del país como Pedro Rodríguez, Asunción Bastida, Manuel Pertegaz, Santa Eulalia y el Dique Flotante, considerados como los Cinco Grandes de la Moda Española. Junto con Rovira, el mismo año, también entró en la cooperativa Carmen Mir.
El año 1968 fue histórico para Pedro Rovira. En plena expansión de la marca, el diseñador decidió lanzar las primeras colecciones de moda democrática con distintas líneas para todas las edades, ocasiones y momentos. Eso fue un hecho remarcable en la historia de la moda española porque a pesar de algunos intentos por parte de otros diseñadores, nunca antes se habían lanzado propuestas serializadas con prendas de diseño a precios más asequibles. Los diseños prêt-à-porter de Pedro Rovira eran atrevidos pero muy llevables. Combinaban fantasía llevada al terreno de la calle a través de tejidos geométricos, estampados gráficos y colores vibrantes para una mujer cosmopolita y contemporánea que abrazaba la sociedad del cambio en España.
Un final inesperado
En los primeros años setenta la marca tuvo dos boutiques en Madrid y puntos de venta por toda la Península. Justo cuando la firma vivía su mayor esplendor hubo un revés que la condenó a una caída brusca y a su posterior olvido: la muerte precipitada del diseñador de un ataque en el corazón en 1978. Tenía solo 57 años. La firma que llevaba su nombre todavía funcionó durante un tiempo, puesto que había alcanzado mucha difusión y presencia en el mercado, pero sin el reclamo y la gran potencia creativa de Rovira, la marca tuvo que cerrar en 1980.
Un extenso legado
Después de un primer homenaje en el Museo del Traje de Madrid a cargo de la Fundació Antoni de Montpalau, el Museo de Barcelona ha desplegado toda la obra de Pedro Rovira en una gran exposición retrospectiva dedicada al modisto para conmemorar el centenario de su nacimiento. Esta muestra, abierta del 4 de junio hasta el 18 de octubre de 2021, representa una revisión amplia y completa de la obra del modisto badalonés: ocupa dos plantas del museo y está ordenada cronológicamente siguiendo la producción de Rovira desde los primeros años cincuenta hasta las últimas colecciones de 1978. Unos ochenta de vestidos y más de cien dibujos proceden de la Col·lecció Antonio de Montpalau, colaboradora de la iniciativa, y se exponen también piezas procedentes del fondo del Museu de Badalona y de los herederos de Rovira. Completa el homenaje un documental que rescata la memoria de su legado y una monografía ampliamente ilustrada. Un extenso homenaje para sacar del olvido la gran figura de Pedro Rovira y colocarla donde se merece en la historia de la moda española.
Lo ha vuelto a hacer. Mans Concept Menswear se ha llevado otra distinción que avala su originalidad, buen saber hacer y proyección futura que tiene esta revolucionaria firma de sastrería masculina, creada por Jaime Álvarez (Sevilla, 1994).
Esta vez, MANS ha sido el ganador del premio Vogue Who’s On Next 2020, un prestigioso galardón que tras nueve años consecutivos apoyando el talento emergente se ha convertido en el más importante de la moda española al estar dotado de 100.000 euros para desarrollar un plan de negocio, gracias a la colaboración de Inditex. Este premio también incluye la inscripción en ACME (Asociación de Creadores de Moda de España) sin pasar por la votación de la asamblea general y la posibilidad de participar en la siguiente edición de Mercedes-Benz Fashion Week Madrid. Además del apoyo y la cobertura editorial de la revista Vogue España. Mans Concept se impuso así, finalmente a los otros dos finalistas al premio: Dominnico y Ynésuelves.
Un giro conceptual a la tradicional sastrería
¿Y por qué Mans? ¿Qué le hace especial? Si aún no conoces la firma, te interesa seguir leyendo. Mans Concept tiene su origen en 2017, en el proyecto de tesis del joven sevillano, Jaime Álvarez tras sus estudios de Diseño de Moda en el IED de Madrid. Su propósito era revolucionario: forjar un nuevo concepto de masculinidad a través de la sastrería, desafiando sus códigos más tradicionales. Precisamente, el nombre Mans procede de Demans, de origen alemán, uno de los apellidos del diseñador y director creativo de la marca. Acortándolo a ‘Mans’ indica la búsqueda de una nueva sastrería, más personal y actualizada. Un nuevo planteamiento del hombre actual. Y ese es el principal propósito de esta visionaria firma de prêt-à-porter.
Así, Mans Concept se centra en sastrería masculina a medida a partir de la reinterpretación de los patrones clásicos. De hecho, la firma está influenciada tanto por los talleres de ‘Saville Row’ como por las técnicas japonesas, ambas presentes en todas sus colecciones. Lo que hace diferenciadora a la firma de Jaime Álvarez es ese énfasis en las líneas depurando cortes y logrando una imagen vanguardista en siluetas y acabados que no pierden la esencia tradicional. La firma busca una estética masculina adaptada a la actualidad con cortes limpios, colores al servicio del concepto e innovación en los tejidos que son elegidos personalmente por el propio Álvarez y se exportan desde Inglaterra, Italia, Japón y España, siendo Gratacós uno de sus proveedores habituales. Con toda esta materia prima, Mans Concept diseña y produce de forma local, dos colecciones anuales con ropa que se posiciona dentro del sector medio-lujo y en el que cada pieza cuenta con su propio detalle. El objetivo es ofrecer un armario masculino completo e híbrido con prendas básicas de calidad, versátiles y un diseño progresivo, enfocado a personas seguras de sí mismas y de lo que buscan.
En su corta trayectoria, Mans Concept ha participado en cuatro ocasiones en la pasarela 080 Barcelona Fashion y ha recibido en tres de ellas el reconocimiento al Mejor Diseño Emergente, y también ha desfilado en otra ocasión en la pasarela MBFW Madrid.
El anuncio de Mans Concept como firma ganadora de la novena edición de Vogue Who’s On Next también supone la constatación del empuje creativo de una nueva hornada de diseñadores españoles cuyo nexo en común es el amor por la confección hecha en España, el aprecio por la artesanía, la ruptura de las barreras de género, y una proyección internacional que deja huella en diversas alfombras rojas. La llaman la generación WON, integrada por ganadores de ediciones anteriores como Marcela Mansergas (2012), Juan Vidal (2013), Maria ke Fisherman (2014), ManéMané (2015), Moisés Nieto (2016), Leandro Cano (2017), Palomo Spain (2018), Carlota Barrera (2019) y, la última incorporación Mans Concept (2020).
¡Enhorabuena Jaime Álvarez por esta nueva distinción!
¡Y llegó el momento! La hora de la fiesta y del desenfreno. De los atuendos ornamentados y los tejidos con destellos que brillen con luz propia para celebraciones diarias acompañadas por largas noches que reclaman un dress code más fastuoso, donde la creatividad y la fantasía trabajan al servicio de la sofisticación. Esos looks festivos que sacan la mejor versión de uno mismo porque ya se sabe que el “yo” más resplandeciente habita en Navidad. Una época que desde Gratacós nos gusta especialmente por todo su simbolismo cultural y religioso.
En esta época de celebraciones queremos mostraros la colección más fantasiosa del invierno. Aquella donde el oro y la plata son los protagonistas de los tejidos más suntuosos que ganan en riqueza compositiva, tacto y volumen. También ha llegado el momento de acercarse a otros productos que exploran el lado más fantasioso de la moda a través de lentejuelas, pedrerías, bordados e hilos metalizados, entre otros.
Dorado
¿Sabías que el color oro no es ni el más amado ni más odiado? Y aún así es una tonalidad que tiene doble rasero a nivel de significado. En su vertiente esplendorosa el oro se asocia a la belleza, al triunfo, a la riqueza y a la felicidad. Es símbolo de valor y poder. En su lado oscuro, este metal precioso también tiene fuertes vínculos con el materialismo, la vanidad y hasta la arrogancia. Los tesoros son dorados o el majestuoso palacio de Versalles se rinde al oro, que se asocia al lujo en su máxima opulencia. En materia de tejidos, rendimos pleitesía al oro a través de plisados, lentejuelas, bordados y lamés, que crean suaves patinas doradas en tonalidades más vistosas o apagadas.
Plateado
El plateado es el color que proviene del metal que le da nombre, la plata. Las primeras asociaciones a esta tonalidad tan de moda tienen a ver con la riqueza, el dinero o el éxito, pero también de frialdad, avaricia o prepotencia. Como su hermano dorado, tiene una connotación antagónica. Mirando el lado positivo del color, el plateado es una tonalidad también vinculado con el lujo y la fiesta que se asocia a la innovación, al futuro, al movimiento y al progreso. No en vano de color plata se visten las tendencias futuras, la arquitectura vanguardista, los mecanismos tecnológicos o las novedades más innovadoras. En tejidos, destacamos las inagotables lentejuelas que tanto triunfan en época festiva y los destellos metálicos del lamé. También algún tejido de fantasía de temática espacial.
Larga vida al color
No toda la paleta cromática vinculada con la fiesta tiene que ver con los tonos metalizados y lo importante es escoger tejidos que atraigan la luz a través de sus fascinantes destellos. Esta temporada en la variedad anda el juego, la clave reside en el brillo del tejido. Así, en nuestro espacio conviven los atrayentes verdes esmeralda, con la feminidad de los rosas empolvados, los enigmáticos malvas y violetas y la apuesta que nunca falla: el clásico rojo en todas sus versiones. Desde el vibrante carmesí al elegante granate. ¿Cuál encaja más contigo?
Más allá de las propuestas, también te invitamos a qué entres a nuestro espacio de Barcelona a conocer las últimas novedades y queremos que te dejes sorprender por el nuevo escaparate de temática festiva que han ideado los alumnos de IED Barcelona para estas fechas tan especiales. La inspiración celestial con un ángel como protagonista sirve de contexto para expresar la feminidad más glamurosa en un look hechizante en tonos rosados, que empodera y atrae todas las miradas. ¡Felices fiestas a todos!
Potser detallaria al final, quan parlem de l’aparador, que el que van fer els alumnes és un àngel. Ho pot semblar o no… jejeje però com que és el concepte que ells van desenvolupar per idear l’apador, no está de més mencionar-ho i vincular-ho amb Nadal.
