El rosa ya no es solo un color atribuido tradicionalmente a la feminidad, al encanto o a la cortesía. La tonalidad que proviene del nombre de una flor se ha despojado de sus atributos delicados para abanderar en la actualidad nuevos simbolismos que evocan al coraje, la fuerza o la valentía. Llega el poder del pink power en la industria de la moda. No estamos hablando de un rosa cualquiera. La tonalidad pink se refiere a un rosa chocante. El rosa fuerte y chillón que tiene algo de violeta y que los expertos del color llaman “magenta”.
Sabías que…
La modista italiana Elsa Schiaparelli, que llevó a la moda las ideas de los pintores surrealistas, lanzó en 1931 un nuevo color: shocking pink, una mezcla de magenta y una pizca de blanco (parecido al fucsia). Un color que la diseñadora usó en moda para provocar y desafiar las normas establecidas. En paralelo, también creó un perfume que llamó del mismo nombre y se vendía en una caja de aquel color, dentro de la cual había un frasco con la forma de un busto femenino. Este lanzamiento dejó literalmente en shock al público porque nadie había creído que el rosa pudiera ser tan agresivo. El rosa pink no tiene ninguna de las cualidades femeninas tradicionales.
La revolución rosa
El rosa está y sigue estando en boga. Más allá de la tonalidad vinculada a una generación, el rosa millennial, la industria de la moda ha aprovechado el tirón de la popularidad de este controvertido color para subir el tono en prendas, complementos y accesorios con su vistosidad y cierta rebeldía. El pink imprime carisma. No en vano, fue uno de los colores preferidos que se exhibieron en la alfombra roja de los Oscar 2019. Y ya sabe que en la red carpet más poderosa e influyente del mundo, no hay nada que se deje al azar.
De rosa pink fue la actriz Julia Roberts, que entregó el premio a mejor película a ‘Green Book’ enfundada con un vestido de Elie Saab. Un diseño con corte asimétrico, fruncido en la cintura y bajo con volantes de distinta longitud que ponía el broche final a la gala. De vibrante rosa fue el comentado estilismo de Linda Cardellini firmado por Schiaparelli confeccionado en tul con escote en V, largo asimétrico y una delicada cola que se extendía a lo largo del suelo. O el despampanante diseño de Valentino con cuello elevado que lució la actriz y modelo británica Gemma Chan.
El rosa también fue el color preferido por Sarah Paulson, la actriz de ‘American Horror Story’ que sucumbió a su poder con un vestido de abertura cut out de gran volumen de Brandon Maxwell. Por su parte, la actriz británica Helen Mirren lució un vestido vaporoso de Schiaparelli. Una propuesta con escote en forma de V y fruncido en la cintura que jugaba con diferentes intensidades de rosa. Angela Basset, una de las actrices de la película ‘Black Panther’ también optó por la versión más brillante y metalizada de este color en un modelo de Reem Acra de escote asimétrico.
Sin lugar a dudas, el rosa pink dará mucho que hablar este 2019.
La noticia dejó en shock a la industria de la moda, que en cierta manera se queda huérfana al perder a uno de sus emblemáticos (y controvertidos) diseñadores contemporáneos. La era de Karl Lagerfeld ha llegado a su fin y quizás aún cuesta de creer que pudiera tener límites para esta mente incansable que no abandonó el oficio hasta el final. El icónico modisto de origen alemán murió el pasado martes a los 85 años en París. Existían rumores que la salud de Karl estaba debilitada o que su retirada era inminente. De hecho, su ausencia en el desfile de la colección primavera-verano 2019 el pasado enero ya había desatado las primeras alarmas, ya que el kaiser de la moda no había faltado a ninguna de sus citas desde sus comienzos en Chanel, en 1983. Se consideró el diseñador más longevo al frente de una casa de costura. El único junto a Armani que siguió en activo más allá de los 80 y que más allá de la dirección creativa, fue un reconocido artista a nivel mundial. Vale la pena destacar que Karl Lagerfeld fue homenajeado por su trayectoria en los British Fashion Awards en 2016.
Las condolencias por la pérdida de Karl Lagerfeld no se han hecho de esperar y entre el alud de personalidades notorias del sector que han mostrado su dolor y alabado la genialidad del kaiser destacan las declaraciones de las tres firmas por las cual trabajó hasta el último suspiro: Fendi y Chanel. “Le debemos mucho: su buen gusto y el talento fueron los más excepcionales que he visto jamás”, defendía su amigo Bernard Arnault, presidente y consejero delegado del imperio de lujo LVMH. “Siempre recordaré su imaginación inmensa, su capacidad de concebir nuevas tendencias, su energía inagotable, la virtuosidad de sus dibujos, su cuidadosamente guardada independencia, su cultura enciclopédica y su humor y elocuencia únicos”. Por su parte, a través de un un comunicado, Chanel también ha mostrado su dolor por la pérdida alabando la figura de Karl como clave en el proceso de resurrección de la maison francesa. Así se expresaba Alain Wertheimer, CEO de Chanel: “Gracias a su genio creativo, generosidad e intuición excepcional, Karl Lagerfeld se adelantó a su tiempo, lo que contribuyó ampliamente al éxito de Chanel en todo el mundo”. Karl también lideraba la firma con su propio nombre. Pier Paolo Righi, CEO de Karl Lagerfeld así lo declaraba: “El mundo ha perdido a un icono. Karl Lagerfeld fue un genio creativo; influyente, curioso, fuerte y pasional. Deja atrás un legado extraordinario como uno de los grandes diseñadores de nuestro tiempo”.
El hombre que resucitó Chanel
De la extensa y prolífica trayectoria del polifacético Karl Lagerfeld, el kaiser ha pasado a la historia por ser el director artístico que logró resucitar una firma que se consideraba anticuada. Sí, hablamos de Chanel, un negocio en decadencia hace 36 años. “Hemos perdido una mente creativa extraordinaria a la que le di carta blanca a principios de los 80 para reinventar la marca”, recordaba en el mismo comunicado el presidente de Chanel, Alain Wertheimer. Así, Karl heredó la creatividad del imperio de Gabrielle en enero de 1983 y lo más difícil: logró modernizar los clásicos de la célebre maison sin perder su esencia: los conjuntos de tweed, los vestidos negros, los bolsos icónicos, las perlas, los zapatos bicolores, las camelias… Todo lo que pasaba bajo la óptica de Karl recibía un nuevo reenfoque de acuerdo con el público y las necesidades de cada época. Esto posicionó nuevamente a Chanel como un modelo de negocio global y transversal que marcó las bases de la industria del lujo actual.
Su trabajo no tenía fin y los ritmos eran taquicárdicos. Lagerfeld creaba 10 colecciones anuales para la casa francesa y otras dos para la italiana Fendi. Ahora la dirección artística recae en manos de Virginie Viard, su mano derecha. Viard trabajó mano a mano con el kaiser durante más de 30 años y Chanel le ha encargado “seguir el legado de Gabrielle y Karl” en el mismo comunicado.
Sin término medio
Karl Lagerfeld nunca dejó indiferente a nadie. Ni por ética ni por estética. No fue un hombre de términos medios. Su estilo era su arma y armadura exterior: siempre vestido de negro, camisa blanca impoluta, cabello con coleta corta, decenas de anillos, mitones y sus inconfundibles gafas de sol. “Soy una caricatura de mí mismo, y me gusta. Para mí, el carnaval de Venecia dura todo el año”, aseguraba. Tampoco pasaban desapercibidos sus juicios controvertidos, auténticos “zascas” para quien los recibía. Calificar a la cantante Adele como “un poco demasiado gorda” o frases polémicas como “Odio a los niños”, “La clase media no tiene suficiente clase”, “Compra tallas pequeñas y menos comida”, Los estampados florales son para mujeres gordas de mediana edad”, “Sé políticamente correcto, pero no molestes al resto con conversaciones sobre serlo…” fueron algunas de estas perlas de Lagerfeld.
Sobre sucesiones. Viard ya está claro que le sucederá en el trono de Chanel, aunque la pregunta ahora es si se convertirá en una diseñadora de transición ante la quiniela de nombres que siempre acechan a este constante ‘Juego de Tronos’ de la moda. Y sobre la herencia, Karl fue soltero y sin hijos, aunque seguramente su mediática gata Choupette, heredará algo de su fortuna. En consideración sí que la tenía: “Choupette es como una mujer reservada. Tiene personalidad. Almuerza y come conmigo en la mesa, con su propia comida. Y no toca mi comida. No quiere comer en el suelo. Duerme sobre una almohada y hasta sabe cómo usar un Ipad”. Ella conocía su lado más tierno y hogareño.
Foto portada y making of de la campaña 2019 con Penélope Cruz: Cortesía de Chanel
El legado de Dior aterriza en Londres y no de forma discreta precisamente. En febrero, el Victoria and Albert Museum (V&A) acoge la mayor exposición jamás realizada en el Reino Unido dedicada a la maison Dior. Su magnitud no tiene precedentes. De hecho, es la más grande que el museo le haya dedicado a la moda desde la que se realizó en su día en honor al difunto Alexander McQueen: Savage Beauty en 2015.
Basada en la gran exposición ‘Christian Dior: Couturier du Rêve’, organizada por el Museo de las Artes Decorativas de París para conmemorar el 70 aniversario de la casa francesa, la nueva muestra se reinventa para el V&A. Evidentemente, la esencia es la misma: constituye un homenaje sin precedentes al maestro Christian Dior rastreando toda su trayectoria y el impacto de uno de los modistos más influyente del siglo XX. “En 1947, Christian Dior cambió el rostro de la moda con su nueva imagen al redefinir la silueta femenina y revitalizar la industria de la moda parisina de posguerra”, según ha explicado Oriole Cullen, curadora de moda y textiles en V&A.
La muestra también se centra en la historia posterior hasta nuestros días, pasando por los seis directores artísticos que lo sucedieron y que ya se han convertido en una entidad de culto por si mismas dentro y fuera de Dior: desde los atrevidos diseños de Yves Saint Laurent hasta el estilo racional de Marc Bohan, la extravagancia de Gianfranco Ferré, la exuberancia de John Galliano, el minimalismo de Raf Simons y la visión feminista de la moda de Maria Grazia Chiuri. En este sentido, la exposición muestra cómo cada artista de las agujas se mantuvo fiel a la visión de Dior y a su vez, aportó su propia voz y sensibilidad creativa a la masion francesa.
Dior y su fascinación por el Reino Unido
Lo verdaderamente novedoso es que esta exposición cuenta con una sección completamente nueva que explora, por primera vez, la fascinación del diseñador por la cultura británica. Dior admiraba la grandeza de las casas y los jardines de la Gran Bretaña, así como los transatlánticos de diseño británico como el Queen Mary. También tenía preferencia por los trajes de Savile Row. En 1947 realizó su primer desfile en la capital británica, en el Savoy Hotel, y en 1952 ya había establecido Christian Dior London. En esta nueva sección también se exhibirán las colaboraciones creativas de Dior con influyentes fabricantes británicos, así como sus clientes ingleses más notables, desde la autora Nancy Mitford hasta la bailarina de ballet Margot Fonteyn o la princesa Margarita, que lució un vestido de Christian Dior en la celebración de su 21 cumpleaños. Éste será una de las piezas principales expuestas en febrero, gracias a la cortesía del Museo de Londres que lo ha prestado para la ocasión. La muestra, asimismo, evocará los espectaculares desfiles de Dior realizados en las casas señoriales más lujosas del Reino Unido, incluido el Palacio de Blenheim en 1954
El evocador título de la exposición no deja lugar a dudas: ‘Christian Dior: Designer of Dreams’ abarca por supuesto, todas las “maravillas” expuestas en París: más de 500 prendas y objetos, con más de 200 prendas inauditas de alta costura que verán la luz junto con accesorios, fotografías de moda, fragmentos de películas, perfumes de época, maquillaje original, ilustraciones, revistas y hasta objetos personales de Christian Dior. También muestra los aspectos más destacados de las colecciones de Alta Costura de V&A, incluyendo el icónico Bar Suit, que se presentó el mismo año de lanzamiento de la marca e influenció las siluetas de cintura de avispa y las faldas abombada de la década de los 50. A su vez, la exhibición destacará la visión de la feminidad de Dior y el relevante papel que han jugado las flores en la maison: un emblema de la casa desde tiempos inmemoriales que ha inspirado siluetas, bordados y estampados.
‘Christian Dior: Designers of Dreams’ se inaugura el 2 de febrero y estará en vigencia hasta el 14 de julio. Es sin duda una ocasión para revivir la memoria del legendario modista de los sueños. Una oportunidad única para soñar despierto ante tanta belleza.
Fotos: Cortesía de Dior
Las lentejuelas no son sólo sinónimo de celebración. En todo caso, tampoco vamos a negar lo contrario porque es evidente que durante los períodos festivos -principalmente entre Navidad y Nochevieja- es cuando lucen en su máximo esplendor. Pero ¿por qué nos empeñamos a reservar este tejido brillante para las ocasiones especiales?
El cambio ya ha empezado. En las últimas temporadas, hemos observado como, poco a poco, las lentejuelas han conquistado el asfalto protagonizando los atuendos diarios de celebridades y personalidades destacadas del mundo de la moda. En varios tamaños desde el XS al XL, creando vistosos mosaicos gráficos o en bloques de color, en esta transición a la moda de calle, las lentejuelas se han asomado en todas sus versiones para dar ese aire radiante a los looks diarios.
¿Cómo combinar estas cuentas brillantes en el día a día? La clave, más que en el tejido, se encuentra en la propia prenda y en la manera como se combine. La prenda estrella de la temporada es la falda midi estrecha. Una pieza ideal para sumar brillo a un atuendo diario sin riesgo de equivocar-se. Esta prenda se puede combinar con prendas neutras como suéteres básicos, camisas blancas o abrigos en tonos apagados, que atenúen el efecto brillante de las lentejuelas. De esta forma se consigue un outfit elegante, atrevido y juvenil.
Más allá de la falda o los pantalones estrechos, se pueden utilizar otras prendas con lentejuelas que también son fácilmente combinables como un top con tirantes, una camiseta o un jersey fino. Un truco para integrarlo con tu vestuario es jugar a las superposiciones: se trata de un recurso efectivo para combinar varias prendas restando el efecto bling bling de las lentejuelas.
Por último, hay una prenda que mantiene todo su poder si se elabora con tejido de lentejuelas: son las chaquetas cortas y blazers. Una opción versátil y socorrida para los estilismos nocturnos. Para rebajar su intensidad, es recomendable llevar un look en blanco y negro debajo. Aún así, su efecto brillante hace que, con lentejuelas, nunca se pase desapercibida.
En Gratacós, te mostramos una selección de tejidos de lentejuelas muy variada y colorista para que inventes con ellos las prendas que protagonizarán los looks de la nueva temporada. ¡Imaginación al poder!
La moda y la ilustración han mantenido desde siempre un vínculo muy próximo. De hecho, esta alianza no es ningún fenómeno nuevo. En el siglo pasado, el dibujo se utilizaba como vehículo de transmisión de las tendencias dando forma a las propuestas más creativas del sector. La ilustración crea un lenguaje visual que conecta con el arte y le aporta valores añadidos como la originalidad, la autenticidad, la identidad. Esta disciplina también es capaz de apelar a los consumidores, especialmente los jóvenes, que ven en la ilustración un canal de expresión genuino para mostrar un producto o una marca.
Actualmente, la ilustración experimenta una nueva etapa dorada con una hornada de artistas que plasman en anuncios, campañas, colecciones, lookbooks, revistas de moda, … sus planteamientos singulares al compás del negocio al que representan. Soportes cada vez más innovadores que consiguen crear ese anhelado efecto sorpresa. Estos neo ilustradores se dan a conocer a través de las redes sociales (especialmente en Instagram) como plataforma de difusión global de su trabajo. La conocida revolución digital del trabajo individual donde cada like hace que el trabajo del artista sea más universal.
Este auge también ha propiciado que, en los últimos años, la línea entre el arte y la ilustración de moda se ha desvanecido y a estos creadores se les ha dejado de poner el adjetivo de “comerciales”. Hoy, muchos coleccionistas de arte contemporáneo buscan desesperadamente obras originales de estos ilustradores, a la vez que surgen galerías de arte especializadas. Es el momento para reivindicar la ilustración de moda como una forma de arte en sí misma.
Conscientes de este nuevo auge y poder, el Museo ABC ha impulsado una exposición que abarca el fenómeno de cerca. Así, bajo el título ‘Fina estampa. Ilustración y moda’, la muestra recoge un total de veintidós artistas (nacionales e internacionales, emergentes y establecidos) que trabajan con la ilustración y la pasarela, con más de 150 obras originales expuestas. “Es el momento de reivindicar la ilustración de moda como una forma de arte en sí misma. Y qué mejor que coincidiendo con su Segunda Edad de Oro y reuniendo a aquellos creadores que han revolucionado el sector en las últimas décadas” ha dicho Jesús Cano, comisario de la muestra.
“Es el momento de reivindicar la ilustración de moda como una forma de arte en sí misma”
Una historia que empieza con la firma de maestros como Mats Gustafson, David Downton, Aurore de la Morinerie, François Berthoud, Jean-Philippe Delhomme, Unskilled Worker, Gill Button, Hiroshi Tanabe, Jason Brooks, Tanya Ling o Jordi Labanda, y que continúa con voces como Ricardo Fumanal, Richard Haines, Jowy Maasdamme o Richard Kilroy. Más de la mitad de los artistas seleccionados son mujeres que están marcando el paso. Entre ellas, encontramos nombres como Blair Breitenstein, Laura Gulshani, Inés Maestre, Hellen Bullock, Amelie Hegardt, Cecilia Carlstedt o Rosie McGuinness.
La exposición #FINAESTAMPA_ pretende sintetizar este preciso momento a través de trabajos, estéticas y técnicas que se emplean en la segunda década del siglo XXI. Una radiografía de una disciplina subjetiva y abstracta que crea emociones y proximidad donde el producto deja de ser algo físico para convertirse en un ente abstracto, apetecible e inspiracional. La muestra es también un homenaje a la historia personal de cada ilustrador que protagoniza la muestra.
#FINAESTAMPA_ se podrá ver del 15 de enero al 19 de mayo de 2019 en la sede del museo y forma parte del programa oficial de la segunda edición de Madrid Design Festival.
¿Quién soy?
Soy Nerea More, pero me conoceréis (o quisiera que me conocierais) como Ene de Narcisa. Tengo 24 años, soy diseñadora de moda y ejerzo actualmente como Community Manager. Podría decir que me encuentro recién salida del horno porque terminé mis estudios hace dos veranos.
¿Dónde estudié?
Estudié en Idep Barcelona la especialización de Diseño e Imagen de Moda, y cursé el Postgrado de Comunicación para marcas de moda gracias a la beca Idep Gun.
¿Quién es mi alter ego?
Ene de Narcisa nace en 2018 a través de un experimento digital que trata de crear contenido personal para Instagram haciendo hincapié en el narcisismo y el gran ego que surge en las redes sociales. Un proyecto que continúa evolucionando, junto a la necesidad de creación de diseño y la participación en proyectos de moda como Sastreria Moderna.
“Mi proyecto hace hincapié en el narcisismo y el gran ego que surge en las redes sociales”
¿Cómo me defino?
Mi estilo a la hora de diseñar oscila entre los conceptos “athleisure”, “urban couture” y “street couture”. Es decir, trato de diseñar prendas que buscan sinergias entre la ropa deportiva y la alta costura. En cada diseño intento mezclar la funcionalidad y la comodidad, con detalles y patrones que requieren el tiempo y la elaboración de las prendas hechas a medida.
¿En qué me he especializado?
Mi especialidad en el mundo del diseño es la ropa femenina. Quizás porque intento diseñar prendas que me gustaría vestir a mí y que nos hagan sentir empoderadas. No puedo elegir especialidad ya que cuando diseño intento mezclar diseño de plana, punto circular y crear piezas que parten del volumen sobre maniquí “moulage”.
¿Cómo me reconoceréis?
Estoy a punto de lanzar mi primera colección como Ene de Narcsia y os puedo adelantar que no faltaran los mensajes en los tejidos de algunas prendas. Estos me ayudan a dar solidez al concepto de la marca y refuerzan la historia que quiero contar. Además, de esta forma consigo aportar el punto deportivo que siempre necesito para que la propuesta sea redonda. Tampoco puede faltar la combinación de tejidos técnicos con otros materiales más sofisticados como la seda, la lana o incluso los Jacquards de brocados metálicos. Esta mezcla hace la diferencia y es donde yo me siento en casa.
“Intento diseñar prendas que me gustaría vestir a mí y que nos hagan sentir empoderadas”
Este es mi proyecto.
Mi primera colección fuera del ámbito académico ha sido para la pop up de Sastreria Moderna. En este evento efímero diseñé tres piezas (cazadora, falda y vestido) para una propuesta especial junto a otras diseñadoras. El título de esta micro colección capsula era ‘Sin subtítulos’ porque quería expresar que no siempre se necesita un concepto o una justificación para crear algo. En este sentido, reivindico el concepto de crear por crear, el de hacer las cosas por amor al arte y, en este evento, con la única condición de crear prendas con los maravillosos tejidos de Gratacós.
¿Dónde me podéis seguir la pista ahora?
De momento en Instagram @Enedenarcisa y ya os avanzo que es donde van a empezar a ocurrir cosas en breve. Físicamente, también me podéis encontrar en el departamento de comunicación de Idep Barcelona, donde trabajo como Community Manage.
Gratacós es para mí…
Gratacós es el lugar donde se cuece todo. Donde nacen las primeras ideas y el lugar de partida de cualquier diseñador que quiere crecer.
Me lo llevo de la tienda…
¡Todo! Y si tuviera que elegir un tejido una fantasía de lentejuelas multicolor.
Corren buenos tiempos para los tonos metalizados que adquieren identidad propia dentro de la moda, más allá de su tradicional vinculación con la fiesta, el lujo y el exceso. Así, en las pasadas temporadas, hemos comprobado como los tejidos metálicos se han adueñado poco a poco de la pasarela en prendas, accesorios y complementos que abrazan un estilo más desenfadado, explorando lo urbano y lo deportivo en un festival estético que entrelaza formas y volúmenes contrastados.
Aun así, la proximidad de las fechas navideñas casi “nos obliga” a recuperar la faceta convencional de los tonos metálicos porque es precisamente en esta época del año donde más presencia tienen en las propuestas festivas. Entre todos los tejidos que irradian luz propia nos centramos con los dos colores brillantes por excelencia que en ocasiones se suelen oponer: el oro y la plata.
La fiebre del oro
El oro siempre se ha asociado a la opulencia, al estilo clásico, a las ornamentaciones barrocas y al lujo en su máximo esplendor. Es el color de la riqueza y de la majestuosidad, del gusto por el exceso. Un tono cálido y ultra luminoso que empodera, resplandece y abruma a su vez porque no acepta medias tintas. El preferido del Rey Midas se mueve entre lo clásico y lo moderno con tejidos que captan la atención de todas las miradas. ¡Resulta imposible que pase desapercibido!
El oro se adueña, por ejemplo, de los tejidos en pedrería, de los plisados y del lamé creando patinas doradas que crean fascinantes juegos ópticos. También está presente en los tejidos de lentejuelas con otras tonalidades más apagadas como el oro viejo o en ricos bordados florales combinados con otros colores como el rojo o el negro.
Plata futurista
Lejos de ser “el hermano menor” del oro, el color plata ha adquirido, en las últimas temporadas, identidad propia explorando su faceta más transgresora. En moda, es también una tonalidad lujosa que se asocia con la modernidad, el movimiento, la tecnología y la innovación. En este sentido, el color plateado es visto como el símbolo del progreso, de lo funcional, lo dinámico y lo técnico mostrando un gran poder de atracción que se vincula con los avances que están por venir como el campo de la ingeniería espacial. De aquí que el color plata se vincula, en ocasiones, con las utopías futuristas.
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Esta tonalidad fría se aleja de los tejidos lisos y se apropia de originales texturas como las arrugadas que se asocian al papel de aluminio. En las pasarelas de la actual temporada, destacan algunos vestidos de Calvin Klein 205W39NYC, los matices tornasolados de Emporio Armani o los tejidos con efecto holograma de Balmain. Por último, abundan también los tejidos malla y de grandes lentejuelas brillantes que crean un seductor efecto espejo. Dos clásicos que forman la esencia de Paco Rabanne.
Mircoles 28 noviembre 2018
El Museo Nacional de Mujeres Artistas (NMWA) de Washington D.C acoge por primera vez una exposición de moda y lo hace estrenándose a lo grande, alojando el trabajo meticuloso de Rodarte. Así, bajo el título ‘Rodarte’, la muestra explora el universo de la célebre casa de moda de lujo estadounidense, fundada tan solo hace 13 años por las hermanas Kate y Laura Mulleavy. Una exposición que desvela los conceptos visionarios de las diseñadoras, su impecable artesanía y su impacto en la industria de la moda. Teniendo en cuenta que, actualmente solo el 14% de las grandes firmas de moda están lideradas por mujeres, esta muestra ubicada en un museo dedicado al arte femenino es toda una declaración de intenciones.
En concreto, ‘Rodarte’ explora los rasgos distintivos de su diseño, la concepción creativa y los temas e inspiraciones recurrentes que posicionan el trabajo de las hermanas Mulleavy dentro del arte y la moda contemporánea. No se trata de una retrospectiva, algo que los propios comisarios de la muestra han dejado claro desde un principio, ya que la firma es muy joven y sus fundadoras no llegan a los cuarenta años, sino un acercamiento al imaginario de Rodarte a partir de los distintos elementos que forman su identidad. Estos rasgos se desvelan a lo largo de los 94 looks completos que forman parte de las 12 temporadas presentadas por la firma californiana. Además, también se han incluido los trajes de bailarina que las hermanas Mulleavy crearon para la película ‘Black Swan’ de Darren Aronofsky, así como el vestuario de su primera película ‘Woodshock’. Unas prendas que destilan el concepto de feminidad moderna que sostiene Rodarte junto con otras influencias como su pasión por la naturaleza y la humanidad. Una mezcla perfecta de fuerza y delicadeza que también se aprecia en la gran variedad de tejidos empleados combinados con meticulosas técnicas de alta costura. No en vano, Rodarte es una de las firmas que más elogios ha recibido en el mundo del arte y de la moda desde sus inicios en 2005.
La exposición ‘Rodarte’ estará abierta al público hasta el 10 de febrero.
La moda concebida como arte
Rodarte fue fundada en 2005 en Los Ángeles (California) fruto de la imaginación y la creatividad de Kate y Laura Mulleavy. Licenciadas en historia del arte y literatura, las hermanas carecían de una formación especializada en diseño de moda cuando empezaron, pero tenían audacia, intuición y un gusto exquisito por la técnica, la artesanía y el detalle. Con estos talentos, conquistaron a la industria de inmediato. En esta breve trayectoria de trece años, Rodarte ha ganado docenas de premios desde su primer desfile e instituciones como el Metropolitan Museum of Art’s Costume Institute se ha hecho con piezas de la firma. Sus prendas, entre postapocalípticas y oníricas, buscan esa dualidad que tiene la belleza, entre lo oscuro y lo luminoso, con múltiples referencias que abarcan temas tan recurrentes como el cine, el arte y la naturaleza.
Rodarte debutó en 2005 en la Semana de la Moda de Nueva York con un éxito rotundo y tras presentar las últimas colecciones en París, este año han decidido regresar a la Gran Manzana, ciudad donde atesoraron su primer triunfo. Un retorno que coincide con esta exposición en Washington de una de las firmas de lujo con más proyección internacional en la actual industria de la moda.
Viernes 16 noviembre 2018
Éxito de convocatoria de la nueva edición de ‘Cuaderno de Tendencias’, una iniciativa didáctica bianual, que reúne en el espacio Gratacós, a decenas de estudiantes de varias escuelas de diseño para conocer las principales tendencias globales que marcarán la temporada Otoño-Invierno 2019/2020. Una charla distendida e instructiva que imparte Úrsula Uría portavoz en España de la prestigiosa agencia de investigación Nelly Rodi para explicar los colores y las texturas que marcarán las pautas del próximo invierno.
Como premisas generales que influenciarán en la concepción de las colecciones de moda de la temporada AW19/20, Uría ha remarcado una situación económica y social compleja: “No hablamos de crisis, pero si de un parón que afecta a muchos sectores y que comporta la radicalización”. La polarización de la política, el auge de los movimientos migratorios, las reivindicaciones sociales… son algunos de los fenómenos que seguirán marcando la industria de la moda. “Las colecciones que surjan van a ser más transgresoras y alternativas”, explica la portavoz en España de Nelly Rodi. Nombres actuales como Palomo Spain y su feminización del hombre, el retorno de Agatha Ruiz de la Prada con su esencia colorista o la cantante Rosalía con su giro rompedor al flamenco, son algunos ejemplos que, según Uría, muestran esta tendencia general hacia lo alternativo.
Úrsula Uría: “Las colecciones de moda van a ser más transgresoras y alternativas”
A partir de este escenario, Nelly Rodi dibuja cuatro tendencias de moda que engloba dentro de las siguientes categorías: Master, Ride, Oddity y Spirit.
1. MASTER
Una tendencia minimalista que representa el retorno de la sastrería y del patronaje desde el punto de vista del rigor y el perfeccionismo. Vuelven las prendas bien hechas, la artesanía, los trazados geométricos y la funcionalidad.
Referencias visuales: el origami, la geometría, las matemáticas, las esculturas, las líneas rectas, los trazos definidos, el diseñador Issey Miyake, la última campaña de Dior hombre, Tilda Swinton para Gentle Monster o la propuesta de colorterapia de Arket.
Siluetas: Predominan los trazos rectos, las líneas bien marcadas y las prendas versátiles y funcionales.
Colores: Hacen referencia a lo industrial y giran alrededor de los grises y los azules. No aparece el negro y los tonos tinta son los que dan profundidad. También se lleva el color block de un solo tono.
Tejidos: Los acabados brillantes, los acolchados y la experimentación en tejidos técnicos.
Público: Un consumidor racional que compra productos selectivos y caros. Sabe lo que quiere y lo consume a consciencia.
2. RIDE
Una tendencia premium inspirada en el mundo de las carreras (caballos y coches) y de la velocidad. Apela a la reinvención de los clásicos como ya han hecho firmas como Burberry, Hermès o Loewe.
Referencias visuales: el mundo ecuestre, el concepto del club privado, las sagas, las amazonas, el prestigio del uniforme y la autenticidad elegante de las it girls (Carlota Casiraghi, Olivia Palermo, Marta Ortega) con familias vinculadas al mundo del caballo.
Siluetas: Las prendas estructuradas, la geometría, las chaquetas bikers con siluetas reformuladas…
Colores: Las tonalidades de marrones y el rojo Ferrari que aporta un punto de calidez.
Tejidos: Un retorno de los tejidos clásicos como el ante, la piel, las aplicaciones de pelo y los estampados de cuadros inspirados en los jinetes.
Público: Un consumidor que conoce las historias de las marcas y que da valor a las sagas familiares. Consume productos que tienen una historia detrás, un savoir faire bien marcado.and
3. ODDITY
Una tendencia juvenil que se inspira en los movimientos reivindicativos desde el punto poético. Lo alternativo que no es agresivo, sino que transgrede desde la creatividad. Tiene un punto hippy.
Referencias visuales: la portada de Vogue USA del empoderamiento de la mujer, los movimientos sociales, las comunidades, la identidad, la estética grunge, el activismo y la colaboración, el concepto princesa Peter Pan, el eco-activismo, el futurismo y las flores marchitas.
Siluetas: Las sobreposiciones, la experimentación de materiales, las capas, las aberturas sorprendentes… prendas funcionales y muy tecnológicas.
Colores: El gris látex, el azul eléctrico y los tonos dulces (colores pastel).
Tejidos: El mohair, el plástico, el lúrex… La experimentación de tejidos alternativos.
Público: Un público joven que busca apelar una reivindicación a través de la moda. La moda como canal de expresión de un mensaje.
4. SPIRIT
Una tendencia festiva basada en el romanticismo y la sensualidad más teatral. Hay un retorno al refinamiento y a la ostentación con materiales sofisticados. También expresa movimiento con siluetas y tejidos suntuosos que expresan las formas de la mujer.
Referencias visuales: la danza de los siete velos, las reminiscencias estéticas del art noveau, la ciudad de Estambul, el teatro, la seducción, las flores XXL como gardenias y orquídeas, el cantante Bruno Mars, Dolce & Gabbana y el lujo excesivo.
Siluetas: La vuelta de los trajes y la camisería, los abrigos largos y las siluetas fluidas con movimiento con reminiscencias románticas.
Colores: Los colores saturados e intensos. Las tonalidades malvas, lilas y moradas.
Tejidos: Las texturas ricas y aterciopeladas y los Jacquards florales.
Público: Un comprador que busca la emoción, la seducción y la teatralidad. La moda es su arma para impresionar a los demás.
Este otoño es especialmente colorido con tonos saturados y brillantes que irradian fuerza y energía para los meses más oscuros del año donde lo usual es que predominen las gamas neutras y las tonalidades pálidas. Ahora es, ¡justo lo contrario!
Primero fueron los colores neón, luego el naranja como transición entre el verano y el otoño, y ahora llegan otros tonos dentro de la paleta de los fríos dispuestos a coger el relevo. Según un Informe de tendencias de Pantone (la autoridad internacional del color), los colores para Otoño-Invierno 2018 “expresan nuestra necesidad de individualidad, ingenio y creatividad”. Son tonos otoñales inesperados que se complementan con otros más tradicionales y que irradian estas ganas de romper con las estructuras estacionales. El mismo informe apunta que son “colores expresivos que reinventan la historia del color estacional y permiten que la moda juegue con el arte y la originalidad”.
A continuación, te desvelamos cuatro tonos que iluminan los looks de otoño y que ya se han visto en las pasarelas:
- Red Pear
Este rojo es el más apetecible de la paleta y quizás también el más clásico de los colores de moda. El Red Pear es un rojo intenso y delicado que atrae por su exquisita profundidad. Es un color seductor (recuerda al borgoña), que admite una gran variedad de tonalidades y en tejidos da mucho juego gracias a su versatilidad con relieves y texturas totalmente evocadoras. Firmas como Elie Saab, Bottega Veneta, Roksanda, Givenchy, Lanvin u Oscar de La Renta han incorporado este tono en sus propuestas otoñales creando looks fáciles de combinar.
- Ultra Violet
Esta tonalidad la tenemos más presente en nuestras mentes porque Pantone lo escogió como color del año 2018. Cuando creíamos que se quedó en una simple mención, esta tonalidad radiante de violeta aparece en todo su resplandor en las colecciones de otoño. Un tono atrevido vinculado con la creatividad y la imaginación. En tejidos como el terciopelo, el Ultra Violet adquiere un lado más sofisticado, aunque también da juego en bordados y en Jacquard florales. En la pasarela, firmas como Moschino, Tibi, Salvatore Ferragamo, Marni o Dolce & Gabbana se han atrevido con esta variedad de violeta.
- Crocus Petal
Seguimos con las tonalidades violetas para centrarnos ahora en su versión más suave. Crocus Petal, es según Pantone “un tono cultivado y refinado que aporta una sensación de ligereza”. Es una tonalidad pastel muy femenina que dulcifica rasgos y se desmarca del resto por su carácter único. Un color que potencia el movimiento y que en tejidos se aprecia muy bien sobre texturas suaves, lisas y con leves reflejos. En la pasarela, el Crocus Petal se ha visto en diseños de Acne Studios, Miu Miu, Ashley Williams.
- Quetzal Green
Profundo, evocador, sofisticado… este tono de azul verdoso es sencillamente arrebatador. Un color que abunda en la naturaleza en ciertos plumajes de aves para destacar ante las hembras de su misma especie: patos, pavorreales… Una preciosa mezcla de azules profundes y turquesas que se alinea con la elegancia y que admite prácticamente todas las texturas que resaltan los matices de este color tan rico. En la pasarela se han impregnado de Quetzal Green firmas como Alexander McQueen, Alberta Ferretti, Paul Smith o Self-Portrait
