Hace tiempo que seguimos la trayectoria y admiramos las creaciones de Quique Vidal (Valencia, 1996), alma máter de Becomely, una marca de moda con personalidad propia. Si nos sigues en Instagram, habrás visto en nuestro feed, esos vestidos de silueta baby doll en tonos pastel y grandes volúmenes que solemos compartir del joven creador de 26 años. A pesar del espíritu naíf, el proyecto de Quique Vidal nada que ver ni con la ligereza ni la inmadurez. Todo lo contrario…

Los comienzos no son fáciles

Becomely se fundó de forma oficial en 2015. Antes, el joven diseñador había hecho algunos encargos para varias profesoras que le solicitaron vestidos para su graduación. Ese inicio espontáneo vistiendo a mujeres anónimas lo animó a mudarse a Madrid para buscarse la vida como diseñador. Participó en dos ocasiones en Samsung EGO, la pasarela de los talentos emergentes de MBFW Madrid. En paralelo, Quique Vidal vendía camisetas, calcetines y también su famosa bisutería de plástico biodegradable hecha con impresión 3D para asumir parte de los costes que le representaba producir y diseñar las colecciones presentadas. De hecho, actualmente el diseñador compagina su trabajo artístico en Becomely con su otro proyecto, Estudio Cartulina, empresa especializada en comunicación, brand consulting y producción. El artista pluriempleado es una realidad de muchos jóvenes del mundo de la moda.

Artesanía y producción bajo demanda

Becomely es una marca artesanal y sostenible que crea elaboradas piezas de edición limitada que se producen bajo demanda. La pandemia trastocó el modelo de negocio de Quique para evolucionar hacia nuevos canales más directos para los consumidores. Si antes vendían a través de la página web y en algunas tiendas seleccionadas que incluían países como Asia, ahora la firma española centra las ventas en las redes sociales, sobre todo, en Instagram. Este cambio permite un mayor contacto con la clientela: se le puede ofrecer un servicio más personalizado y también ajustar el presupuesto.

El diseño no ha cambiado. Becomely mantiene como emblema los vestidos baby doll con escote en V, mangas abullonadas y volúmenes también en la falda. Un modelo que se repite desde las primeras colecciones y en el que Quique Vidal va añadiendo variaciones: grandes botones, solapas camiseras, diferentes largos… El tejido que utiliza para la creación de sus diseños también es un elemento diferenciador. Apuesta por artículos vistosos: enigmáticos Jacquards, relieves táctiles, detalles como plumas, motivos brillantes, tejidos con volumen extra… siempre en tonos pastel como el rosa pálido, el azul bebé, el lavanda o el blanco roto. De hecho, no es ningún misterio que Quique Vidal consigue magnificar algunos de nuestros tejidos más especiales de cada temporada. Becomely también aprovecha los pequeños retales sobrantes de sus camisas y vestidos para crear nuevas piezas como bolsos, limosneras o sombreros. Una fórmula para llevar la sostenibilidad hasta sus últimas consecuencias.

Los diseños de Becomely ya han saltado al escenario a través de artistas como Amaia. La cantante apareció en su último videoclip, Yamaguchi, con un vestido blanco que sigue la estética reconocible de la marca y está fabricado como apuntábamos, con tejido deadstock: sobrantes de proveedores o talleres. También la actriz Emma Suárez se fijó en las creaciones de Quique Vidal y encargó un vestido para un estreno que tenía a principios de año.

La novia Becomely

Recientemente, Quique Vidal se ha atrevido con el diseño de un vestido de novia que mantiene los códigos estéticos de la marca. Se trata de un favorecedor modelo que conjuga una silueta minimalista con elementos románticos y detalles preciosistas. El vestido es largo con escote en V y tirantes presididos por enormes lazos. Una falda voluminosa en tejido Jacquard con relieve acaba de estructurar el diseño nupcial ideal para novias millennial o zetas. De hecho, es un modelo tan versátil que se puede lucir para una boda, una ocasión especial o para añadir fantasía a un look diario, siempre en función del calzado que se combine. Lo que está claro es que cada vez existen menos límites y barreras entre los estilismos formales o informales. ¡Qué cada uno lo interprete a su manera!

Un enfant terrible es un genio precoz de ideas brillantes, pero de actitud rebelde y transgresora, cuyas creaciones son innovadoras y ofrecen una nueva visión rupturista, alejada de lo tradicional, ortodoxo o convencional. John Galliano, Jean-Paul Gaultier, Alexander McQueen son algunos de los enfants terribles más internacionales de la moda. En nuestro país también existen provocadores del hilo y la aguja. Algunos de los nombres más notorios los recupera la Fundació Antoni de Montpalau junto con la Fundación Rocamora en una nueva exposición titulada ‘Daviddelfín y otros enfants terribles de la moda’ que se inauguró el pasado 6 de febrero en Barcelona. La muestra consiste en una recopilación exhaustiva de la obra del diseñador malagueño, única en Cataluña, junto con la trayectoria rompedora y provocativa de otros diseñadores españoles, desde los años 80 hasta la actualidad.

La obra más extensa de David Delfín

La parte monográfica dedicada a David Delfín ocupa la primera planta de la Fundación Rocamora y reúne más de 60 piezas de indumentaria que repasan las colecciones del diseñador, desde 2001 hasta 2017, con algunas de las obras más emblemáticas. Junto con las piezas de ropa, también se incluye una selección de complementos como bolsos y zapatos.

Aunque Diego David Domíngez González, David Delfín, ya hizo algunos experimentos anteriores, su marca homónima nacería en 2001 en un proyecto conjunto junto los hermanos Postigo (Deborah, Gorka y Diego) y Bimba Bosé, musa y modelo del diseñador. Este novedoso proyecto iba más allá de la moda, mezclando teatro, música, pintura, poesía, fotografía y cine. Como marca, Davidelfín debutó en Barcelona en la pasarela alternativa Circuit con su primera colección ‘Openin’ Nite’. Un año más tarde daría el salto a la pasarela Cibeles de Madrid con la propuesta ‘Cour des Miracles’, inspirada en las películas de Luis Buñuel ‘Viriadina’ y ‘Belle de Jour’ y también en el cuadro ‘Los Amantes’ de René Margritte, pintado en 1928, en donde aparecen dos amantes encapuchados besándose.

Como homenaje al cuadro de Magritte las modelos desfilaron por la pasarela con el rostro encapuchado que recordaban a burkas árabes, sogas en el cuello y grandes rosarios de madera, algunas prendas confeccionadas con vendas sanitarias. Este desfile se malinterpretó y fue criticado en los medios de comunicación, tal vez por coincidir con la guerra en Afganistán. A pesar de la polémica, este desfile posicionó a la marca y un año más tarde, Davidelfín recibiría el premio L’Oreal a jóvenes diseñadores. A partir de este momento la creatividad autodidacta del diseñador no tuvo límites: Bimba Bosé sería la protagonista indispensable de sus desfiles y entre el público y los amigos de ambos, se convertirían en sus mejores embajadores. El diseñador siguió presentando sus colecciones en Cibeles y dio el salto en Nueva York en 2009 y 2010. La marca también fue galardonada en Marie Claire, Telva y en 2016, ganó el Premio Nacional de Diseño de Moda. Davidelfín también participó en numerosos museos, instituciones y galerías de arte en Barcelona, Madrid, Bilbao, Málaga, Venecia, Nueva York, Washington, México, Tokio y Moscú. Desafortunadamente, la carrera del prometedor creador se truncó en 2017 tras una lucha intensa contra un cáncer cerebral, unos meses después de la muerte de Bimba. David Delfín tenía solo 46 años.

Los otros enfants terribles 

La exposición va un paso más allá y para acompañar el homenaje a Davidelfín, la Fundació Antonio de Montpalau ha escogido una serie de diseñadores que también han sabido romper moldes y ocupan la planta baja del palacete de verano de Manuel Rocamora.

Así, esta segunda parte de la muestra empieza con Luis Fortes, el polémico diseñador de los años 80 en Barcelona ​​con propuestas muy atrevidas que se anticipaban incluso a las que haría, poco después, Thierry Mugler, creador francés recientemente fallecido. 

Desde Madrid en la década de los 90, el dúo Vacas Flacas, formado por Carolina Azcona y Miriam Cobo, provocaría en la Pasarela Cibeles con sus prendas confeccionadas con bayetas, guantes, toallas, calcetines, cremalleras o bufandas. Una buena selección de que se puede ver en la exposición, entre las que destaca un espectacular abrigo hecho con bufandas del Barça. Recientemente, la actriz Milena Smit ha resucitado una de las camisetas más emblemáticas de la firma madrileña. La muestra también incluye cinco espectaculares trajes de Alaska, diseñados por Juan Pedro del Moral, Little Joe Couture, quien también ha ideado el estilismo de las Nancys Rubias. De hecho, la marca es también la que se encarga de vestir a los integrantes de Fangoria. De los años 90 también son las dos piezas que incluye la exposición de Estanislao, el creador del reconocido método de patronaje Eometric. 

Por su parte, Bibian Blue, diseñadora célebre por sus bodis que lucen artistas internacionales como Katy Perry o Dolly Parton, fue una de las alumnas más aventajadas de Luis Fortes en los años noventa y creó su propia marca en el año 2000 consiguiendo gran aceptación dentro de la escena underground europea. La muestra incluye uno de sus espectaculares vestidos de alas de mariposa.

La muestra también tiene en cuenta a Mertxe Hernández. La diseñadora creó en 1997 su marca MTC y abrió una tienda en el Born, desde donde se dio a conocer. Después de presentar colecciones en Alemania, la creadora decidió dedicarse al mundo de la creación artística. De ella se incluyen algunas de las prendas que presentó en la pasarela ‘Colonia Fashion Days’, hechas con tejido de medias de poliamida.

Por último, la exposición también reúne prendas icónicas de Gori de Palma (Modafad, Gaudí y Cibeles) y de ¡Ánimo, Valiente! La firma de una diseñadora vasca afincada en Barcelona que trabaja con vaqueros reciclados y desde una decidida marginalidad. Una mención especial merece el último diseñador en participar en la muestra: el actual y mediático Palomo Spain, quien también ha querido incluir uno de los trajes más emblemáticos de su meteórica carrera. 

El escaparate es una carta de presentación visual de quiénes somos, qué hacemos y cómo lo hacemos. Una entrada estética que atrae al visitante, pero también justifica nuestro trabajo: la creación de tejidos de calidad que permitan haceros soñar. Durante este año incierto os hemos intentado sorprender con escaparates artísticos que juegan con conceptos que nos representan como el lujo, la elegancia, la fantasía, la evasión o la cotidianidad a través de nuestros maniquís que se han vestido con los tejidos más espectaculares de la temporada junto con otros elementos que esperamos que os hayan sorprendido. Un moulage nupcial, un picnic en clave chic o una interpretación femenina de los Reyes Magos. Son algunas de las escenas que habéis podido observar a través de la ventana de nuestro espacio Gratacós.

Ahora sí, antes de dar la bienvenida al nuevo año, aprovechamos este post para despedir 2021 con la certeza de que ha sido un año de transición que nos ha permitido mantenernos estables gracias a la cohesión entre equipos y vuestro apoyo y confianza en esta marca de tejidos familiar. Albergamos nuevas perspectivas para 2022 y queremos seguir adelante con nuevos artículos que destacaran por su calidad, creatividad y capacidad para sorprendente. Emocionaros, en definitiva. ¡Feliz Año Nuevo!

Marzo 2021. Nuevo rumbo

Un año después del inicio de la pandemia nos despertamos soñando con planificar las vacaciones que se acercaban con una relajación de las restricciones. Semana Santa, los puentes de mayo y la no tan lejana desconexión estival. El inicio de la primavera también marcó un escaparate de inspiración minimalista protagonizado por dos maniquís vestidas para la ocasión para rendir homenaje a esas celebraciones nupciales que volvían a la palestra. Sastrería, detalles en plumas y dos tonos antagónicos que captan el incipiente cambio de estación: el verde bosque y el rosa empolvado.

Abril 2021. Campanas de boda

Como manda la tradición, abril es el mes nupcial por excelencia y desde Gratacós reservamos siempre este escaparate para visibilizar el trabajo de una de las ganadoras del concurso de moulage del postgrado de diseño de vestidos de novia de IED Barcelona. Se trata de una oportunidad que ofrecemos para dar a conocer el trabajo de los nuevos talentos del diseño nupcial. Este año, Eva Escudero elaboró este impresionante vestido de novia de diseño asimétrico y gran falda vaporosa siguiendo los pasos de esta singular técnica de corte y confección.

Mayo 2021. Espíritu campestre

En el mes de las flores, la firma Joplin Atelier de las hermanas Laura y Aida Molano convirtió nuestro espacio de entrada en un picnic urbano de aires provenzales. Los vestidos de tul con pequeños lunares elaborados con nuestros tejidos, los detalles en lazadas y los tonos pastel protagonizaron un escaparate en clave chic con multitud de detalles para llevar a cabo esta merienda al aire libre. Una representación artística que retrata el espíritu de evasión que nos conecta con la naturaleza.

Julio 2021. Tiempo de evasión

El mes estival por excelencia es un homenaje a las verbenas, a la diversión y el desenfado manteniendo esa actitud hedonista para tomarse la vida un poco más a la ligera, disfrutando de todos los placeres terrenales. Julio es de carácter fresco, juvenil y atrevido como demuestra el atuendo de nuestra maniquí en tejido de cuadros vichy rosa. ¡Qué empiece la fiesta!

Septiembre 2021. Volver a empezar

Septiembre es el mes oficial de los inicios. La nueva temporada, el cambio de estación, la vuelta a las rutinas… ilustramos el mes más ajetreado del calendario haciendo un homenaje a la comodidad a través de una gabardina tipo albornoz elaborada en tweed verde pistacho, todo hilo tintado muy atrevido, de tacto lanero y peso grueso. Una alfombra de hojas secas marca el comienzo del otoño que en Barcelona es ligero y suave. 

Octubre 2021. El mes rosa

Se le llama el mes rosa porque es reconocido mundialmente con este color femenino para crear conciencia a hombres y mujeres sobre el cáncer de mama y promover la autoexploración, las revisiones y chequeos para poder detectarlo a tiempo. Nuestro homenaje al mes más delicado, sutil y romántico lo hizo Rosa Cano, alumna de la ESDI, Escuela Superior de Diseño con estos modelos de tejidos contrapuestos que juegan con toda la gama de pasteles y nudes. ¡Uno de los escaparates más espectaculares del año!

Noviembre 2021. ¡Qué empiece la fiesta!

La proximidad de las fiestas navideñas convierte noviembre en un mes de preparativos. Compras que se adelantan, luces que se encienden y la búsqueda de los outfits más sorprendentes para llenar de magia las fiestas. La diseñadora Claudia del Institut Català de la Moda (ICM) presenta tres modelos de la colección ‘Ritmos’. Vestidos voluminosos con metros y metros de sugerente organza para celebraciones llenas de fantasía.  

Diciembre 2021. Las tres reinas

Acabamos el año contando de nuevo con la colaboración de Joplin Atelier y su propuesta en clave femenina. Nuestras “Tres Reinas Magas” son un homenaje a la fortaleza de la mujer, capaz de lidiar todos los ámbitos de su vida con empeño y maestría. Ellas son la piedra filosofal de muchas familias y en especial durante el ajetreo de las fiestas navideñas. Las maniquís comparten turbante y corona a conjunto con sus vestidos cortos de cuello cerrado y mangas abullonadas elaboradas con raso de acetato y lamé. Bajo sus pies resguardan todos los regalos, el símbolo del acto de compartir (y recibir).

Diciembre es el mes de los ritos y las tradiciones marcadas especialmente por la Navidad y la cercanía con nuestros seres queridos. Para los diseñadores, hay una que se espera con cierto entusiasmo: la de conocer finalmente el color que marcará el año siguiente y que dicta por estas fechas, Pantone. La autoridad mundial del color ha vuelto a comunicar la tonalidad que marcará el año 2022 en ámbitos tan multidisciplinares como el diseño, el arte, la publicidad o la moda. Se llama Very Peri y es una tonalidad novedosa basada en el color lila que, según aseguran, “mantiene una atrevida presencia y estimula el ingenio y la creatividad personal”. ¿Tiene mejor carta de presentación?

Como ya sabéis, la elección anual de un color no se hace al azar ni es fruto del capricho porque conlleva un profundo estudio y análisis de tendencias por parte de los trendhunters del Pantone Color Institute. Con un estudio profundo del impacto que tendrán diversas exposiciones, obras de arte, películas que se estrenarán el próximo año, los destinos más populares, las nuevas tecnologías y en conjunto, el estado de ánimo global, tienen una discusión meticulosa y dimensionan la impresión que cada aspecto tendrá. Antes de cerrar el año, los expertos han revelado lo que nos depara el 2022.

“La creación de un color nuevo por primera vez en la historia de nuestro programa de colores es el reflejo de un proceso de innovación y transformación a nivel mundial” asegura Laurie Pressman, vicepresidenta del Instituto Pantone del Color.

“El Pantone Color of the Year es el reflejo de lo que está ocurriendo en nuestra cultura mundial y expresa la respuesta a lo que las personas buscan en este color”, asegura Laurie Pressman, vicepresidenta del Pantone Color Institute”. Y añade: “La creación de un color nuevo por primera vez en la historia de nuestro programa de colores educativo Pantone Color of the Year es el reflejo de un proceso de innovación y transformación a nivel mundial. A medida que la sociedad reconoce los colores como una forma de comunicación fundamental y como una manera de expresar, captar, conectar e influir en ideas y emociones, esta nueva y compleja tonalidad azul fusionada con un rojo violáceo resalta el abanico de posibilidades que se nos presenta”.

En este caso, al englobar las cualidades de los azules y, al mismo tiempo, contar con un matiz rojo violáceo, PANTONE 17-3938 Very Peri muestra una actitud alegre y animada, así como una presencia dinámica que estimula la valentía de crear y una expresión imaginativa.

Descifrando la enigmática tonalidad de 2022

Very Peri representa la perfecta fusión entre azul y rojo. Un puente entre dos tonalidades primarias que se interrelacionan dando fruto a esta enigmática tonalidad. Según Pantone, Very Peri es el fruto de una confianza despreocupada y una curiosidad atrevida que anima a nuestro espíritu creativo, inquisitivo e integrante. La autoridad del color considera que esta tonalidad ayuda a abrazar este paisaje alterado de posibilidades y abre una nueva visión para que cada uno pueda reescribir su propia vida. Reavivando la gratitud por algunas de las cualidades que representa el azul complementadas con una nueva perspectiva que resuena hoy, PANTONE 17-3938 Very Peri coloca el futuro por delante bajo una nueva luz.

Very Peri muestra una actitud alegre y animada, así como una presencia dinámica que estimula la valentía de crear y una expresión imaginativa.

En tiempos de transformación, Very Peri es un símbolo del espíritu de nuestra era global actual y de la transición que se vive hoy en día. A medida que se sale del período de aislamiento, marcado por la pandemia mundial, las nociones y estándares están cambiando y las vidas físicas y digitales de las personas se han fusionado de nuevas formas creando híbridos. Esta tonalidad también simboliza el auge por el diseño digital, que ayuda a estirar los límites de la realidad, abriendo la puerta a un mundo virtual dinámico donde se puede explorar y crear nuevas posibilidades de color. Con las tendencias en los juegos, la creciente popularidad del metaverso y la creciente comunidad artística en el espacio digital, PANTONE 17-3938 Very Peri ilustra la fusión de la vida moderna en correspondencia con las tendencias de color en el mundo digital y como juntos se manifiestan en el mundo físico y viceversa.

Este color ilustra la fusión de la vida moderna en correspondencia con las tendencias de color en el mundo digital y como juntos se manifiestan en el mundo físico y viceversa.

¿Cómo aplicamos Very Peri en el mundo de la moda?

Lo decíamos al principio. Very Peri es el color que busca transmitir valentía, fomentar la reinvención y estimular la creatividad mostrando una confianza despreocupada y una infinita curiosidad. Es un tono fresco, versátil y genderless que se adapta a una gran variedad de tejidos, texturas y relieves, proporciona un toque de color y para nada, pasa desapercibido. En las pasarelas, esta tonalidad ha protagonizado looks monocromáticos en los desfiles de las nuevas colecciones veraniegas de Isabel Marant, Balenciaga, Thom Browne o Ermanno Scervino.  Otras firmas como Lanvin o Marine Serre han optado por combinar este tono violáceo con estampados arty y tonalidades neutras.

Desde Gratacós disponemos de varios tejidos de temporada donde la tonalidad Very Peri es la protagonista. La encontrarás en artículos lisos y a través de estampados o en su versión más sofisticada con relieves, iridiscencias y pedrerías. Aprovecha para redescubrir la colección que tenemos expuesta en nuestra tienda online.

Desde Gratacós seguimos de cerca las pasarelas españolas porque nos gusta apreciar la creatividad de los diseñadores en forma de impactantes prendas de temporada y como, en ocasiones se cuela alguno de nuestros tejidos entre los looks de sus magníficas colecciones. Después de la Mercedes-Benz Fashion Week Madrid de septiembre, la última cita con la moda la sostuvo el 080 Barcelona Fashion el mes pasado, en una nueva exhibición de moda y poderío. 

La pasarela catalana volvió a apostar por el formato digital presentando por tercera vez consecutiva, cortometrajes de moda previamente grabados y editados de 22 diseñadores que participaron en la última edición. Esta vez, el set de rodaje de las piezas audiovisuales tuvo lugar en un espacio que rompió con el legado modernista de las últimas ediciones: el complejo residencial y arquitectónico de Xavier Corberó situado en Esplugues de Llobregat. Una maravillosa obra escultórica de hormigón y cristal de carácter racionalista con edificios oníricos que recuerdan la pintura metafísica de Giorgio de Chirico o el arte matemático de Escher. 

A continuación, os explicamos al detalle algunas de las colecciones que nos sorprendieron más con diseñadores que mantienen discursos creativos vinculados con la singularidad, la artesanía, la sostenibilidad o la proximidad.

Avellaneda

Avellaneda convirtió el espacio XC del complejo arquitectónico Xavier Corberó en una fiesta glamourosa de manual exhibiendo belleza, juventud y buen gusto en el vestir. En la nueva colección, el diseñador barcelonés Juan Avellaneda se inspiró en la ciudad y en los individuos que habitan en ella y comparten secretos, pasiones, romances efímeros, promesas eternas e instantes de diversión. Esta jungla urbana consistía en una propuesta sofisticada de looks de cóctel con guiños al estilo safari: una revisión del animal print de cebra, chaquetas con lentejuelas y pantalones baggy de tonalidades tierra. Estas piezas novedosas convivían con sus buques insignia de la firma: esmóquines, vestidos con sensuales aberturas, sedas, volantes y lentejuelas reinan en prendas de patrones atrevidos en una propuesta singular que mezcla exotismo con su habitual elegancia. Las bases neutras, el binomio blanco y negro, el rojo y el fucsia dieron color a esta colección festiva que juega con los códigos clásicos del buen vestir. 

Eiko Ai

Eiko Ai aporta un nuevo valor en la moda femenina uniendo conceptos como la sofisticación y la sensualidad en la ropa que crea de estilo casual de todo llevar. Siempre con ese punto de magia que invite a las clientas a soñar a través de los diseños. En esta ocasión, la firma liderada por Glò Lladó ha presentado en el 080, una colección que representa un viaje fantástico hacia la montaña para hacernos descubrir las ninfas del bosque. Estas criaturas de poder evocador, que inspiran mitos y leyendas, se han vestido con combinaciones de dos piezas con sujetadores -un rasgo distintivo de Eiko Ai-, chaquetas tipo bomber de tamaño oversize, gabardinas con tejidos brillantes y vestidos vaporosos de cortes sorprendentes que insinúan sin mostrar en exceso. Todo ello adornado con tejidos de lentejuelas, terciopelos, satenes, encajes y materiales iridiscentes que crean sensuales transparencias en el cuerpo de las modelos. Las siluetas tienen un punto minimalista inspirado en la década de los 90 y los looks lenceros se funden con los festivos en esta emocionante propuesta teñida de verdes profundos, plateados y lavandas que atrae a primera vista.

Moisés Nieto

El diseñador de Úbeda (Jaén) debutó en la pasarela catalana haciendo gala de sus credenciales: diseño contemporáneo combinado con la pasión por la artesanía y el oficio que caracteriza su estilo elegante desde la contención. En la nueva colección para la próxima temporada, Moisés Nieto hace un viaje al pasado para conectar de nuevo con su infancia en Andalucía. De los veranos de los años 90, el diseñador escoge elementos rescatados del recuerdo que le sirven para dar forma a una propuesta que habla de la cotidianidad: el crochet de los paños, los visillos de las cortinas, los encajes o las plantas del patio son una representación de los recuerdos que nos llevan a los eternos y calurosos veranos del sur. La firma sostenible da forma a su particular visión en amplios vestidos midi y faldas de seda plisadas. Prendas ligeras confeccionadas con tejidos de algodón ecológico o seda y mezcladas con técnicas artesanales como el punto, el crochet y el macramé. Vale la pena destacar las texturas exhibidas que juegan con diferentes pesos y estructuras para crear volumen en las prendas femeninas que suman detalles inesperados. Como sucede en colecciones anteriores, el diseñador se acerca a la artesanía y pone en valor la sostenibilidad, dos aspectos que se han convertido en los sellos más visibles de la firma española. 

Y_Como

Por último, destacar el nuevo trabajo de Cristina y Yolanda Pérez de Yolancris en la nueva marca, Y_Como, que vuelve a sorprender con una nueva colección basada en la investigación y el proceso creativo. La propuesta de verano presentada en el 080 Barcelona Fashion se inspira en el cuadro ‘El jardín de las delicias’ de El Bosco. Concretamente en el panel que hace referencia al Paradiso con una interpretación libre, pero llena de referencias visuales que remiten a la obra centrada en la creación. En la primera escena del fashion film, ambientada en el jardín arquitectónico de Xavier Corberó, van apareciendo las modelos que encarnan los personajes del cuadro: hay el búho que representa el mal que contempla que se caiga en la tentación, las figuras de Adán y Eva, y un seguido de animales exóticos que son representados por modelos de estética barroca que muestran espectaculares túnicas doradas con bordados florales. También conviven otros sensuales vestidos negros, prendas con multitud de retales florales y el denim, el tejido estrella de la creativa firma prêt-à-porter​ con vestidos voluminosos que le dan un punto de rebeldía a esta sensual propuesta de Y_Como. 

Los tejidos de la nueva colección SS22 ya se han estrenado en las pasarelas. La primera en exhibir algunos de nuestros artículos ha sido la Mercedes-Benz Fashion Week Madrid que ha tenido lugar en la capital española durante el mes de septiembre. Diseñadores como Duyos, Malne, Isabel Sanchís, Roberto Torretta o Teresa Helbig, han expuesto en la nueva edición, sus diseños jugando con algunos de los tejidos más especiales de la próxima temporada. Te recopilamos los looks más destacados, así como el espíritu de cada colección. Una vez más, también agradecemos el apoyo de los diseñadores por confiar en nosotros. 

Duyos

Juan Duyos ha vuelto a la Mercedes-Benz Fashion Week Madrid por la puerta grande: entre aplausos, celebraciones y también un premio bajo el brazo. La colección galardonada es un homenaje a Madeira y representa todo un canto a la vida a través del color, los tejidos y la artesanía. La isla portuguesa ha servido al diseñador madrileño como inspiración para presentar una propuesta diurna pensada para llevar y disfrutarla durante varias ocasiones vinculadas con el ocio y el relax. ‘Un jardín flotante’ -así se llama la colección- imprime fuerza, energía y tradición a través de los paisajes deslumbrantes, la belleza salvaje del Atlántico, las tradiciones y la sorprendente gastronomía que empapan los looks y la puesta en escena, para la primavera-verano 2022.

La colección irradia la fuerza y el color de la isla. Desde las primeras salidas que son vibrantes y apetecibles y donde aparecen trajes hechos con un tejido típico de Madeira, de rayas de colores y adornos de flecos, motivos que se repiten en varios looks de la colección. En cuanto a tejidos, se muestran algodones cómodos con alegres bordados florales. El contrapunto lujoso lo añaden las sedas, el lúrex y las lentejuelas que dan brillo a la propuesta veraniega. También llaman la atención las siluetas grandes y generosas, las superposiciones de prendas, el juego de volúmenes y la mezcla de estampados y texturas para recuperar el espíritu lúdico, pero funcional de la moda de Duyos. El color también acapara la atención en sus tonalidades más radiantes: rojo intenso, azul vivo, naranja y, sobre todo, varias tonalidades de verdes. Una paleta cromática explosiva que exalta la juventud e impulsa el ánimo. Se avecinan buenos tiempos. En moda, también.

Isabel Sanchís

Isabel Sanchís ensalza los oficios de la industria con una propuesta femenina que vincula la clara simbiosis entre la moda y la artesanía. ¿Cómo? A través del detalle con proveedores capaces de crear tejidos especiales que inspiran, bordadores, artesanos del metal y plisadores. Todos ellos, junto con el equipo de la diseñadora valenciana, han contribuido a crear una colección sublime, que inspira alegría y positividad y que celebra la creatividad y el trabajo artesanal.

En la colección primavera-verano 2022 aparecen drapeados delicados y plisados en contraposición a diseños más estructurados y volumétricos, también están presentes vestidos mini y de alta costura en los cuales siempre aparece el sello indiscutible de la elegancia, una cualidad que está presente en todos los diseños de Isabel Sanchis. La paleta de colores es ecléctica y va desde los tonos neutros hasta los más atrevidos: desde un rosa flúor pasando por los tonos pistacho, naranjas, verdes lima y detalles metálicos. Una colección con investigación analítica, piezas prácticas y responsabilidad social.

Malne

Paloma Álvarez y Juanjo Mánez son el tándem que cimienta Malne, una firma de diseño de prêt-à-porter de lujo y costura con sede a Madrid. En su última propuesta, presentada en la pasarela española, los diseñadores han reivindicado el espíritu del artista al servicio de la moda. Más allá de las temporadas, esta próxima primavera, Malne vuelve a sus orígenes con una propuesta artesanal de series limitadas de prendas y abanderando más que nunca el estilo de una firma propia.

Para Malne, la moda significa ilusión y arte, empoderamiento femenino, abundancia de talento y creatividad y también, exceso. Precisamente así se llama la nueva propuesta para la próxima temporada. En el desfile, no nos ha pasado desapercibido uno de nuestros tejidos más especiales que recrea a través de flores escultóricas, ese espíritu artesanal que quiere poner en valor la firma.

Roberto Torretta

Las flores 3D también estuvieron presentes en el desfile primavera-verano 2022 de Roberto Torretta en sofisticados tejidos de color negro, ricos en apariencia y tacto. El diseñador argentino, afincado desde 1972 en España, ha lanzado una colección con propósitos renovados. El enfoque de la nueva propuesta es amigable con un nuevo tipo de moda más respetuosa, contemporánea, conectada de manera profunda con la naturaleza, las ciudades y las nuevas tecnologías.

La mujer de Roberto Torretta aspira al confort y a la versatilidad a través de siluetas dinámicas y relajadas en algodón sargado blanco perfecto o en lino verde. El optimismo también se desata en vestidos espontáneos, de patrones alegres y estampados florales o en lisos suaves de color amarillo o azul. Para la noche, han abundado los tejidos crepados, metalizados, diseños que recrean suaves 3D y sastrería de lujo.

Teresa Helbig

Este 2021, Teresa Helbig ha cumplido 25 años en la profesión con una identidad reconocible, una visión de autor y una fe inquebrantable en colecciones formadas por prendas-joya destinadas a habitar durante muchos años en el armario de sus dueñas. 

Con motivo de su celebración y para celebrar su trayectoria, la diseñadora catalana ha presentado ‘Once Upon in Los Angeles’. Una colección que rinde homenaje al origen de los recuerdos de Teresa Helbig, cuando jugaba en el atelier de su madre con telas y retales y soñaba en el poderío de las grandes artistas del cine clásico. Una propuesta timeless que se caracteriza por los universos de ensueño y la artesanía que pasa de la gran pantalla a la pasarela en forma de súper mujeres poderosas, independientes y reivindicativas. Una mujer Helbig nunca pasa desapercibida.

Poco a poco, parece ser que volvemos a cierta normalidad. Y un indicador de ello, es nuestra participación física en Première Vision Paris, la feria especializada más influyente del mundo para los fabricantes de tejidos en el que se exponen bianualmente, todas las novedades de las colecciones que vienen a un año vista. Este año, Gratacós vuelve a estar presente para dar el pistoletazo de salida una de nuestras propuestas más especiales: Otoño-Invierno 2022/2023. Decimos que es “especial” porque la pandemia está representando para la empresa un año de grandes desafíos para mantener la creatividad, la producción y las ventas, sin olvidar la innovación y la sostenibilidad que nos caracteriza como negocio.

A grandes rasgos, la nueva colección es una propuesta sólida y coral, que evidencia nuestras ganas de trabajar y seguir avanzando mediante la generación de ideas, la creación de productos creativos y la investigación de nuevas tendencias. Una propuesta basada en la fuerza del color, el estampado y los diseños de gran presencia visual. Jugamos con tonalidades contrapuestas, los prints singulares y añadimos un toque extra de fantasía porque creemos que es más necesaria que nunca. Para ello, mezclamos flores de diferentes formas y estilos con motivos geométricos, artesanía, texturas sorprendentes, motivos neo Pucci simplificados y neo William Morris con fondos espaciados. Todo ello para crear un sorprendente juego de armonías, color, luz y tono que creemos que no dejará indiferente a nadie.

El abrazo como eje vertebrador

“Tenemos ganas de salir a la calle y mostrar nuestra alegría, energía y positividad”, asegura Rosa Pujol, directora creativa de Gratacós. Bajo esta primera premisa, se estructura la colección Otoño-Invierno 22/23 que apuesta más que nunca por la calidad, la fantasía y el lujo. Mostrar para sorprender y sorprendernos, ahora en mayúsculas, como una exigencia máxima. 

Y en estas ganas de mostrar el lado fantasioso de la moda, interviene el concepto madre que vertebra toda la propuesta para el próximo invierno: el abrazo. El símbolo de la unión, del afecto y de la fraternidad entre personas, más evidente en épocas inestables como la que estamos viviendo. Abrazar es ceñir con los brazos, estrechar, comprender, contener e incluso incluir. Las plantas enredaderas también abrazan los troncos y las fachadas de las casas. Y nos gustaba ese concepto que une y crea un sentimiento de simpatía. Estética y visual. De hecho, es una colección pensada para abrazar múltiples mercados y distintas ocasiones a través de artículos versátiles y sorprendentes que satisfacen estilos y momentos muy diferenciados.

“Tenemos ganas de salir a la calle y mostrar nuestra alegría, energía y positividad”.

Rosa Pujol, directora creativa de Gratacós

Abrazar los materiales

La colección Otoño-Invierno 2022/2023 abraza la artesanía. Las hilaturas gruesas, los trenzados evidentes y los acabados hechos a mano. Es también una temporada donde la textura comunica por si sola a través de pliegues complejos, efectos 3D, transparencias opacas que insinúan sin mostrar, y relieves preciosos que sorprenden por sus líneas y formas.

Esta temporada, el equipo creativo también pretende estimular nuevas sensibilidades al juntar dos tejidos a priori poco compatibles entre sí para crear estéticas atrevidas en un mismo conjunto. Se trata de atreverse a través de artículos complementarios que juntos, crean harmonías cromáticas compatibles. Otra de las características de la temporada es la apuesta por el brillo que da el salto de la noche para instaurarse de día a través de tejidos sorprendentes que buscan un punto de luz sutil y de fantasía 100% llevable. Simple, pero sofisticado.

Abrazar el color

El color, más que materia, es luz y se desarrolla a consciencia esta temporada para conseguir resultados muy atractivos. Una luminosidad para que nos dé mejor aspecto en la calle. La colección trabaja desde los tonos primarios, a través de estampados gráficos, hasta la paleta de metalizados como el oro (energía solar) y la plata (energía lunar), mezclados entre sí. 

Como es habitual, en Première Vision Paris, se presentarán tres gamas de colores. La primera corresponde a una franja luminosa gobernada especialmente por amarillos radiantes y cálidos marrones. La segunda carta es la de medios con tonos vibrantes que van desde los naranjas pasando por los azules y los verdes, para acabar con los fucsias. Por último, la última carta corresponde a los neutros y las tonalidades más apagadas, consideradas más masculinas. Una gama muy interesante que ofrece una gran posibilidad de combinaciones al ser versátil y atemporal.

Abrazar la naturaleza

La colección Otoño-Invierno 2022-2023 intenta estrechar los lazos entre el hombre y la naturaleza más próxima a través de tejidos que hacen referencia a la belleza de las plantas. Vuelve la inspiración jardín a través de tejidos con motivos vegetales y paisajes campestres. Como diría la escritora y jardinera, Jamaica Kincaid: “Los jardines son espacios para conectarnos”. Desde Gratacós también se revaloriza lo natural con un compromiso por el origen de los productos y la materia prima. 

Por último, las flores también se adueñan de la colección en un inverno particularmente florido. La flor es protagonista de muchos de los tejidos con variedad de formas, colores, tamaños y disposiciones. 

Abrazar la geometría

Los motivos geométricos están muy presentes en esta próxima temporada con tejidos que dan un giro a los clásicos para llamar la atención a la nueva generación de consumidores: cuadros, lunares, pata de gallo o rombos que se combinan de forma creativa dando nuevas geometrías inesperadas.

En paralelo, también llegan combinaciones sorprendentes para generar todo tipo de fantasías. Lo más extremo: combinar dos tejidos con motivos gráficos que se pueden llegar a combinar en un mismo outfit. Por último, aunque no sea una temporada de animal print, en la próxima colección de invierno se asoma tímidamente algún artículo fantasioso como un Jacquard de diseño de jirafa.

¡Era de esperar! Dentro de su esencia cíclica, la moda evoca la fantasía después de dos años sin apenas moverse de la comodidad y la austeridad, dos valores influenciados por la pandemia mundial. Hay que recordar que la moda siempre es un reflejo de la sociedad. Así, el reinado de los chándales, las sudaderas, los pijamas y las zapatillas (ya sean de andar o no por casa), parece que toque su fin con nuevas inspiraciones que se postulan totalmente antagónicas: Más lujo, más ornamentación y por supuesto, más brillo en prendas festivas y colecciones que piden a gritos evadirse de la realidad. 

De las tres máximas, queremos centrarnos en los tejidos brillantes como una de las tendencias que pisan fuerte esta temporada Otoño-Invierno 21/22 que estrenamos en septiembre. Más allá de las lentejuelas que pisan fuerte des de ya y llegan en su versión más ostentosa (lentejuelas sobre lentejuelas en pantalones, chaquetas y vestidos voluminosos), nos apetece hablar de los tejidos satinados, una de las grandes apuestas de las nuevas colecciones que hemos visto en prendas, zapatos y bolsos y que su sutileza y suntuosidad nos sigue inspirando a la hora de elaborar nuestros tejidos.

Es curioso como el satén es uno de los pocos tejidos que no conoce de límites dentro del armario: tanto nos sirve para inverno como en verano, o entre temporadas. Más allá de su atemporalidad, también destaca la versatilidad porque admite infinitas posibilidades, convirtiéndolo en un tejido indispensable en el armario de cualquier persona. El satén tiene una bonita caída gracias a su fluidez y un brillo suave. Es un tejido sedoso capaz de transformar un estilismo y hacerlo navegar entre lo formal y lo casual. En pasarela, ya hace tiempo que lo vemos en prendas y complementos variados, en especial en vestidos tipo slip dress (inspirados en los camisones lenceros), tops y blusas románticas, faldas ligeras y vaporosas, e incluso bolsos de mano. 

Breve historia del satén

Los orígenes del satén se encuentran en China hace más de 2.000 años y proceden de la seda. De hecho, su nombre deriva de Zaitun, un puerto chino célebre por exportar en raso. Aunque fue popular y muy deseado en la cultura grecorromana, el consumo de satén de seda se extendió en Europa en la Edad Media hacia los siglos XII y XIII. Italia era el principal puerto exportador y consumidor. El satén cautivaba por su riqueza, fluidez y esplendor, era más barato que la seda, y fue uno de los tejidos favoritos que se destinó a la indumentaria de las clases privilegiadas, y también se empleó en textiles para decorar los grandes castillos y palacios. El satén, no se popularizó en masa, hasta el siglo XIX, después de la Revolución Industrial y los avances en el proceso de producción y comercialización. Este tejido también se extendió a otros ámbitos como la ropa interior. Entonces, el satén pasó a ser un tejido versátil y asequible, que podía emular la suavidad, la suntuosidad y la elegancia de la seda. 

Durante el siglo XX, el satén conquistó la indumentaria más sexy y chic de las actrices del viejo Hollywood a través de vestidos lenceros que fueron un escándalo en su época por su atrevimiento. Algunos ejemplos: la actriz y sex simbol, Mae West lucía en 1937 un vestido de satén adornado con flores en el hombro que marcaba sus curvas o no podía pasar desapercibido. También fue icónico el vestido blanco ajustado que esculpía la silueta de Marilyn Monroe en ‘Los caballeros las prefieren rubias’ (1954) o el modelito de tirantes con motivos de encaje que llevaba Elizabeth Taylor en la película ‘Butterfield 8’.

Décadas más tarde, el desarrollo de telas sintéticas hizo que el satén fuera aún más asequible, llevándolo a la moda convencional. Desde entonces, el satén ha trascendido más allá de una tendencia estacional y se ha convertido en un tejido habitual y básico en el vestuario diario.

El satén no siempre es de seda

Aunque lo pueda parecer, el satén no siempre es de seda. En realidad, es un tipo de trama y no una fibra. En la tela de satén, al menos cuatro hilos de trama se tejen sobre un hilo de urdimbre. Tradicionalmente, el satén tiene un lado brillante y un lado más opaco y puede estar hecho de diferentes fibras, como nylon, rayón, poliéster e incluso seda usada. Así que puede ser natural o artificial. En cualquier caso, es un tejido que se caracteriza por su brillo y suavidad. Hecho que lo convierte en un tejido estrella para múltiples aplicaciones, desde conjuntos de moda hasta decoración del hogar.

Descubre los nuevos satenes de seda en nuestro espacio Gratacós o en la tienda online. Haz clic aquí.

¿Quién fue Pedro Rovira? ¿Por qué su obra ha quedado oculta durante décadas si fue una de las grandes agujas españolas? Coincidiendo con el centenario del nacimiento del modista Pere Rovira i Planas (1921-1978), el Museo de Badalona rinde homenaje a uno de sus hijos ilustres con una amplia retrospectiva que recupera la figura y el espíritu contemporáneo del legado del modisto badalonés.

En una monografía ilustrada presentada recientemente en paralelo a la exposición, Lorenzo Caprile asegura en su prólogo que Pedro Rovira “estuvo en medio de todo, pero se quedó a medio camino”, haciendo referencia a su muerte prematura que le impidió convertirse en leyenda. El diseñador badalonés consiguió desarrollar una identidad propia a lo largo de su carrera y fue capaz de abrazar dos corrientes antagónicas: empezó trabajando la Alta Costura más clásica a través de colecciones exclusivas y, luego, dio un giro hacia la moda democrática con producciones en serie más versátiles y plurales que acercaban el diseño a las nuevas generaciones de consumidoras, más allá de las élites burguesas. A nivel histórico, su legado también coincide en una época de transición: del fin de la dictadura al inicio de una nueva democracia con nuevas costumbres, necesidades y maneras de concebir la moda.

Del horno a la aguja 

La familia de Pedro Rovira era propietaria de una panadería en Badalona, pero él tuvo desde la infancia, una gran pasión por la costura elaborando vestidos para las muñecas de sus amigas o pintando figurines. Una afición que no le gustaba a su padre. Empezó estudiando medicina, pero abandonó rápidamente la carrera por otro trabajo vinculado con la aguja: el badalonés Celso Roldós, oficial sastre de la prestigiosa casa Santa Eulalia de Barcelona, le enseñó el oficio. Muy pronto Rovira cumpliría su deseo de viajar a París en busca de nuevas oportunidades. Su ambición era elevada y quería perfeccionar la técnica. A la capital francesa se hizo amigo de Cristóbal Balenciaga, quien le influenciaría enormemente en sus inicios. De París se empapó durante dos años de las tendencias a través de los desfiles de moda de los principales modistas de la época. Cuando volvió en 1948, fundó su propio taller de alta costura en Barcelona, en el barrio de Gracia, aunque continuó viviendo en Badalona.

Auge e internacionalización

La fama de Pedro Rovira se extendió como la pólvora en los años 50. El savoir faire del diseñador, gracias a su bagaje parisino, junto con su magnetismo personal le propició rápidamente el reconocimiento de la burguesía catalana con el apoyo de varias damas de la alta sociedad que eren asiduas a sus diseños refinados. Más tarde, cuando cerró el atelier Balenciaga en 1968, algunas de las clientas del modista vasco como la marquesa de Torroella de Mongrí, María del Carmen Ferrer-Cajigal y su hija Carmen de Robert también llamarían la puerta de Rovira. De hecho, Pedro Rovira era hábil vistiendo a varias generaciones de mujeres de una misma familia con diseños versátiles y flexibles que se adaptaban a cada ocasión. Para Rovira, la moda era una servitud.

A finales de los años cincuenta, la fama de Pedro Rovira se extendió por Europa con desfiles en Frankfurt, Estocolmo, Milán y Venecia, y en 1964 sus diseños llegaron a Nueva York, seduciendo el público norteamericano. En esos viajes le acompañaban las modelos más ilustres del momento que ejercían de embajadoras de su estilo: María del Carmen Aznar, Carmen Paré e Isabel Martín eran las más habituales. Más tarde con el boom de las colecciones de prêt-à-porter, trabajaría con la modelo y empresaria Francina Díaz, la actriz Teresa Gimpera y algunas esporádicas como Nati Abascal, fotografiada por Antoni Bernad. El éxito internacional continuó en los sesenta y los setenta con la crítica en el bolsillo y los diseños de Rovira aparecían en las páginas de las prestigiosas revistas como Vogue, Harper’s Bazaar, Elle, Marie Claire. Después de haber sido aclamado en el ámbito internacional y de tener el reconocimiento de la crítica especializada, en 1964, finalmente, Rovira fue admitido en la Cooperativa de Alta Costura, que agrupaba a los modistos más elitistas del país como Pedro Rodríguez, Asunción Bastida, Manuel Pertegaz, Santa Eulalia y el Dique Flotante, considerados como los Cinco Grandes de la Moda Española. Junto con Rovira, el mismo año, también entró en la cooperativa Carmen Mir.

El año 1968 fue histórico para Pedro Rovira. En plena expansión de la marca, el diseñador decidió lanzar las primeras colecciones de moda democrática con distintas líneas para todas las edades, ocasiones y momentos. Eso fue un hecho remarcable en la historia de la moda española porque a pesar de algunos intentos por parte de otros diseñadores, nunca antes se habían lanzado propuestas serializadas con prendas de diseño a precios más asequibles. Los diseños prêt-à-porter de Pedro Rovira eran atrevidos pero muy llevables. Combinaban fantasía llevada al terreno de la calle a través de tejidos geométricos, estampados gráficos y colores vibrantes para una mujer cosmopolita y contemporánea que abrazaba la sociedad del cambio en España.

Un final inesperado

En los primeros años setenta la marca tuvo dos boutiques en Madrid y puntos de venta por toda la Península. Justo cuando la firma vivía su mayor esplendor hubo un revés que la condenó a una caída brusca y a su posterior olvido: la muerte precipitada del diseñador de un ataque en el corazón en 1978. Tenía solo 57 años. La firma que llevaba su nombre todavía funcionó durante un tiempo, puesto que había alcanzado mucha difusión y presencia en el mercado, pero sin el reclamo y la gran potencia creativa de Rovira, la marca tuvo que cerrar en 1980.

Un extenso legado 

Después de un primer homenaje en el Museo del Traje de Madrid a cargo de la Fundació Antoni de Montpalau, el Museo de Barcelona ha desplegado toda la obra de Pedro Rovira en una gran exposición retrospectiva dedicada al modisto para conmemorar el centenario de su nacimiento. Esta muestra, abierta del 4 de junio hasta el 18 de octubre de 2021, representa una revisión amplia y completa de la obra del modisto badalonés: ocupa dos plantas del museo y está ordenada cronológicamente siguiendo la producción de Rovira desde los primeros años cincuenta hasta las últimas colecciones de 1978. Unos ochenta de vestidos y más de cien dibujos proceden de la Col·lecció Antonio de Montpalau, colaboradora de la iniciativa, y se exponen también piezas procedentes del fondo del Museu de Badalona y de los herederos de Rovira. Completa el homenaje un documental que rescata la memoria de su legado y una monografía ampliamente ilustrada. Un extenso homenaje para sacar del olvido la gran figura de Pedro Rovira y colocarla donde se merece en la historia de la moda española.

Aunque en moda no tienen estacionalidad, las flores triunfan en primavera: brotan en todos los tejidos y se adueñan de los principales outfits que marcan tendencia ya sean de espíritu romántico, de estética ochentera, deportivos o de estilo boho-chic. Además, esta temporada conviven los motivos de flores pequeñas y delicadas, con otras maximalistas de inspiración tropical en colores vivos y radiantes. De hecho, sí hay algo que une los prints florales de primavera es la explosión de color que utilizan para avivar los looks del momento.

Desde Gratacós proponemos organizar nuestros estampados de temporada, según tres inspiraciones:

• Campestre

Amapolas, margaritas, uñas de león, malvas, lavandas… Las flores silvestres más comunes que se encuentran en el campo hacen el salto a la pasarela y se presentan de forma individual o en coloridos ramilletes que aportan un punto juvenil a las prendas que protagonizan. Las flores campestres se acostumbran a vincular con los looks de espíritu folk en vestidos vaporosos, monos asimétricos o túnicas extra largas. 

• Jardín

Las flores que habitan en el jardín son una constante fuente de inspiración para los diseñadores cuando crean los diseños en vestidos de las colecciones veraniegas. Hortensias, claveles, peonias, geranios son algunas de las flores que también brotan en los looks de invitada de celebraciones. Una temporada más, la rosa se alza como reina de las flores y es una de las más destacadas en los prints florales porque representa el romance, la mística y la feminidad. En Gratacós, esta temporada apostamos por combinar rosas con otras flores de jardín creando estampados con atractivos juegos visuales llenos de color. 

• Tropical

Los prints inspirados en la flora y la fauna de los paraísos del trópico son un clásico que nunca falla en las colecciones primavera-verano, especialmente en la moda más ligera con ropa inspirada en las vacaciones. Flores exóticas como hibiscos, vegetación abundante y algún motivo de animal print se cuelan en estos diseños más relajados y despreocupados de colores subidos de tono que ayudan a potenciar el bronceado.

Estas son algunas de nuestras propuestas, pero ya sabes que en nuestra tienda online o en nuestro espacio físico de Barcelona puedes descubrir todos los estampados florales de la nueva colección. ¿Qué diseños te imaginas crear con los tejidos florales de temporada?