¿La moda es arte? Es una de las grandes cuestiones que lleva de cabeza a los creativos de la industria, así como otras figuras dentro y fuera del sector que abogan por darle un merecido sitio dentro de las disciplinas artísticas. Un reconocimiento al talento y saber hacer de su creador. Ahora mismo no entraremos en este tipo de discusiones, pero sí que vamos a analizar como la moda siempre ha mantenido una conexión con el arte y la cultura, y éstas han resultado ser inspiradoras para muchos creativos que no han dudado en plasmar sus técnicas o sus obras más representativas en las prendas de cada temporada.

Un breve repaso en la historia

En la historia ha habido momentos clave que evidencian esta simbiosis compartida que mantienen la moda, con el arte y la cultura. Por ejemplo, en los años 20-30 en pleno movimiento del diseño Art Déco, la moda influyó en el arte. Era una época donde París era la capital de las tendencias con casas como Lanvin o Poiret y pintores como George Barbier, Etienne Drian o Armand Valle, elaboraban ilustraciones de moda que fueron consideradas obras de arte. En el período de entreguerras, los diseñadores se fascinaron con el surrealismo y se crearon sorprendentes alianzas. Un ejemplo fue el famoso Lobster Dress creado por Elsa Schiaparelli y Salvador Dalí. En la década de los 60, el diseñador francés Yves Saint Laurent se inspiró en la obra del pintor vanguardista holandés Piet Mondrian y sus creaciones causaron furor en la época. Fue la época dorada del movimiento pop que se presentó como un reflejo de los cambios sociales que se estaban experimentando en Estados Unidos e Inglaterra. Una nueva tendencia artística que surgió como respuesta al expresionismo abstracto. Artistas como Andy Warhol, Roy Lichtenstein, Stuart Davis… sedujeron también a los diseñadores de moda como Versace, Prada y Gucci con su oda a la modernidad, la psicodelia, la geometría y los colores vivos que se hicieron presentes a través de toda una explosión visual para el consumidor.

Si nos ceñimos a la actualidad, a lo que hemos visto recientemente, podemos decir que moda y arte convergen constantemente con influencias pictóricas eclécticas que van del expresionismo y el movimiento abstracto a lo más evidente. Pintores como Jackson Pollock, Vasili Jandinski, Miquel Barceló, Paul Klee… son nuevos referentes de la moda actual que se trasladan a la pasarela a base de brochazos y el uso de la paleta de colores más viva. Firmas como Marni, Dries Van Noten, Sacai, Louis Vuitton o Loewe han exhibido sus estampados arty sin pudor. También mencionar las manchas coloristas de algunos looks de Moschino combinadas con medias en zig-zag que se asemejan a los trazos de los dibujos animados. ¡Jeremy Scott siempre se divierte!

¿Y cómo se traslada a la calle?

Los estampados pictóricos son originales, frescos y extremadamente visuales, y ese último atributo es, a su vez, su punto fuerte y débil. Estos prints son fáciles de llevar porque centran toda la atención en cualquier look, per no admiten otras prendas o complementos estampados que compitan con ellos. No es lo mismo inspirarse en un cuadro que ir hecho un cuadro. Para buscar el punto de equilibro hay que encontrar refugio en las prendas de corte minimalista y la gama de neutros que puedan acompañar la ropa de estampado artístico. Gabardinas, blazers, faldas asimétricas y vestidos vaporosos son los mejores lienzos para exponer toda la creatividad que otorgan los prints artísticos.

Desde Gratacós, queremos proponerte algunos tejidos arty de nuestra colección primaveral, inspirándonos también en las tendencias vistas en la calle. ¿Qué os parecen?

Vuelve una nueva edición del Moritz Feed Dog, el único festival dedicado al documental sobre moda que se celebra del 28 al 31 de marzo de 2019 en Barcelona. Este evento audiovisual es especial porque se centra en el género del documental y la obra de autor y tiene a la moda como clara protagonista, entendida siempre como una expresión cultural amplia y diversa. Bajo el lema, “La moda es cultura”, Moritz Feed Dog propone mostrar la riqueza y la complejidad de la moda como fenómeno cultural vivo en transformación y como reflejo de la sociedad y su historia. Este festival nació en 2015, en un contexto en el que la moda había ganado un merecido lugar en los museos y en las agendas culturales de las principales capitales internacionales.

Como en cada edición, el Moritz Feed Dog propone un recorrido a través del universo de la moda que abraza a todos los actores de la industria de la moda, más allá de los creadores o diseñadores: los fotógrafos, los personajes de la sociedad, el oficio y los artesanos, los mecanismos de la propia industria, los periodistas, los críticos… y siempre desde un punto de vista puesto en la pasarela más grande del mundo, la calle.

Una nutrida programación

En esta ocasión, Moritz Feed Dog 2019 inaugura su programación con el documental Yellow is Forbidden de Pietra Brettkelly. Una obra que retrata la figura de la diseñadora Guo Pei, uno de los grandes nombres de la moda china, descubierta en el mundo gracias a un vestido amarillo que Rihanna llevó a la gala del Met 2015. El documental se centra en la colaboración colección que Pei presentó en París, convirtiéndose en la primera asiática en alcanzar la meta. Un filme que retrata las luces de la prestigiosa firma de alta costura, pero también revela alguna verdad incómoda.

Por su parte, la película Halston de Fréderic Tcheng será la película de clausura. Un filme que retrata el auge y la decadencia de Halston. Un creador que pasó de hacer los sombreros Bergdorf Goodman para convertirse en el rey de la moda americana y luego, fue desahuciado de su trono. Un drama lleno de lujo y excesos.

Entre la inauguración y la clausura se proyectarán películas dedicadas a indagar en el universo creativo y las intimidades de los diseñadores como Jean Paul Gaultier: Freak and Chic y su circo de excentricidades o McQueen que retrata al diseñador británico como lo que fue: un genio en la pasarela y un alma torturada fuera de ella. También destacan filmes dedicados a dos míticos fotógrafos: Peter Lindbergh y Bill Cunningham, entre otros títulos destacados.

Invitados especiales

Moritz Feed Dog también dedica parte de su programación a reflexionar sobre la moda y crear debates en paralelo a las proyecciones audiovisuales. En esta edición, el festival ha confirmado la presencia del diseñador Miguel Adrover, premio Nacional de Moda 2018 y la colaboradora habitual del New York Times Dana Thomas, autora del libro ‘Gods and Kings: The Rise and Fall of Alexander McQueen and John Galliano’. Por último, también contará con la presencia de Roland Ballester, productor de Halston.

Además, el festival también ha confirmado las actividades paralelas que tendrán lugar alrededor de la programación: Belleza convulsa. Alexander McQueen & Leigh Bowery. Este año es la primera vez que una mesa redonda está vinculada a dos documentales de la programación del festival. En este caso, poniendo el foco en el trabajo y trayectoria de dos creadores cuya obra ha dejado un profundo legado, por su capacidad de expresar sus ideas, sentimientos y obsesiones a través del cuerpo y la moda. En la mesa redonda participarán Dana Thomas, Leticia García directora de moda en Fashion & Arts y Ángel Vilda, director creativo de Brain & Beast y director departamento de moda de IDEP.

Por último, también se ha programado una mesa redonda dedicada a recuperar la tradición textil. Bajo el título Tejer futuro, se hablarán de cuestiones como la relación entra tradición textil y cultura, la conexión de las técnicas artesanales con la identidad de una comunidad y el poder transformador de proyectos pequeños y sostenibles alejados de los estudios de mercado y las estrategias económicas.

Toda la programación, así como los horarios los tenéis en la web del Moritz Feed Dog 2019. ¡Desde Gratacós no nos lo perderemos!

The Colour Community acaba de presentar el nuevo informe de colores y materias que influenciaran la temporada Otoño-Invierno 2020-2021 en el mundo del diseño y la moda. La iniciativa, liderada por tres profesionales del color, se presentó, como es habitual, en la Antigua Fábrica Estrella Damm de Barcelona, ante la atenta mirada de un centenar de entusiastas del sector. Recordamos que el equipo fundador lo conforman el arquitecto Pere Ortega; la diseñadora especializada en Colour & Trim, Eva Muñoz; y Rosa Pujol, Textil & Colour Stylist de Gratacós. En cada edición a este “equipo madre” se le suman nuevos colaboradores que aportan su visión, y ayudan a configurar la nueva carta de colores y materias que inspirarán la nueva temporada. Una iniciativa que se repite dos veces al año y que cuenta con nuestro apoyo. “Gratacós siempre está con las puertas abiertas, en nuestro espacio de moda, para todo amante del tejido, la textura y el color”, aseguró Juan Gratacós en el inicio de la presentación del informe.

Juan Gratacós: “Nuestro espacio de moda siempre está abierto a los amantes del tejido, las texturas y el color”

En esta ocasión, la temporada se basa en el concepto de ‘Multiple’ y consiste en una reflexión en clave positiva sobre la sociedad futura donde la línea de lo real y lo virtual será más difusa que nunca. “Actualmente esta virtualidad de la realidad existe en las redes sociales o en los videojuegos, pero poco a poco, va a ser tan tangible como lo que ahora nosotros llamamos realidad”, explicaba Pere Ortega en la presentación del informe. La propuesta ‘Multiple’, a su vez se articula a través de cuatro gamas de color y materias bautizadas como On, Inside, Balanced y Metronome.

Pere Ortega: “Actualmente esta virtualidad de la realidad existe en las redes sociales o en los videojuegos, pero poco a poco, va a ser tan tangible como lo que ahora nosotros llamamos realidad”

1.- On

La primera inspiración apela al dinamismo, a la creación de un diálogo con las nuevas realidades que son virtuales. Es una gama dinámica y versátil que crea productos conectados con el ser humano en un entorno digital. Los tonos escogidos para conceptualizarla son los fríos en su versión más atractiva: grises metalizados, iridiscentes, azules encendidos, negros brillantes y toques de amarillo que juegan al contraste. Una gama de temática industrial y futurista que juega con materias plásticas, oleosas, líneas arquitectónicas rectas y curvas y las formas artificiosas. Fantasía bajo control.

2. Inside

La segunda gama es más densa y teatral que la primera. Trabaja el tema de las realidades que miran el pasado. Una especie de retrospectiva. Los tonos que se utilizan para darle forma son los marrones, los morados, los azules profundos y la gama de metalizados que siempre aparece en cada una de las cuatro inspiraciones como nexo común. Los estampados florales, las formas orgánicas, las líneas sinuosas, los elementos de la naturaleza, las tapicerías… todos estos elementos influyen en esta gama intimista que toma de ejemplo el barroquismo de Versalles en su versión más contemporánea.

3. Balanced

La tercera inspiración se basa en el concepto del equilibrio y las armonías cromáticas. Es una gama modesta que se inspira en las formas y las texturas de la naturaleza y trabaja la artesanía de una manera muy folk. Los colores predominantes hacen referencia al otoño: los beiges, los tierra, el blanco, los metalizados y los verdes bosque mezclados con azules vibrantes. Las rugosidades, las pieles, los elementos geométricos más básicos y la influencia tribal también se tratan en esta gama folklórica.

4. Metronome

Por último, la cuarta inspiración se basa en el ritmo métrico del metrónomo con elementos en movimiento que siguen su compás: un trabajo de colores que vienen y vuelven, y a su vez juegan a los contrastes. Esta gama pertenece al mundo de la ciudad: es urbana, cosmopolita y juvenil. Se inspira en toda la multiplicidad de personas, tribus e individuos que conviven dentro de una misma comunidad. Abundan los tonos grises, los detalles plateados y los metalizados en superficies lisas que contrastan con elementos gráficos y estampados arty. El denim y las superposiciones de prendas, entendidas como muestra de expresión, configuran las distintas identidades que conforman una misma ciudad.

¿Estás preparado para jugar? El juego en su sentido más amplio. El juego como diversión, donde hay espacio para la experimentación mezclada con pizcas de entretenimiento y grandes dosis de curiosidad. En esta nueva temporada que estrenamos, rendimos homenaje al ocio, al recreo, a la libertad en una colección que se inspira, como no podía ser de otra manera, en el concepto ‘Play’. Una propuesta sofisticada y desenfadada a la vez, que apuesta por el colorido, el movimiento con tejidos ligeros y la artesanía para los meses más cálidos del año. Una colección Primavera-Verano 2019 que cuenta con grandes dosis de creatividad e ingenio por parte de nuestro equipo de diseño, que hacen de Gratacós una empresa de tejidos de lujo con un estilo y una personalidad definida. Así, pues disfrutemos de la nueva propuesta que hemos preparado con la intención una vez más de sorprender y emocionar. Juguemos juntos: Let’s play!

“Play es una propuesta sofisticada y desenfadada a la vez que apuesta por el colorido, el movimiento y la artesanía”

Concepto general

‘Play’ es una colección amable que busca la aparente simplicidad con productos que sean atractivos y atrayentes a simple vista. Es una propuesta estética basada en artículos atemporales alejados de la extravagancia y la artificiosidad, pero estos tienen que aportar un rasgo distintivo, cierta personalidad. No queremos el básico versátil un tanto ñoño, sino que le damos un giro creativo. En paralelo, rescatamos los rasgos característicos de la cultura folk y apostamos por la artesanía para presentar tejidos tradicionales con aspectos rústicos y detalles manuales.

“Buscamos la simplicidad aparente con productos atractivos y atrayentes a simple vista”

Tejidos

El objetivo de esta colección es revitalizar el lujo de las texturas y las materias. Para conseguir los nuevos básicos, utilizamos tejidos impecables con apariencias limpias y serenas. También Jacquards coloridos con relieves táctiles, tejidos fluidos de seda o poliéster de apariencia delicada, gasas con transparencias, rasos densos, materiales iridiscentes que captiven la luz o estampados de flores de acuarelas. A su vez, dentro de la tendencia folk, recuperamos las texturas granulosas, los aspectos fibrados y ligeros que evidencian el relieve a través de la hilatura, los relieves artesanales y los bordados con motivos inspirados en la naturaleza.

“Revitalizamos el lujo de las texturas y las materias”

Colores

La gama de colores evoluciona de lo natural a lo artificial. Así, los tonos pastel y las tonalidades dulces y golosas dan paso a los colores más vivos en una transición suave y en clave muy femenina. Las tonalidades más vibrantes se destinan a los detalles. ‘Play’ es también una colección dedicada a la luz, es por eso que, también apuesta por las iridiscencias, las transparencias y el nacarado con un guiño al mar.

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Ignasi Monreal (Barcelona, 1990) es uno de los ilustradores de moda más populares del panorama nacional, el ojito derecho de la industria cuya obra dibujada se ha popularizado a nivel internacional. Para quienes no le sigáis la pista, sus ilustraciones han llamado la atención a clientes tan destacados como Gucci, Dior, Louis Vuitton, Four Season o JW Anderson que han contado con su arte para sus últimas campañas publicitarias. Esta vez, el joven artista, residente en Roma, ha retomado los pinceles para crear una de sus obras más intimistas, dedicada a algo tan mundano y universal como es la comida o el acto de la sobremesa, una vez quedan los platos semidesnudos: “He aprovechado esta oportunidad para hacer algo 100% mío, esto es lo que pasa cuando me das tres meses de libertad”, aseguraba Ignasi en su página web.

De la ilustración a la pintura reflejando lo mundano

“La vida en Roma ha hecho del comer el eje principal de mi vida en comunidad, y teniendo en cuenta que está todo muy rico, he desarrollado una serie de memorias muy ligada a los sentidos”, explicaba el artista catalán en la presentación de su primera muestra de pintura en La Fresh Gallery de Madrid, dentro de las actividades que impulsa la feria internacional ARCO, dedicada al arte contemporáneo. Así, Monreal ha abandonado el iPad, que utilizaba para ilustrar las campañas ilustradas para regresar a la pintura tradicional con óleo sobre lienzo para crear sus nuevas obras.

“He aprovechado esta oportunidad para hacer algo 100% mío”

La exposición ‘Plats Bruts’ “captura para la posteridad un registro implícito de momentos de sobremesa, comidas y nuevas amistades”, resumía Ignasi. Una serie de obras, inspiradas por el Realismo madrileño y en las naturalezas muertas del Barroco italiano y español, que adoptan la presencia de objetos cotidianos, platos y bandejas sucias que, vistos a cierta distancia, parecen reales. Monreal recurre al realismo figurativo para explotar el trampantojo. Los lienzos de restos de comida son tan reales que caes en la tentación de alargar el brazo para coger lo que sobra de los platos. “Quizás Instagram, la posverdad o las fake news hayan sido inspiraciones inconscientes”, bromeaba el artista a la vez que hacía suya una máxima de Caravaggio: “El arte debe reflejar el pulso de la vida con todos sus matices y oscuridades, por triviales que parezcan”.

Esta serie de lienzos es el resultado de lo que ha sido la vida de Monreal estos últimos meses: un paréntesis tras los encargos comerciales de las principales firmas de lujo anteriormente citadas. En este tiempo, Ignasi Monreal se ha refinado a la fuerza y es precisamente en estos platos sucios cuando el joven artista inicia un camino de retorno a las Bellas Artes con una colección de obras creadas por iniciativa propia, siguiendo solo su instinto y enfrentándose a la dimensión material del arte: tiempos de secado, procesos químicos del óleo y el paso de las dos a las tres dimensiones. “Ha sido un proceso de reaprendizaje fascinante”, concluía Monreal en su portafolio digital.

‘Plats Bruts’ permanecerá abierta al público en La Fresh Gallery hasta el 12 de abril. Una oportunidad de oro para conocer de cerca la atrayente obra de Monreal.

El rosa ya no es solo un color atribuido tradicionalmente a la feminidad, al encanto o a la cortesía. La tonalidad que proviene del nombre de una flor se ha despojado de sus atributos delicados para abanderar en la actualidad nuevos simbolismos que evocan al coraje, la fuerza o la valentía. Llega el poder del pink power en la industria de la moda. No estamos hablando de un rosa cualquiera. La tonalidad pink se refiere a un rosa chocante. El rosa fuerte y chillón que tiene algo de violeta y que los expertos del color llaman “magenta”.

Sabías que…

La modista italiana Elsa Schiaparelli, que llevó a la moda las ideas de los pintores surrealistas, lanzó en 1931 un nuevo color: shocking pink, una mezcla de magenta y una pizca de blanco (parecido al fucsia). Un color que la diseñadora usó en moda para provocar y desafiar las normas establecidas. En paralelo, también creó un perfume que llamó del mismo nombre y se vendía en una caja de aquel color, dentro de la cual había un frasco con la forma de un busto femenino. Este lanzamiento dejó literalmente en shock al público porque nadie había creído que el rosa pudiera ser tan agresivo. El rosa pink no tiene ninguna de las cualidades femeninas tradicionales.

La revolución rosa

El rosa está y sigue estando en boga. Más allá de la tonalidad vinculada a una generación, el rosa millennial, la industria de la moda ha aprovechado el tirón de la popularidad de este controvertido color para subir el tono en prendas, complementos y accesorios con su vistosidad y cierta rebeldía. El pink imprime carisma. No en vano, fue uno de los colores preferidos que se exhibieron en la alfombra roja de los Oscar 2019. Y ya sabe que en la red carpet más poderosa e influyente del mundo, no hay nada que se deje al azar.

De rosa pink fue la actriz Julia Roberts, que entregó el premio a mejor película a ‘Green Book’ enfundada con un vestido de Elie Saab. Un diseño con corte asimétrico, fruncido en la cintura y bajo con volantes de distinta longitud que ponía el broche final a la gala. De vibrante rosa fue el comentado estilismo de Linda Cardellini firmado por Schiaparelli confeccionado en tul con escote en V, largo asimétrico y una delicada cola que se extendía a lo largo del suelo. O el despampanante diseño de Valentino con cuello elevado que lució la actriz y modelo británica Gemma Chan.

 

El rosa también fue el color preferido por Sarah Paulson, la actriz de ‘American Horror Story’ que sucumbió a su poder con un vestido de abertura cut out de gran volumen de Brandon Maxwell. Por su parte, la actriz británica Helen Mirren lució un vestido vaporoso de Schiaparelli. Una propuesta con escote en forma de V y fruncido en la cintura que jugaba con diferentes intensidades de rosa. Angela Basset, una de las actrices de la película ‘Black Panther’ también optó por la versión más brillante y metalizada de este color en un modelo de Reem Acra de escote asimétrico.

Sin lugar a dudas, el rosa pink dará mucho que hablar este 2019.

La noticia dejó en shock a la industria de la moda, que en cierta manera se queda huérfana al perder a uno de sus emblemáticos (y controvertidos) diseñadores contemporáneos. La era de Karl Lagerfeld ha llegado a su fin y quizás aún cuesta de creer que pudiera tener límites para esta mente incansable que no abandonó el oficio hasta el final. El icónico modisto de origen alemán murió el pasado martes a los 85 años en París. Existían rumores que la salud de Karl estaba debilitada o que su retirada era inminente. De hecho, su ausencia en el desfile de la colección primavera-verano 2019 el pasado enero ya había desatado las primeras alarmas, ya que el kaiser de la moda no había faltado a ninguna de sus citas desde sus comienzos en Chanel, en 1983. Se consideró el diseñador más longevo al frente de una casa de costura. El único junto a Armani que siguió en activo más allá de los 80 y que más allá de la dirección creativa, fue un reconocido artista a nivel mundial. Vale la pena destacar que Karl Lagerfeld fue homenajeado por su trayectoria en los British Fashion Awards en 2016.

Las condolencias por la pérdida de Karl Lagerfeld no se han hecho de esperar y entre el alud de personalidades notorias del sector que han mostrado su dolor y alabado la genialidad del kaiser destacan las declaraciones de las tres firmas por las cual trabajó hasta el último suspiro: Fendi y Chanel. “Le debemos mucho: su buen gusto y el talento fueron los más excepcionales que he visto jamás”, defendía su amigo Bernard Arnault, presidente y consejero delegado del imperio de lujo LVMH. “Siempre recordaré su imaginación inmensa, su capacidad de concebir nuevas tendencias, su energía inagotable, la virtuosidad de sus dibujos, su cuidadosamente guardada independencia, su cultura enciclopédica y su humor y elocuencia únicos”. Por su parte, a través de un un comunicado, Chanel también ha mostrado su dolor por la pérdida alabando la figura de Karl como clave en el proceso de resurrección de la maison francesa. Así se expresaba Alain Wertheimer, CEO de Chanel: “Gracias a su genio creativo, generosidad e intuición excepcional, Karl Lagerfeld se adelantó a su tiempo, lo que contribuyó ampliamente al éxito de Chanel en todo el mundo”. Karl también lideraba la firma con su propio nombre. Pier Paolo Righi, CEO de Karl Lagerfeld así lo declaraba: “El mundo ha perdido a un icono. Karl Lagerfeld fue un genio creativo; influyente, curioso, fuerte y pasional. Deja atrás un legado extraordinario como uno de los grandes diseñadores de nuestro tiempo”.

El hombre que resucitó Chanel

De la extensa y prolífica trayectoria del polifacético Karl Lagerfeld, el kaiser ha pasado a la historia por ser el director artístico que logró resucitar una firma que se consideraba anticuada. Sí, hablamos de Chanel, un negocio en decadencia hace 36 años. “Hemos perdido una mente creativa extraordinaria a la que le di carta blanca a principios de los 80 para reinventar la marca”, recordaba en el mismo comunicado el presidente de Chanel, Alain Wertheimer. Así, Karl heredó la creatividad del imperio de Gabrielle en enero de 1983 y lo más difícil: logró modernizar los clásicos de la célebre maison sin perder su esencia: los conjuntos de tweed, los vestidos negros, los bolsos icónicos, las perlas, los zapatos bicolores, las camelias… Todo lo que pasaba bajo la óptica de Karl recibía un nuevo reenfoque de acuerdo con el público y las necesidades de cada época. Esto posicionó nuevamente a Chanel como un modelo de negocio global y transversal que marcó las bases de la industria del lujo actual.

Su trabajo no tenía fin y los ritmos eran taquicárdicos. Lagerfeld creaba 10 colecciones anuales para la casa francesa y otras dos para la italiana Fendi. Ahora la dirección artística recae en manos de Virginie Viard, su mano derecha. Viard trabajó mano a mano con el kaiser durante más de 30 años y Chanel le ha encargado “seguir el legado de Gabrielle y Karl” en el mismo comunicado.

Sin término medio

Karl Lagerfeld nunca dejó indiferente a nadie. Ni por ética ni por estética. No fue un hombre de términos medios. Su estilo era su arma y armadura exterior: siempre vestido de negro, camisa blanca impoluta, cabello con coleta corta, decenas de anillos, mitones y sus inconfundibles gafas de sol. “Soy una caricatura de mí mismo, y me gusta. Para mí, el carnaval de Venecia dura todo el año”, aseguraba. Tampoco pasaban desapercibidos sus juicios controvertidos, auténticos “zascas” para quien los recibía. Calificar a la cantante Adele como “un poco demasiado gorda” o frases polémicas como “Odio a los niños”, “La clase media no tiene suficiente clase”, “Compra tallas pequeñas y menos comida”, Los estampados florales son para mujeres gordas de mediana edad”, “Sé políticamente correcto, pero no molestes al resto con conversaciones sobre serlo…” fueron algunas de estas perlas de Lagerfeld.

Sobre sucesiones. Viard ya está claro que le sucederá en el trono de Chanel, aunque la pregunta ahora es si se convertirá en una diseñadora de transición ante la quiniela de nombres que siempre acechan a este constante ‘Juego de Tronos’ de la moda. Y sobre la herencia, Karl fue soltero y sin hijos, aunque seguramente su mediática gata Choupette, heredará algo de su fortuna. En consideración sí que la tenía: “Choupette es como una mujer reservada. Tiene personalidad. Almuerza y come conmigo en la mesa, con su propia comida. Y no toca mi comida. No quiere comer en el suelo. Duerme sobre una almohada y hasta sabe cómo usar un Ipad”. Ella conocía su lado más tierno y hogareño.

Foto portada y making of de la campaña 2019 con Penélope Cruz: Cortesía de Chanel

El legado de Dior aterriza en Londres y no de forma discreta precisamente. En febrero, el Victoria and Albert Museum (V&A) acoge la mayor exposición jamás realizada en el Reino Unido dedicada a la maison Dior. Su magnitud no tiene precedentes. De hecho, es la más grande que el museo le haya dedicado a la moda desde la que se realizó en su día en honor al difunto Alexander McQueen: Savage Beauty en 2015.

Basada en la gran exposición ‘Christian Dior: Couturier du Rêve’, organizada por el Museo de las Artes Decorativas de París para conmemorar el 70 aniversario de la casa francesa, la nueva muestra se reinventa para el V&A. Evidentemente, la esencia es la misma: constituye un homenaje sin precedentes al maestro Christian Dior rastreando toda su trayectoria y el impacto de uno de los modistos más influyente del siglo XX. “En 1947, Christian Dior cambió el rostro de la moda con su nueva imagen al redefinir la silueta femenina y revitalizar la industria de la moda parisina de posguerra”, según ha explicado Oriole Cullen, curadora de moda y textiles en V&A.

La muestra también se centra en la historia posterior hasta nuestros días, pasando por los seis directores artísticos que lo sucedieron y que ya se han convertido en una entidad de culto por si mismas dentro y fuera de Dior: desde los atrevidos diseños de Yves Saint Laurent hasta el estilo racional de Marc Bohan, la extravagancia de Gianfranco Ferré, la exuberancia de John Galliano, el minimalismo de Raf Simons y la visión feminista de la moda de Maria Grazia Chiuri. En este sentido, la exposición muestra cómo cada artista de las agujas se mantuvo fiel a la visión de Dior y a su vez, aportó su propia voz y sensibilidad creativa a la masion francesa.

Dior y su fascinación por el Reino Unido

Lo verdaderamente novedoso es que esta exposición cuenta con una sección completamente nueva que explora, por primera vez, la fascinación del diseñador por la cultura británica. Dior admiraba la grandeza de las casas y los jardines de la Gran Bretaña, así como los transatlánticos de diseño británico como el Queen Mary. También tenía preferencia por los trajes de Savile Row. En 1947 realizó su primer desfile en la capital británica, en el Savoy Hotel, y en 1952 ya había establecido Christian Dior London. En esta nueva sección también se exhibirán las colaboraciones creativas de Dior con influyentes fabricantes británicos, así como sus clientes ingleses más notables, desde la autora Nancy Mitford hasta la bailarina de ballet Margot Fonteyn o la princesa Margarita, que lució un vestido de Christian Dior en la celebración de su 21 cumpleaños. Éste será una de las piezas principales expuestas en febrero, gracias a la cortesía del Museo de Londres que lo ha prestado para la ocasión. La muestra, asimismo, evocará los espectaculares desfiles de Dior realizados en las casas señoriales más lujosas del Reino Unido, incluido el Palacio de Blenheim en 1954

El evocador título de la exposición no deja lugar a dudas: ‘Christian Dior: Designer of Dreams’ abarca por supuesto, todas las “maravillas” expuestas en París: más de 500 prendas y objetos, con más de 200 prendas inauditas de alta costura que verán la luz junto con accesorios, fotografías de moda, fragmentos de películas, perfumes de época, maquillaje original, ilustraciones, revistas y hasta objetos personales de Christian Dior. También muestra los aspectos más destacados de las colecciones de Alta Costura de V&A, incluyendo el icónico Bar Suit, que se presentó el mismo año de lanzamiento de la marca e influenció las siluetas de cintura de avispa y las faldas abombada de la década de los 50. A su vez, la exhibición destacará la visión de la feminidad de Dior y el relevante papel que han jugado las flores en la maison: un emblema de la casa desde tiempos inmemoriales que ha inspirado siluetas, bordados y estampados.

‘Christian Dior: Designers of Dreams’ se inaugura el 2 de febrero y estará en vigencia hasta el 14 de julio. Es sin duda una ocasión para revivir la memoria del legendario modista de los sueños. Una oportunidad única para soñar despierto ante tanta belleza.

Fotos: Cortesía de Dior

Las lentejuelas no son sólo sinónimo de celebración. En todo caso, tampoco vamos a negar lo contrario porque es evidente que durante los períodos festivos -principalmente entre Navidad y Nochevieja- es cuando lucen en su máximo esplendor. Pero ¿por qué nos empeñamos a reservar este tejido brillante para las ocasiones especiales?

El cambio ya ha empezado. En las últimas temporadas, hemos observado como, poco a poco, las lentejuelas han conquistado el asfalto protagonizando los atuendos diarios de celebridades y personalidades destacadas del mundo de la moda. En varios tamaños desde el XS al XL, creando vistosos mosaicos gráficos o en bloques de color, en esta transición a la moda de calle, las lentejuelas se han asomado en todas sus versiones para dar ese aire radiante a los looks diarios.

¿Cómo combinar estas cuentas brillantes en el día a día? La clave, más que en el tejido, se encuentra en la propia prenda y en la manera como se combine. La prenda estrella de la temporada es la falda midi estrecha. Una pieza ideal para sumar brillo a un atuendo diario sin riesgo de equivocar-se. Esta prenda se puede combinar con prendas neutras como suéteres básicos, camisas blancas o abrigos en tonos apagados, que atenúen el efecto brillante de las lentejuelas. De esta forma se consigue un outfit elegante, atrevido y juvenil.

Más allá de la falda o los pantalones estrechos, se pueden utilizar otras prendas con lentejuelas que también son fácilmente combinables como un top con tirantes, una camiseta o un jersey fino. Un truco para integrarlo con tu vestuario es jugar a las superposiciones: se trata de un recurso efectivo para combinar varias prendas restando el efecto bling bling de las lentejuelas.

Por último, hay una prenda que mantiene todo su poder si se elabora con tejido de lentejuelas: son las chaquetas cortas y blazers. Una opción versátil y socorrida para los estilismos nocturnos. Para rebajar su intensidad, es recomendable llevar un look en blanco y negro debajo. Aún así, su efecto brillante hace que, con lentejuelas, nunca se pase desapercibida.

En Gratacós, te mostramos una selección de tejidos de lentejuelas muy variada y colorista para que inventes con ellos las prendas que protagonizarán los looks de la nueva temporada. ¡Imaginación al poder!

La moda y la ilustración han mantenido desde siempre un vínculo muy próximo. De hecho, esta alianza no es ningún fenómeno nuevo. En el siglo pasado, el dibujo se utilizaba como vehículo de transmisión de las tendencias dando forma a las propuestas más creativas del sector. La ilustración crea un lenguaje visual que conecta con el arte y le aporta valores añadidos como la originalidad, la autenticidad, la identidad. Esta disciplina también es capaz de apelar a los consumidores, especialmente los jóvenes, que ven en la ilustración un canal de expresión genuino para mostrar un producto o una marca.

Actualmente, la ilustración experimenta una nueva etapa dorada con una hornada de artistas que plasman en anuncios, campañas, colecciones, lookbooks, revistas de moda, … sus planteamientos singulares al compás del negocio al que representan. Soportes cada vez más innovadores que consiguen crear ese anhelado efecto sorpresa. Estos neo ilustradores se dan a conocer a través de las redes sociales (especialmente en Instagram) como plataforma de difusión global de su trabajo. La conocida revolución digital del trabajo individual donde cada like hace que el trabajo del artista sea más universal.

Este auge también ha propiciado que, en los últimos años, la línea entre el arte y la ilustración de moda se ha desvanecido y a estos creadores se les ha dejado de poner el adjetivo de “comerciales”. Hoy, muchos coleccionistas de arte contemporáneo buscan desesperadamente obras originales de estos ilustradores, a la vez que surgen galerías de arte especializadas. Es el momento para reivindicar la ilustración de moda como una forma de arte en sí misma.

Conscientes de este nuevo auge y poder, el Museo ABC ha impulsado una exposición que abarca el fenómeno de cerca. Así, bajo el título ‘Fina estampa. Ilustración y moda’, la muestra recoge un total de veintidós artistas (nacionales e internacionales, emergentes y establecidos) que trabajan con la ilustración y la pasarela, con más de 150 obras originales expuestas. “Es el momento de reivindicar la ilustración de moda como una forma de arte en sí misma. Y qué mejor que coincidiendo con su Segunda Edad de Oro y reuniendo a aquellos creadores que han revolucionado el sector en las últimas décadas” ha dicho Jesús Cano, comisario de la muestra.

“Es el momento de reivindicar la ilustración de moda como una forma de arte en sí misma”

Una historia que empieza con la firma de maestros como Mats Gustafson, David Downton, Aurore de la Morinerie, François Berthoud, Jean-Philippe Delhomme, Unskilled Worker, Gill Button, Hiroshi Tanabe, Jason Brooks, Tanya Ling o Jordi Labanda, y que continúa con voces como Ricardo Fumanal, Richard Haines, Jowy Maasdamme o Richard Kilroy. Más de la mitad de los artistas seleccionados son mujeres que están marcando el paso. Entre ellas, encontramos nombres como Blair Breitenstein, Laura Gulshani, Inés Maestre, Hellen Bullock, Amelie Hegardt, Cecilia Carlstedt o Rosie McGuinness.

La exposición #FINAESTAMPA_ pretende sintetizar este preciso momento a través de trabajos, estéticas y técnicas que se emplean en la segunda década del siglo XXI. Una radiografía de una disciplina subjetiva y abstracta que crea emociones y proximidad donde el producto deja de ser algo físico para convertirse en un ente abstracto, apetecible e inspiracional. La muestra es también un homenaje a la historia personal de cada ilustrador que protagoniza la muestra.

#FINAESTAMPA_ se podrá ver del 15 de enero al 19 de mayo de 2019 en la sede del museo y forma parte del programa oficial de la segunda edición de Madrid Design Festival.