Londres rinde homenaje a Mary Quant (Inglaterra 1930), leyenda viva de la moda y culpable de alborotar toda una época: los años 60 con una prenda de lo más irreverente, la minifalda. Aunque se disputa la autoría de tal prenda con el modisto francés André Courrèges, “la madre de la minifalda” supo popularizarla y acercarla a todo el mundo. “El objetivo de la moda es hacer que la ropa esté disponible para todos”, solía recordar. Ahora el museo Victoria&Albert ensalza a esta diseñadora que revolucionó la escena de la moda en aquella década de ebullición para que las nuevas generaciones conozcan de cerca su gran contribución. En palabras de Jenny Lister, una de las comisarias de la exposición, “Mary Quant es conocida como la artífice de la democratización de la moda en el Reino Unido”.

El origen de la minifalda está conectado con la música, el baile y la moda urbana del momento. Se dice que nació a finales de los años 50 en Norteamérica y para bailar los nuevos ritmos de swing y rock, las faldas poco a poco se fueron acortando. Quien captó esta progresiva regresión y este cambio fue Quant, quien en 1955 abrió una pequeña boutique llamada Bazaar en la calle de King’s Road en el barrio de Chelsea. Para darle visibilidad, Quant fue de las primeras en adoptar esta prenda que dejaba al descubierto piernas, rodillas y algo de pantorrillas, un verdadero escándalo en una época donde se desafiaban los convencionalismos. Poco a poco, desde su pequeña tienda en Londres, la diseñadora captó la atención de los jóvenes y de la propia industria que veía en sus minifaldas y petos de colores llamativos y acabados brillantes un atisbo de rebeldía, transgresión y frescura, tres conceptos que ligaban con la manera de pensar de las nuevas generaciones.

Mary Quant es la artífice de la democratización de la moda en el Reino Unido

Quant no tenía formación especializada en moda y de hecho sus creaciones eran el resultado de un aprendizaje personal que incluía la experimentación con diferentes materiales. Fue esa valentía y actitud rebelde que sedujo a la industria y se convirtió en un referente para las mujeres de la época. Junto a la modelo Twiggy, Mary Quant logró que esta corta prenda se convirtiera en la marca registrada no solo de su marca de ropa sino también de toda una década. Había nacido un símbolo. Tanto fue su éxito que, en 1966, la reina Isabel II le concedió la medalla de la Orden del Imperio Británico por su contribución a la moda, distinción que recogió en Buckingham ataviada con una de sus minifaldas.

La exposición expone 200 piezas en las que se refleja la colorida e innovadora identidad de la diseñadora británica. Incluye las famosas faldas junto con otros diseños, así como accesorios y cosméticos, en un llamativo recorrido cronológico que abarca desde 1955 a 1975. Entre accesorios y vestidos, el museo también recopila una selección de prendas y fotos de mujeres anónimas luciendo los diseños de Quant que evidencia la importancia de la minifalda para la moda de una década. La muestra estará abierta al público hasta el 16 de febrero de 2020.

The Colour Community acaba de presentar el nuevo informe de colores y materias que influenciaran la temporada Otoño-Invierno 2020-2021 en el mundo del diseño y la moda. La iniciativa, liderada por tres profesionales del color, se presentó, como es habitual, en la Antigua Fábrica Estrella Damm de Barcelona, ante la atenta mirada de un centenar de entusiastas del sector. Recordamos que el equipo fundador lo conforman el arquitecto Pere Ortega; la diseñadora especializada en Colour & Trim, Eva Muñoz; y Rosa Pujol, Textil & Colour Stylist de Gratacós. En cada edición a este “equipo madre” se le suman nuevos colaboradores que aportan su visión, y ayudan a configurar la nueva carta de colores y materias que inspirarán la nueva temporada. Una iniciativa que se repite dos veces al año y que cuenta con nuestro apoyo. “Gratacós siempre está con las puertas abiertas, en nuestro espacio de moda, para todo amante del tejido, la textura y el color”, aseguró Juan Gratacós en el inicio de la presentación del informe.

Juan Gratacós: “Nuestro espacio de moda siempre está abierto a los amantes del tejido, las texturas y el color”

En esta ocasión, la temporada se basa en el concepto de ‘Multiple’ y consiste en una reflexión en clave positiva sobre la sociedad futura donde la línea de lo real y lo virtual será más difusa que nunca. “Actualmente esta virtualidad de la realidad existe en las redes sociales o en los videojuegos, pero poco a poco, va a ser tan tangible como lo que ahora nosotros llamamos realidad”, explicaba Pere Ortega en la presentación del informe. La propuesta ‘Multiple’, a su vez se articula a través de cuatro gamas de color y materias bautizadas como On, Inside, Balanced y Metronome.

Pere Ortega: “Actualmente esta virtualidad de la realidad existe en las redes sociales o en los videojuegos, pero poco a poco, va a ser tan tangible como lo que ahora nosotros llamamos realidad”

1.- On

La primera inspiración apela al dinamismo, a la creación de un diálogo con las nuevas realidades que son virtuales. Es una gama dinámica y versátil que crea productos conectados con el ser humano en un entorno digital. Los tonos escogidos para conceptualizarla son los fríos en su versión más atractiva: grises metalizados, iridiscentes, azules encendidos, negros brillantes y toques de amarillo que juegan al contraste. Una gama de temática industrial y futurista que juega con materias plásticas, oleosas, líneas arquitectónicas rectas y curvas y las formas artificiosas. Fantasía bajo control.

2. Inside

La segunda gama es más densa y teatral que la primera. Trabaja el tema de las realidades que miran el pasado. Una especie de retrospectiva. Los tonos que se utilizan para darle forma son los marrones, los morados, los azules profundos y la gama de metalizados que siempre aparece en cada una de las cuatro inspiraciones como nexo común. Los estampados florales, las formas orgánicas, las líneas sinuosas, los elementos de la naturaleza, las tapicerías… todos estos elementos influyen en esta gama intimista que toma de ejemplo el barroquismo de Versalles en su versión más contemporánea.

3. Balanced

La tercera inspiración se basa en el concepto del equilibrio y las armonías cromáticas. Es una gama modesta que se inspira en las formas y las texturas de la naturaleza y trabaja la artesanía de una manera muy folk. Los colores predominantes hacen referencia al otoño: los beiges, los tierra, el blanco, los metalizados y los verdes bosque mezclados con azules vibrantes. Las rugosidades, las pieles, los elementos geométricos más básicos y la influencia tribal también se tratan en esta gama folklórica.

4. Metronome

Por último, la cuarta inspiración se basa en el ritmo métrico del metrónomo con elementos en movimiento que siguen su compás: un trabajo de colores que vienen y vuelven, y a su vez juegan a los contrastes. Esta gama pertenece al mundo de la ciudad: es urbana, cosmopolita y juvenil. Se inspira en toda la multiplicidad de personas, tribus e individuos que conviven dentro de una misma comunidad. Abundan los tonos grises, los detalles plateados y los metalizados en superficies lisas que contrastan con elementos gráficos y estampados arty. El denim y las superposiciones de prendas, entendidas como muestra de expresión, configuran las distintas identidades que conforman una misma ciudad.

¿Estás preparado para jugar? El juego en su sentido más amplio. El juego como diversión, donde hay espacio para la experimentación mezclada con pizcas de entretenimiento y grandes dosis de curiosidad. En esta nueva temporada que estrenamos, rendimos homenaje al ocio, al recreo, a la libertad en una colección que se inspira, como no podía ser de otra manera, en el concepto ‘Play’. Una propuesta sofisticada y desenfadada a la vez, que apuesta por el colorido, el movimiento con tejidos ligeros y la artesanía para los meses más cálidos del año. Una colección Primavera-Verano 2019 que cuenta con grandes dosis de creatividad e ingenio por parte de nuestro equipo de diseño, que hacen de Gratacós una empresa de tejidos de lujo con un estilo y una personalidad definida. Así, pues disfrutemos de la nueva propuesta que hemos preparado con la intención una vez más de sorprender y emocionar. Juguemos juntos: Let’s play!

“Play es una propuesta sofisticada y desenfadada a la vez que apuesta por el colorido, el movimiento y la artesanía”

Concepto general

‘Play’ es una colección amable que busca la aparente simplicidad con productos que sean atractivos y atrayentes a simple vista. Es una propuesta estética basada en artículos atemporales alejados de la extravagancia y la artificiosidad, pero estos tienen que aportar un rasgo distintivo, cierta personalidad. No queremos el básico versátil un tanto ñoño, sino que le damos un giro creativo. En paralelo, rescatamos los rasgos característicos de la cultura folk y apostamos por la artesanía para presentar tejidos tradicionales con aspectos rústicos y detalles manuales.

“Buscamos la simplicidad aparente con productos atractivos y atrayentes a simple vista”

Tejidos

El objetivo de esta colección es revitalizar el lujo de las texturas y las materias. Para conseguir los nuevos básicos, utilizamos tejidos impecables con apariencias limpias y serenas. También Jacquards coloridos con relieves táctiles, tejidos fluidos de seda o poliéster de apariencia delicada, gasas con transparencias, rasos densos, materiales iridiscentes que captiven la luz o estampados de flores de acuarelas. A su vez, dentro de la tendencia folk, recuperamos las texturas granulosas, los aspectos fibrados y ligeros que evidencian el relieve a través de la hilatura, los relieves artesanales y los bordados con motivos inspirados en la naturaleza.

“Revitalizamos el lujo de las texturas y las materias”

Colores

La gama de colores evoluciona de lo natural a lo artificial. Así, los tonos pastel y las tonalidades dulces y golosas dan paso a los colores más vivos en una transición suave y en clave muy femenina. Las tonalidades más vibrantes se destinan a los detalles. ‘Play’ es también una colección dedicada a la luz, es por eso que, también apuesta por las iridiscencias, las transparencias y el nacarado con un guiño al mar.

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Ignasi Monreal (Barcelona, 1990) es uno de los ilustradores de moda más populares del panorama nacional, el ojito derecho de la industria cuya obra dibujada se ha popularizado a nivel internacional. Para quienes no le sigáis la pista, sus ilustraciones han llamado la atención a clientes tan destacados como Gucci, Dior, Louis Vuitton, Four Season o JW Anderson que han contado con su arte para sus últimas campañas publicitarias. Esta vez, el joven artista, residente en Roma, ha retomado los pinceles para crear una de sus obras más intimistas, dedicada a algo tan mundano y universal como es la comida o el acto de la sobremesa, una vez quedan los platos semidesnudos: “He aprovechado esta oportunidad para hacer algo 100% mío, esto es lo que pasa cuando me das tres meses de libertad”, aseguraba Ignasi en su página web.

De la ilustración a la pintura reflejando lo mundano

“La vida en Roma ha hecho del comer el eje principal de mi vida en comunidad, y teniendo en cuenta que está todo muy rico, he desarrollado una serie de memorias muy ligada a los sentidos”, explicaba el artista catalán en la presentación de su primera muestra de pintura en La Fresh Gallery de Madrid, dentro de las actividades que impulsa la feria internacional ARCO, dedicada al arte contemporáneo. Así, Monreal ha abandonado el iPad, que utilizaba para ilustrar las campañas ilustradas para regresar a la pintura tradicional con óleo sobre lienzo para crear sus nuevas obras.

“He aprovechado esta oportunidad para hacer algo 100% mío”

La exposición ‘Plats Bruts’ “captura para la posteridad un registro implícito de momentos de sobremesa, comidas y nuevas amistades”, resumía Ignasi. Una serie de obras, inspiradas por el Realismo madrileño y en las naturalezas muertas del Barroco italiano y español, que adoptan la presencia de objetos cotidianos, platos y bandejas sucias que, vistos a cierta distancia, parecen reales. Monreal recurre al realismo figurativo para explotar el trampantojo. Los lienzos de restos de comida son tan reales que caes en la tentación de alargar el brazo para coger lo que sobra de los platos. “Quizás Instagram, la posverdad o las fake news hayan sido inspiraciones inconscientes”, bromeaba el artista a la vez que hacía suya una máxima de Caravaggio: “El arte debe reflejar el pulso de la vida con todos sus matices y oscuridades, por triviales que parezcan”.

Esta serie de lienzos es el resultado de lo que ha sido la vida de Monreal estos últimos meses: un paréntesis tras los encargos comerciales de las principales firmas de lujo anteriormente citadas. En este tiempo, Ignasi Monreal se ha refinado a la fuerza y es precisamente en estos platos sucios cuando el joven artista inicia un camino de retorno a las Bellas Artes con una colección de obras creadas por iniciativa propia, siguiendo solo su instinto y enfrentándose a la dimensión material del arte: tiempos de secado, procesos químicos del óleo y el paso de las dos a las tres dimensiones. “Ha sido un proceso de reaprendizaje fascinante”, concluía Monreal en su portafolio digital.

‘Plats Bruts’ permanecerá abierta al público en La Fresh Gallery hasta el 12 de abril. Una oportunidad de oro para conocer de cerca la atrayente obra de Monreal.

La moda y la ilustración han mantenido desde siempre un vínculo muy próximo. De hecho, esta alianza no es ningún fenómeno nuevo. En el siglo pasado, el dibujo se utilizaba como vehículo de transmisión de las tendencias dando forma a las propuestas más creativas del sector. La ilustración crea un lenguaje visual que conecta con el arte y le aporta valores añadidos como la originalidad, la autenticidad, la identidad. Esta disciplina también es capaz de apelar a los consumidores, especialmente los jóvenes, que ven en la ilustración un canal de expresión genuino para mostrar un producto o una marca.

Actualmente, la ilustración experimenta una nueva etapa dorada con una hornada de artistas que plasman en anuncios, campañas, colecciones, lookbooks, revistas de moda, … sus planteamientos singulares al compás del negocio al que representan. Soportes cada vez más innovadores que consiguen crear ese anhelado efecto sorpresa. Estos neo ilustradores se dan a conocer a través de las redes sociales (especialmente en Instagram) como plataforma de difusión global de su trabajo. La conocida revolución digital del trabajo individual donde cada like hace que el trabajo del artista sea más universal.

Este auge también ha propiciado que, en los últimos años, la línea entre el arte y la ilustración de moda se ha desvanecido y a estos creadores se les ha dejado de poner el adjetivo de “comerciales”. Hoy, muchos coleccionistas de arte contemporáneo buscan desesperadamente obras originales de estos ilustradores, a la vez que surgen galerías de arte especializadas. Es el momento para reivindicar la ilustración de moda como una forma de arte en sí misma.

Conscientes de este nuevo auge y poder, el Museo ABC ha impulsado una exposición que abarca el fenómeno de cerca. Así, bajo el título ‘Fina estampa. Ilustración y moda’, la muestra recoge un total de veintidós artistas (nacionales e internacionales, emergentes y establecidos) que trabajan con la ilustración y la pasarela, con más de 150 obras originales expuestas. “Es el momento de reivindicar la ilustración de moda como una forma de arte en sí misma. Y qué mejor que coincidiendo con su Segunda Edad de Oro y reuniendo a aquellos creadores que han revolucionado el sector en las últimas décadas” ha dicho Jesús Cano, comisario de la muestra.

“Es el momento de reivindicar la ilustración de moda como una forma de arte en sí misma”

Una historia que empieza con la firma de maestros como Mats Gustafson, David Downton, Aurore de la Morinerie, François Berthoud, Jean-Philippe Delhomme, Unskilled Worker, Gill Button, Hiroshi Tanabe, Jason Brooks, Tanya Ling o Jordi Labanda, y que continúa con voces como Ricardo Fumanal, Richard Haines, Jowy Maasdamme o Richard Kilroy. Más de la mitad de los artistas seleccionados son mujeres que están marcando el paso. Entre ellas, encontramos nombres como Blair Breitenstein, Laura Gulshani, Inés Maestre, Hellen Bullock, Amelie Hegardt, Cecilia Carlstedt o Rosie McGuinness.

La exposición #FINAESTAMPA_ pretende sintetizar este preciso momento a través de trabajos, estéticas y técnicas que se emplean en la segunda década del siglo XXI. Una radiografía de una disciplina subjetiva y abstracta que crea emociones y proximidad donde el producto deja de ser algo físico para convertirse en un ente abstracto, apetecible e inspiracional. La muestra es también un homenaje a la historia personal de cada ilustrador que protagoniza la muestra.

#FINAESTAMPA_ se podrá ver del 15 de enero al 19 de mayo de 2019 en la sede del museo y forma parte del programa oficial de la segunda edición de Madrid Design Festival.

¿Quién soy?

Soy Nerea More, pero me conoceréis (o quisiera que me conocierais) como Ene de Narcisa. Tengo 24 años, soy diseñadora de moda y ejerzo actualmente como Community Manager. Podría decir que me encuentro recién salida del horno porque terminé mis estudios hace dos veranos.

¿Dónde estudié?

Estudié en Idep Barcelona la especialización de Diseño e Imagen de Moda, y cursé el Postgrado de Comunicación para marcas de moda gracias a la beca Idep Gun.

¿Quién es mi alter ego?

Ene de Narcisa nace en 2018 a través de un experimento digital que trata de crear contenido personal para Instagram haciendo hincapié en el narcisismo y el gran ego que surge en las redes sociales. Un proyecto que continúa evolucionando, junto a la necesidad de creación de diseño y la participación en proyectos de moda como Sastreria Moderna.

“Mi proyecto hace hincapié en el narcisismo y el gran ego que surge en las redes sociales”

¿Cómo me defino?

Mi estilo a la hora de diseñar oscila entre los conceptos “athleisure”, “urban couture” y “street couture”. Es decir, trato de diseñar prendas que buscan sinergias entre la ropa deportiva y la alta costura. En cada diseño intento mezclar la funcionalidad y la comodidad, con detalles y patrones que requieren el tiempo y la elaboración de las prendas hechas a medida.

¿En qué me he especializado?

Mi especialidad en el mundo del diseño es la ropa femenina. Quizás porque intento diseñar prendas que me gustaría vestir a mí y que nos hagan sentir empoderadas. No puedo elegir especialidad ya que cuando diseño intento mezclar diseño de plana, punto circular y crear piezas que parten del volumen sobre maniquí “moulage”.

¿Cómo me reconoceréis?

Estoy a punto de lanzar mi primera colección como Ene de Narcsia y os puedo adelantar que no faltaran los mensajes en los tejidos de algunas prendas. Estos me ayudan a dar solidez al concepto de la marca y refuerzan la historia que quiero contar. Además, de esta forma consigo aportar el punto deportivo que siempre necesito para que la propuesta sea redonda. Tampoco puede faltar la combinación de tejidos técnicos con otros materiales más sofisticados como la seda, la lana o incluso los Jacquards de brocados metálicos. Esta mezcla hace la diferencia y es donde yo me siento en casa.

“Intento diseñar prendas que me gustaría vestir a mí y que nos hagan sentir empoderadas”

Este es mi proyecto.

Mi primera colección fuera del ámbito académico ha sido para la pop up de Sastreria Moderna. En este evento efímero diseñé tres piezas (cazadora, falda y vestido) para una propuesta especial junto a otras diseñadoras. El título de esta micro colección capsula era ‘Sin subtítulos’ porque quería expresar que no siempre se necesita un concepto o una justificación para crear algo. En este sentido, reivindico el concepto de crear por crear, el de hacer las cosas por amor al arte y, en este evento, con la única condición de crear prendas con los maravillosos tejidos de Gratacós.

¿Dónde me podéis seguir la pista ahora?

De momento en Instagram @Enedenarcisa y ya os avanzo que es donde van a empezar a ocurrir cosas en breve. Físicamente, también me podéis encontrar en el departamento de comunicación de Idep Barcelona, donde trabajo como Community Manage.

Gratacós es para mí…

Gratacós es el lugar donde se cuece todo. Donde nacen las primeras ideas y el lugar de partida de cualquier diseñador que quiere crecer.

Me lo llevo de la tienda…

¡Todo! Y si tuviera que elegir un tejido una fantasía de lentejuelas multicolor.

Corren buenos tiempos para los tonos metalizados que adquieren identidad propia dentro de la moda, más allá de su tradicional vinculación con la fiesta, el lujo y el exceso. Así, en las pasadas temporadas, hemos comprobado como los tejidos metálicos se han adueñado poco a poco de la pasarela en prendas, accesorios y complementos que abrazan un estilo más desenfadado, explorando lo urbano y lo deportivo en un festival estético que entrelaza formas y volúmenes contrastados.

Aun así, la proximidad de las fechas navideñas casi “nos obliga” a recuperar la faceta convencional de los tonos metálicos porque es precisamente en esta época del año donde más presencia tienen en las propuestas festivas. Entre todos los tejidos que irradian luz propia nos centramos con los dos colores brillantes por excelencia que en ocasiones se suelen oponer: el oro y la plata.

La fiebre del oro

El oro siempre se ha asociado a la opulencia, al estilo clásico, a las ornamentaciones barrocas y al lujo en su máximo esplendor. Es el color de la riqueza y de la majestuosidad, del gusto por el exceso. Un tono cálido y ultra luminoso que empodera, resplandece y abruma a su vez porque no acepta medias tintas. El preferido del Rey Midas se mueve entre lo clásico y lo moderno con tejidos que captan la atención de todas las miradas. ¡Resulta imposible que pase desapercibido!

El oro se adueña, por ejemplo, de los tejidos en pedrería, de los plisados y del lamé creando patinas doradas que crean fascinantes juegos ópticos. También está presente en los tejidos de lentejuelas con otras tonalidades más apagadas como el oro viejo o en ricos bordados florales combinados con otros colores como el rojo o el negro.

Plata futurista

Lejos de ser “el hermano menor” del oro, el color plata ha adquirido, en las últimas temporadas, identidad propia explorando su faceta más transgresora. En moda, es también una tonalidad lujosa que se asocia con la modernidad, el movimiento, la tecnología y la innovación. En este sentido, el color plateado es visto como el símbolo del progreso, de lo funcional, lo dinámico y lo técnico mostrando un gran poder de atracción que se vincula con los avances que están por venir como el campo de la ingeniería espacial. De aquí que el color plata se vincula, en ocasiones, con las utopías futuristas.

Esta tonalidad fría se aleja de los tejidos lisos y se apropia de originales texturas como las arrugadas que se asocian al papel de aluminio. En las pasarelas de la actual temporada, destacan algunos vestidos de Calvin Klein 205W39NYC, los matices tornasolados de Emporio Armani o los tejidos con efecto holograma de Balmain. Por último, abundan también los tejidos malla y de grandes lentejuelas brillantes que crean un seductor efecto espejo. Dos clásicos que forman la esencia de Paco Rabanne.

“Gracias Delpozo por estos seis maravillosos años. Me he sentido como en familia, y estoy muy orgulloso de todas las cosas que hicimos juntos”. Esta es la frase de despedida que Josep Font dejó el pasado martes en su Instagram, tras seis años al frente de la dirección artística de la firma. Delpozo por su parte, agradecía casi al mismo tiempo su excelente labor durante estos años. Un intercambio de agradecimientos que pone fin a una fructífera colaboración con éxito.

Josep Font ha sido el encargado de “rejuvenecer y continuar el legado de Jesús (del Pozo)”, según afirmaba Pedro Trolez, presidente de Grupo Perfumes y Diseño, propietario de la casa, haciendo de la marca española una de las más deseadas a nivel internacional. “Tiene una capacidad extraordinaria de mezclar colores, texturas y volúmenes, convirtiéndolos en colecciones delicadas y femeninas. Estoy agradecido por su lealtad y por haber formado parte de esta primera etapa de Delpozo”, añadía Trolez.

Arquitecto de formación, Josep Font se unió al proyecto de Delopozo un año después del fallecimiento de Jesús del Pozo, firma que se fundó en 1974. En estos seis años, Font ha sido el responsable de renovar la identidad de la mujer Delpozo y darle una proyección mundial al desfilar a Nueva York y después a Londres, presentando los dos últimos desfiles. Más allá de la reformulación del nombre (Jesús del Pozo, pasó a llamarse DelPozo) con fines comerciales, el modisto catalán ideó un lenguaje propio inspirado en las formas de la naturaleza para crear voluminosos diseños etéreos y delicados en una paleta muy colorida caracterizada por sus magníficos contrastes: baila entre los tonos pastel más oníricos y los tonos más saturados.

Más allá de la naturaleza, el diseñador también ha bebido del arte, la música y la arquitectura para idear cada nueva colección. Cada cual más sorprendente y aplaudida. Apasionado de la artesanía, Font también ha apostado por los bordados de calidad reclutando personal adecuado para trabajar en su taller. Una tarea que avala esa minuciosidad por el detalle y los acabados en prendas más cercanas a la Alta Costura que al prêt-à-porter en una visión incomparable del armario femenino. Por todo ello, Josep Font ha puesto en valor las piezas bien hechas, la moda cocinada a fuego lento, las siluetas arquitectónicas, el tul, los volúmenes etéreos y el buen gusto sin excesos. Todo ello a través de Delpozo.

De momento, desde Delpozo no han dado pistas de quién será el creativo que cogerá el relievo de Josep Font al frente de la dirección artística. Tampoco se sabe cuál será el siguiente paso a dar por el diseñador catalán que ha conseguido hacer soñar a las mujeres privilegiadas que se han podido vestir de Delpozo en la era de Josep Font.

Septiembre es el mes que evoca al inicio, a la vuelta del trabajo y las rutinas después de las vacaciones. Es el período en qué empieza oficialmente la temporada de frío, que a nivel de tejidos siempre es la más interesante en cuanto a diversidad de texturas, volúmenes y relieves. Os detallamos a continuación algunos detalles que conceptualizan la colección Otoño-Invierno que se engloba bajo el concepto “Share Emotions”. Una propuesta entusiasta que apela directamente a las emociones que transmiten los tejidos y, a su vez, se comparten como estrategia de diferenciación en un mercado sobresaturado: lo que sorprende, emociona y a su vez hace que sea más memorable.

Concepto general

Como explicábamos, el sector del textil es un mercado altamente competitivo donde más que nunca se necesita conectar con el consumidor de alguna forma para que se fije en nosotros. No se puede desperdiciar ninguna oportunidad. En esta propuesta otoñal, la clave de la diferenciación consistirá en apelar las emociones del consumidor creando una experiencia personal que pueda compartir. Partiendo de este vínculo emocional, la colección Share Emotions se articula en tres temáticas diferenciadas que buscan sorprender al consumidor. ¿Cómo? En primer lugar, a través de la búsqueda de la belleza alternativa –aquella que a veces es drástica, abstracta y no estándar- y del estilo propio. En segundo lugar, a través de evocadores paisajes de invierno llenos de matices, colores y texturas. En este aspecto nos fijamos en las “imperfecciones” de la naturaleza. Por último, nos inspira también el confort del hogar como sinónimo del lujo cotidiano y las experiencias emocionales más íntimas que se crean dentro de casa. Un espacio para un nuevo lujo emocional.

Tejidos

En la propuesta Share Emotions, los tejidos se polarizan entre lo extravagante y lo funcional. Entre lo festivo y lo cotidiano. No hay medias tintas. En general, reina el caos creativo a través de las distintas formas, las densidades y los volúmenes fuera de escala. A modo de detalle, los bordes se deshacen, así como las costuras, dejando a su paso una apariencia falsamente descuidada. Esta temporada también se imponen los fieltros, las franelas y los tweeds con rasos sinuosos junto a los tejidos con texturas epidérmicas.

Color

El protagonista de la colección de invierno es el blanco en su estado puro. Un color que transmite pureza y perfección, y simboliza el comienzo o el inicio de una etapa. El blanco también nos evoca a una moda tranquila que invita a la reflexión y a la intimidad. Evidentemente, no todo es blanco en esta colección emocional. También visualizamos la paleta de rosas, malvas y morados, con el fucsia como tono destacado. El azul Klein es otro color a resaltar junto a otras tonalidades menos vibrantes que lo acompañan. En la gama de cálidos priorizamos los anaranjados y, por último, triunfan los metalizados en los tejidos asociados con el ámbito festivo y los irisados, aquellos que atraen la luz y la reflejan a su manera evocando distintas tonalidades a su paso.

En moda y hablando en términos generales, ¿qué nos pasa con el naranja? Es atrayente a simple vista, favorece el tono de piel y enciende con su vitalidad las prendas en tonalidades neutras, avivando cualquier look de verano o invierno. Sabiendo sus puntos fuertes, ¿por qué a l@s consumidores se muestran reticentes en apostar por este color? A continuación, situamos el naranja en el sitio que se merece.

Es verdad, el naranja no es un color fácil de llevar y el exceso de estridencia, que en ocasiones conlleva los tonos más encendidos, hace que no simpatice con la mayoría. Sin embargo, son muchas las celebrities y los profesionales de la industria que han apostado por esta tonalidad en lo que llevamos de año en los street style de las principales pasarelas de moda. Y si el sector se ha rendido al radiante amarillo, el tono más difícil de todos, ¿por qué no le iba a pasar lo mismo al naranja?

El naranja es un color cálido que irradia entusiasmo, energía, alegría y frescura. Es el tono con el que se vincula la creatividad, la diversión, el triunfo y la espontaneidad. Un tono que puede ser vibrante y apagado a su vez, sin que, por ello pierda todos sus atributos. Esta temporada Primavera-Verano 2018, el color que ha predominado en la pasarela es el llamado Safety Orange, según Pantone. Un tono llamativo y brillante, que tira hacia el neón y que atrae todas las miradas. Un color irónicamente traducido como “naranja de seguridad” que contrasta con el resto y raramente pasa desapercibido, por no decir que es prácticamente imposible. Firmas como Jeremy Scott, Tom Ford, Adam Selman, Marc Jacobs o Calvin Klein no han dudado en sacarlo en escena.

¿Y cómo se combina? La primera opción y la más atrevida es llevarlo en su versión total look: de pies a cabeza con el mismo tono o variando la tonalidad hacia otras más pálidas como el melocotón: una prenda encendida con otra apagada. En este caso funciona con un vestido largo, mono o un conjunto dos piezas. La combinación más atrevida sería con el rosa fucsia o el azul Klein creando atrayentes bloques de color. La segunda opción conlleva apostar por una prenda en naranja que resulte excesiva que y que resalte todo el look. El resto por lo tanto tendrá que combinarse con tonos neutros como nudes, tierras, beiges o rosa maquillaje para que no le roben protagonismo a la prenda. Una buena idea por ejemplo sería el de apostar por una chaqueta con suaves texturas o un blazer estampado donde el naranja sea el color protagonista. El naranja también funciona muy bien con vaqueros y prendas en denim, aportando ese punto de jovialidad y desenfado a cualquier atuendo. Por último, una combinación que también funciona consiste en delegar este enérgico color en un modesto segundo plano jugando solo con los complementos como bolsos o zapatos. ¡Cualquier detalle cuenta!

En Gratacós nos gusta el naranja en cualquier temporada. Ya sea en sus versiones más encendidas en sedas, tules o gasas, o en tonos pastel en sutiles Jacquard o bordados de finas texturas. También nos gusta el estampado donde el naranja se entremezcla con otras coloraciones en forma de flores, rayas o prints de fantasía, para citar un par de ejemplos. ¡Te invitamos a qué descubras toda la selección!